Sunset Boulevard

Begginers (2011), Mike Mills

2011-07-31T11:11:00.002Z

Há dias em que nos dá pra ir ao cinema sem sabermos nada do filme que vamos ver. Ontem foi um desses dias. Àparte dos cartazes pelo metro fora - que nada dizem do filme - e que tem o Ewan McGregor (completamente vestido, uma raridade) - Beginners bem podia ser sobre a curação de queijos que eu estava para tudo.

E que pérola, meus caros. Já não me lembrava da última vez que tinha ido ao cinema e saído inspiradíssima, cheia de bons sentimentos e contente de ter decidido dedicar a minha vida a uma indústria tão ingrata. Tudo por pequenos momentos como este.

Nunca tinha ouvido falar de Mike Mills. Mas uma rápida pesquisa na enciclopédia poeirenta virtual diz-me que ele já tinha feito filmes, sim, e vem dos designs gráficos e dos promos, e daquelas coisas que costumam traduzir-se em desastres cinematográficos como Sucker Punch. Mas não. Não sei o que é que o homem come ao pequeno-almoço, mas claramente tem histórias pra contar, desde um documentário que faço questão de fazer aparecer magicamente no meu computador, Does Your Soul Have a Cold?, até um incrível título, Thumbsucker, sobre alguém que está viciado em... sim, em chuchar no dedo.

Mas falemos do filme. Beginners entra a matar. Continuinidade temporal is for sissies. Mas ao contrário de certos filmes que por aí andam (*espirro que soa a Tree of Life*) há uma história por detrás de tudo, e os flashbacks e flashforwards seguem-se com o prazer de construir um puzzle muito, muito bem pensado. Até aos pormenores. Aponta que eu guio.

E no fundo nada mais é que uma simples história sobre um homem atormentado pelo passado - uma mãe deliciosamente excêntrica, um pai que sai do armário, uma rapariga francesa que desafia as coisas a correrem bem, e um cão que fala em legendas - e que tem de decidir se quer arriscar num futuro, contra todo o bom senso, ou ficar preso num círculo vicioso de desapontamento. Uma história simples. Muito bem contada. Que fica no coração.

Nada é extravagante no filme. O trabalho de câmara, as luzes, mesmo a performance. Tudo no ponto. Muito francês, mas no bom sentido - no sentido que de repente somos confrontados com fotos dos anos 60, sob a voice over. Ou que se pode conhecer o amor da nossa vida numa festa de fancy dressing, e que a coitada da rapariga não fala. Mesmo coisas que nada têm a ver com a narrativa - os momentos gloriosos de vandalismo - sabem a um bom marshmallow no topo de um chocolate quente: completamente desnecessários, mas dão-lhe qualquer coisa extra.

Do que é que estão à espera? Vão ver isto. Várias vezes. Não se vão arrepender. A quantidade de frases do filme que me ficaram gravadas na mente é claramente uma prova científica que este vai ser um clássico. De uma maneira ou outra, não é tempo perdido. É um filme sem pretensões, sem grandes respostas, mas com pequenas afirmações. E sabe bem, numa altura em que parece obrigatório para este tipo de filmes serem sobre grandes temas, ver um filme que é sobre ser uma pessoa. Pura e simplesmente.

Are we married yet?

Hanna (2011), Joe Wright

2011-05-24T11:57:00.004Z

Primeira descoberta do dia: filmes que têm trailers que prometem muito mas acabam com as palavras "música original dos The Chemical Brothers" têm uma certa tendência para conseguirem ser uma trip de videoclip.

Segunda descoberta do dia: não é tão bom como Expiação, não é tão mau como Bridesmaids promete ser.

Terceira descoberta do dia: se entre escolher entre ver o filme sozinha e ver com alguém que vai bufar, remexer-se na cadeira, mudar de posição, bufar mais um bocado numa língua incompreensível, abanar a cabeça, pôr as mãos na cabeça, e passar a hora a seguir ao filme a fazer uma descontrução (melhor dizer destruição) das premissas narrativas do filme, pffffffffff, é claramente melhor para a próxima espetar um calmante na comida desse alguém antes do filme ou resumir-se a ser forever alone e espetar-me a mim e à minha independência numa sala perto de mim.

Quarta descoberta do dia:

Que posso dizer eu, destreinada como ando destas andaças blogosféricas? Que foi tão bom como eu esperava que fosse? Não, não o é. Não percebo os high ratings que tem recebido de todo o lado - aparte do facto que Saoirse Ronan é das melhores coisas que por aqui anda - e quiçá compreendo porque é que este script esteve tanto tempo na infame Black List; abandonado por Danny Boyle e tudo, se calhar nunca devia ter acontecido. Ou então devia ter acontecido noutras mãos. Quem sabe. O que está feito feito está.

Deixemos a história que o meu caro amigo resolveu questionar acima de tudo - o que é que acontece à família? porque raio têm eles de ligar o interruptor em vez de sair tranquilamente para a civilização com passaportes falsos? porque é que a tipa os quer matar ao fim de tanto tempo?

Eu estou-me a lixar para questões narrativas, meus caros. Depois de semanas e semanas a mudar a cor de letras no After Effects e a fazê-las saltar uma por uma eu quero é limpar o meu cérebro. Eu quero um bom filme de acção sem pretensões, eu quero estar na beirinha da cadeira e dar o passo em frente para o abismo.

Mas...

Digamos que estarei para sempre contaminada com o trabalho que faço. E que certas coisas me têm o condão de irritar. Como a cena onde a CIA ataca a pequena casa no círculo polar. Ou quando Hanna foge das instalações secretas - parece que Joe Wright se esqueceu por momentos que está a fazer um filme e não um videoclip para os Chemical Brothers...

Talvez o mais irritante seja ainda a sensação que a história está a acontecer a uma velocidade extraordinária, apesar do filme durar quase (oh deuses pecado moderno!) duas horas. Nada fica muito na memória, e nem por um momento a minha boca fez um aw de simpatia por nenhuma das personagens.

Bons momentos: a cena em que o pai sai do aeroporto, desce para o metro, é atacado, luta e defende-se, e vai-se embora - tudo num único take. Sim, digamos que essa é a marca de autor de Joe Wright: preguiça. Quero dizer, virtuosidade.

Mas seria tão bom se ele tivesse parado de olhar para a câmara por um bocado e olhasse para o que se passava à frente dela...

Eclipse (2010), David Slade

2010-07-16T00:06:00.001Z

Io sono L'amore (2009), Luca Guadagnino

2010-06-03T22:28:00.003Z

A família Recchi. Opulência. Etiqueta. Uma tragédia grega passada atrás de cortinas hermeticamente fechadas numa Milão de pormenores que não vêm nos postais. Uma mulher, Emma (Tilda Swinton), presa numa gaiola dourada e que abandona a sua entidade para voltar às raízes da terra e se envolver, qual Lady Chatterley, com o homem que a conquista com camarões singelamente preparados. Da neve e frivolidade inicial até ao êxtase estival antes dos créditos finais. Como se Visconti e Douglas Sirk se tivessem encontrado para uma colaboração inédita. Com John Adams de fundo, como se a música tivesse sido feita para o filme. Ou vice-versa.

Durante 11 anos Tilda Swinton acarinhou este projecto, e com Luca Guadagnino (vale a pena fixar o nome) ele finalmente viu a luz do dia, para gáudio dos olhares cinéfilos que há muito, muito tempo não tinham tal sobremesa nos ecrãs. Poder-se-á falar de haute cinema como se fala de haute cuisine? Haverá melhor exemplo de sinestesia erótica, estaremos perante um fino exemplo do cinema dos sabores? Os primeiros minutos podem parecer uma longa espera para o prato principal – todos os Recchi, todas as regras do bom gosto, uma realidade de vida em que não há trama, e nada se passa, apenas um quotidiano que não se deixa penetrar pelo mundo exterior, mesmo quando esse mundo é a audiência. Mas quando Emma, uma moderna Anna Karerina, se deixa seduzir pela arte culinária – ou pelo aroma de liberdade? – de Antonio, um amigo do filho, somos levados numa jornada até à inesperada catarse final – Tu não existes. E Emma deixa de existir apenas para começar a viver.

Se o preconceito torna de mau gosto ter opiniões favoráveis sobre filmes opulentos, cheios de técnica e com alta sociedade como protagonistas, Eu Sou Amor deita tudo por terra e faz-nos reconsiderar os nossos valores cinematográficos. Não só Tilda Swinton, regressada à velha art house na qual se criou como musa de Derek Jerman, mostra que é uma Actriz com direito a capital maiúscula, como o realizador Luca Guafagnino, ajudado pelo cinematógrafo Yorick le Saux (colaborador habitual de Ozon), inventa uma nova forma de filmar a cidade (Milão, Londres), baseando-se e recriando ao mesmo tempo o cinema italiano dos anos 60. A sensibilidade da narrativa, onde o desfecho dramático do segundo acto é-nos entregue sem a habitual faixa musical, e onde um simples prato de oucha – a sopa de peixe russa – desencadeia a tragédia, deixa um festim nos olhos, na mente e por fim, na alma.

Sim, o cinema italiano está para ficar.

Robin Hood (2010), Ridley Scott

2010-06-03T22:24:00.002Z

Hot Tube Time Machine (2010), Steve Pink

2010-05-22T11:21:00.002Z

Alice in Wonderland (2010), Tim Burton

2010-04-08T10:04:00.002Z

Se há realizador que eu pensei que nunca, nunca me iria desiludir, esse era Tim Burton. Não havia um único filme em toda a sua longa lista (e eu vi-os todos, mes amis), que eu pudesse dizer, ná, não gostei lá muito desse. Mas estava já com receio que fosse acontecer alguma desgraça, algum dia. É inevitável, não é? E o destino tentou salvar-me, tendo demorado... um mês? mais? a conseguir ir ver este filme ao cinema. Toda a gente já tinha visto, as opiniões dividiam-se (COMO É QUE SE PODEM DIVIDIR??? COMO???), e eu achei por bem picar o ponto antes de chegar a Portugal.

Ora... nem sei por onde começar primeiro. Vamos pela história. Mas que raio? Sim, fazer uma sequela do Alice, muito boa ideia, toda a gente conhece a história original, também concordo, mas... que raio de história foi aquela? Sinceramente? Os primeiros dez minutos foram horrendos. E o resto do filme não melhorou. Aliás, quando Alice se atira para dentro do buraco no tronco de árvore, começa o verdadeiro pesadelo.

Não consigo ter qualquer empatia pela Alice, nem sequer rir do seu ridículo noivo, a única coisa que vejo acontecer são coisinhas pequenas desenhadas para fazer a plot avançar com o mínimo esforço possível, que não têm o menor interesse para mim (quero lá saber qual das rainhas ganha no fim, eu cortava a cabeça a ambas), a meia-hora do inicio já parecia que estava a assistir o filme há três horas, Helena Bonham Carter, minha cara, não consegues chegar sequer aos pés da Miranda Richardson no Blackadder II (e para a próxima, escolhe uma influência menos óbvia, ou disfarça mais), Johnny Depp, PORQUÊ?, e todos os sotaques durante o filme fizeram-me não perceber pívias do que se dizia a maior parte do tempo (legendas, onde, onde?). Feliz ou infelizmente, não senti a falta de perceber. Não me parece que fosse ter grande impacto na minha opinião final.

E sim, eu sei, mas qual é a onda do 3D? Porque raio foi este filme feito em 3D?? (em pós-produção, acrescento, como ávida leitora do American Cinematographer que me tenho tornado nos últimos tempos). Uma grande perda de tempo. E um grande roubo na minha carteira (aparentemente, nesta ilhota, pode-se reutilizar óculos 3D... pffff. Incha pelos óculos...).

Até a maldita música é irritante! Argh. E porquê tanta coisa à volta da "violência" da batalha final? Bocejo.

Eu tenho uma teoria (como sempre). Tim Burton + Disney NÃO FUNCIONA. E por favor, senhor Burton, e digo-lhe isto não como de um membro da audiencia para um realizador, mas como de uma realizadora grande admiradora e confiante no poder da revolução digital para outro - LARGUE OS BRINQUEDOS E TRABALHE. Sinceramente. Até eu me senti uma idólatra do 35 mm no fim deste filme...

Quando achamos que o nosso companheiro de desventuras gastou melhor o dinheiro do bilhete dele porque dormiu durante o filme quase todo... está tudo dito. Argh.

Kick-Ass (2010), Matthew Vaughn

2010-04-04T08:46:00.001Z

A Single Man (2010), Tom Ford

2010-02-18T15:49:00.002Z

The Road (2009), John Hillcoat

2010-01-27T21:31:00.000Z

Após um desastre mundial nunca explicado, o mundo caminha lentamente para a extinção da raça humana. O Homem caminha na estrada com o Filho, em busca de alimentos, abrigo e tentando evitar ser comidos por outros ex-seres humanos mais ousados. Em sonhos com alguma cor, o Homem relembra a esposa de tempos idos, que deu à luz o filho quando tudo começou a correr mal, e que preferiu perder-se em direcção à Floresta do que lutar pela sobrevivência com eles. Uma Parábola do Fim dos Tempos, onde o mundo como o conhecemos deixou, pura e simplesmente, de existir.

Se há filme com uma lógica de marketing retorcida, esse é A Estrada. Anunciado como uma adaptação de Cormac McCarthy, o autor do livro que deu origem ao oscarizado Este Pais Não É Para Velhos, não é preciso ter dois palmos de testa para chegar à conclusão óbvia de que o estilo sombrio de Cormac McCarthy resulta de maneira muito diferente através dos irmãos Coen, com o seu culto da comédia negra, e com John Hillcoat – (conhecido pelos seus “dramas com testosterona”, entre os quais se conta A Proposta) atrás da câmara de um drama pós-apocalíptico que nada tem de cómico.

Isso não impede de A Estrada ser claramente a adaptação literária do ano, numa bastante óbvia piscadela de olhos à Academia (estratégia que envolveu mesmo mudar a data de estreia, e que, como soubemos à data, não resultou). Para isso contribui, sem sombra de dúvidas, a escolha de Viggo Mortensen para o protagonista, o Homem, quase irreconhecível dos tempos de Aragon, e afirmando-se definitivamente como um dos grandes actores da actualidade (aliás, reescrevo, Um Dos Grandes Actores da Actualidade). Kodi Smit-McPhee, o jovem actor que com ele contracena como Filho, é também um caso de grandes esperanças, e o laço que transmitem à audiência faz com que seja impossível não nos arrepiarmos quando o Homem ensina ao Filho como se suicidar com a pistola, caso sejam encontrados pelos canibais. Mesmo as breves aparições de Charlize Theron, Guy Pearce e Robert Duvall não conseguem ser tão convincentes, tão positivamente desprovidas de star power como as de Mortensen e Smit-McPhee.

Qual é o tema deste filme? Pode-se afirmar que é a relação primordial do sangue entre pai e filho em estranhas circunstâncias, mas pessoalmente vemos em A Estrada a velha (e aborrecida) historia do Bem e do Mal, e um argumento um bocado para o onanista sobre o que significa ser uma boa pessoa: partilhar o último naco de pão com um estranho ou proteger toda a comida para dar a um filho? E para que não restem dúvidas sobre a complexidade moral humana, o Homem que cruelmente se vinga do ladrão que lhe poupou o Filho vê-se a ser chamado à razão pelo Filho. No fim, resta apenas o Medo – o medo dos estranhos que percorrem a Estrada, o medo do ladrar do cão que fá-los abandonar o abrigo de volta ao desconforto exterior.

Para onde vai a Estrada? Para que “pote de ouro” no fim do arco-íris monocromático conduz? O que é que aconteceu para o mar já não ser azul? Estas questões nunca são respondidas, dando a toda a história um tom místico, pontuado pelo castanho sujo do céu (tão sujo como a cara do Homem). Este misticismo não é de todo positivo – pelo contrário, não percebemos bem o que é suposto pensar quando os créditos finais rolam. É o fim uma mensagem de esperança? Para quê procurar a sobrevivência quando clima e terra estão mortos? Porque é que não há uma aplicação no IPhone que resolva os problemas? Hillcoat quis centrar as atenções na luta pela sobrevivência, empregando um estilo despojado de beleza (“bruto”, chamam-lhe) e utilizando cenários reais – algo incrível de acreditar, após o visionamento do filme. De facto, apenas o céu foi removido digitalmente. Um triunfo do director de fotografia, o espanhol Javier Aguirresarobe (O Sol no Marmeleiro, Os Outros, Mar Adentro), que ganhou o prémio de melhor cinematografia da San Diego Film Critics Society Awards. E para eu estar a gabar um espanhol, é porque o senhor é mesmo bom, acreditem.

Infelizmente, o potencial da história e do elenco não se realiza totalmente no produto final, que não tem nem metade da intensidade de (outra história de sobrevivência) O Náufrago, ou mesmo, na mesma vertente de drama pós-apocalíptico, o excelente O Tempo do Lobo de Haneke. Há qualquer coisa que falta para nos prender à narrativa durante mais do que uns escassos e cronometrados momentos, um efeito de distanciamento efectivo que não parece ter sido planeado. A isso ajuda a banda sonora de Nick Cave, de uma beleza extrema, mas ao contrário do que acontecera com O Assassinato de Jesse James pelo Cobarde Robert Ford, não parece servir a este filme. É-lhe estranha, intrusiva mesmo a pontos, e não pontua de maneira nenhuma as imagens que aparecem no ecrã. Estará Cave apenas a fazer o frete de pagar um favor a um amigo? Ou é apenas a tentativa de Hillcoat de fazer um filme duro e anti-comercial? Tentativa essa de sucesso, já que o mundo de A Estrada não podia estar mais distante das cores de Pandora(também não temos cenas de sexo azuis, ou de qualquer outra cor, diga-se de passagem. Por outro lado, não consegue ter o encanto e inteligência de um filme de culto como Terra de Cegos, ou a polémica de um Anticristo. Inclinamo-nos a pensar que é demasiado ambicioso na adaptação literária para poder ser um bom filme. Nunca duas horas pareceram tão longas. E num cantinho da mente, o desejo que este guião tivesse ido parar à mesa de um Rolland Emmerich ou mesmo, os deuses nos salvem, de um Michael Bay num dia bom. Sugira-se uma mudança de título para “À beira da Estrada, sem ir a Lado Nenhum”.

Avatar (2009), James Cameron

2010-01-27T14:51:00.001Z

The Hurt Locker (2009), Kathryn Bigelow

2010-01-27T14:49:00.000Z

Das Weisse Band (2009), Michael Haneke

2010-01-18T18:09:00.003Z

Um filme de Haneke é sempre um acontecimento. Desde Funny Games na sua versão original, passando pelo perturbante Caché (seja lá qual for a inspirada tradução do título para português) até A Pianista que nos habituámos a ser surpreendidos, chocados e profundamente incomodados por tudo o que sai da sua imaginação narrativa retorcida.

Mas eis que surge O Laço Branco, e somos confrontados com um objecto que nos faz pensar que as viagens no tempo são possíveis, e estamos perante um filme de Bergman, aliás, uma combinação de Tarkovsky com Bergman, uma delícia cinematográfica para os cultores da velha escola. Qualquer plano deste filme é um pequeno orgasmo visual. (1)Mas não se pense que Haneke se limita ao pastiche inconsequente – bastam dez minutos de filme para sabermos que estamos novamente no mundo estranhamente distante de uma sociedade corrompida a que o cineasta austríaco tão bem nos habituou.

Mais uma vez, as “pequenas guerras”, o tema preferido do realizador, são apresentadas através da voz de um velho professor, que relembra os estranhos acontecimentos numa pequena vila austríaca pouco antes do início da Primeira Guerra Mundial. Tudo começou quando o médico caiu do cavalo – daí até ao fim, mortes, assassinatos, violência gratuita, incesto e até uma pequena brisa de amor inocente são-nos apresentados através de um inesperado não-explícito (ie tudo acontece fora de câmara) que povoa a imaginação dos espectadores com rumores e insinuações muito mais fortes que qualquer factualidade mostrada no ecrã. Este é decididamente um caso em que uma imagem pode valer por mil palavras, mas o não dito vale por mil imagens. E consegue-se finalmente o impossível - fazer um filme sobre a Segunda Guerra Mundial passado umas dezenas de anos mais cedo.

Para acentuar o distanciamento da audiência – é sabido que Haneke não é grande fã da manipulação emocional, preferindo jogar com a inteligência – todo o filme é num preto e branco que quase cai na beleza (cortesia do cinematógrafo Christian Berger, colaborador habitual de Haneke) e não há música extra-diegética. Com um estilo lento, de câmara circunspecta nos seus parcos movimentos (veja-se a cena onde o Professor visita Eva a primeira vez, onde nos sentamos ao lado dos irmãos dela observando o acanhado casal), mas que nunca se torna desinteressante ou aborrecido, O Laço Branco dá uma chapada de luva branca a muitos filmes supostamente artísticos barra europeus que culpam a cultura pop de massas pelos fracos resultados de bilheteira. Para ver e rever e ver e rever e ver e rever... Bem, vocês perceberam a ideia.

(1) Não resisto a, num pequeno momento de trivia inconsequente, dizer que foi tudo originalmente filmado a cores porque os produtores não se deixaram convencer pelos argumentos de Haneke. Isto é, até verem o bicho que tinham em mãos.

The Lovely Bones (2010), Peter Jackson

2010-01-10T12:14:00.000Z

Sherlock Holmes (2009), Guy Ritchie

2009-12-30T18:57:00.003Z

Confesso que tenho grandes lacunas na opus do senhor Ritchie. A única coisa que conheço são os maravilhosos anúncios para a BMW com o não menos maravilhoso Clive Owen... e sim, sei que tenho de ver Snatch e RocknRolla antes que um raio enviado do céu cinematográfico me fulmine, mas bolas, vocês tem noção da quantidade de filmes que andam a estrear por estes lados?

Mas este trailer despertou algo em mim, e voilá, eis que o elejo como filme para ver no aniversário. Uma personagem victoriana, filmagens em Londres, Robert Downey Jr. E Jude Law, que mais podia eu querer?

E não estou desiludida, se bem que a história é ranhosamente previsivel (como costumam ser todas as histórias desde que aprendi as bases de guionismo - vejo os truquezinhos a desenharem-se perante mim de uma maneira que por vezes chega a ser irritante, mas não há botão off infelizmente...). Sherlock Holmes é um filme divertido, com bons momentos que não apareceram no trailer, um bocadinho de macabro, muitas sequências de acção, óptimos actores que parecem estar a divertir-se, um vilão estranhamente semelhante a Steve Carell num dia de mau humor, roupas maravilhosas, uma ponte em construção, e um genial mergulho de uma das janelas do Parlamento em que não consegui deixar de pensar, dentro da minha cabecinha de pré-produção: mas como RAIO é que eles conseguiram obter autorização para fazer aquilo??

Claro que, para não variar muito, o cheirinho a sequela no final estraga um bocadinho a viagem, especialmente porque, bem, a quantidade de pontas soltas que são prometidas resolução nessa possibilidade de novo capítulo... bem, o excesso de confiança em quão bom é um filme tende a enervar-me.

Pontos positivos: Downey Jr. e Jude Law, uma dupla com muita química (sim, com um cheirinho de homoerótica, mesmo), o brilhante trabalho de CGI com a velha Londres, essa maluca, todas as sequencias de acção, a fotografia, o começar in medias res, a personagem de Rachel McAdams, o momento em que vejo o cemitério de West Brompton no ecrã (eu filmei ali!!! quase fui presa, mas o que é que isso interessa?), a reinvenção de Holmes pelos guionistas e Downey Jr.

Menos bom: além do cheirinho a sequela no final, a personagem de Blackwood não me convenceu inteiramente, e, claro, a previsibilidade da história, principalmente quando mostram, quase do nada, a Ponte de Londres em construção, sem o meio, qual maravilhoso sítio para uma cena final de tensão e acção... elementar, meus caros inexistentes leitores...

Where the Wild Things Are (2009), Spike Jonze

2009-12-21T14:13:00.002Z

Poucos trailers tem tanto poder como o para esta pequena jóia de Natal: quantos de nós não se babaram abundantemente a olhar para um estranho mundo cheio de monstros e de um miúdo vestido de animalzinho peludo? Todos ADORAMOS coisas peludas. E quase todos adoramos Spike Jonze e o estranho mundo que ele gosta de criar para nós. A sua chamada marca de autor, algo que todos os infelizes alunos de escola de cinema se sentem compelidos a tentar ter mas que acabam a fazer o básico o mais depressa possível porque, bem, porque os nervos são uma coisa lixada...

Ora, neste filme eu comecei o caminho inverso: primeiro comecei a ler sobre a técnica envolvida (um belíssimo artigo na American Cinematographer online, que recomendo a maluquinhos da técnica como eu), e deixei-me totalmente na ignorância perante a Toda Poderosa História. Pensei, o Spike Jonze nunca me desiludiu, eu confio nele.

E ele não desiludiu, mas também não posso dizer que me tenha deixado com o queixo no chão e a mente a quinhentos mil à hora. Não me aborreci, mas apetece-me ver o filme outra vez? Nem por isso. A não ser pelo lado visual espampanante. Maldito 35 mm e todas as suas possibilidades expressivas. Muito boa escolha terem feito os monstros com fatos e não com CGI. Dá todo um ar retro à coisa que aquece o coração por dentro.

A história? Sim, eu sei que é a adaptação de uma história infantil, daquelas bem pequeninas, com letras gordas, e que, como todos os grandes clássicos da literatura infantil britanico-americana, eu não li. (algo que estou a tentar resolver o mais depressa possível - ou talvez guardar para quando me reproduzir...) Por isso, claro que o guião de um filme de duas horas teve de ir buscar materiais a outras coisas. Gosto da ideia de todos termos uma fera dentro de nós, gosto que algumas coisas da história não são óbvias (o que aconteceu ao pai do miúdo, afinal?), e gosto que toda a história pareça estar a ser contada por uma criança com uma imaginação delirante. Tudo isso é bom. Mas não senti uma catarse, não senti um pathos, nada. Sou uma insensível educada nas regras do storytelling e que conhece todos os esquemas e estratagemas para fazer uma audiência chorar? Sou uma vendida da técnica? Não sei. Os vendidos que foram ao cinema comigo também se ficaram pelo gostar sem adorações.

O grande factor X (ah ah) do filme será, sem dúvida alguma, Max Records, o pequeno actor que dá corpo e raiva à personagem de Max. O menino Records também participou em The Brothers Bloom, o que me dá uma imensa vontade de ver esse filme, e desde o primeiro momento em que aparece no ecrã neste filme, nós ficamos vidrados. Sim, ele é o Rei. Digno do trono.

O filme ideal para ir ver com criancinhas, ou o presente de Natal mais fofo. Um filme com garras pequeninas, que mal arranham, mas que impressionam pela beleza.

A Serious Man (2009), Coen Brothers

2009-12-06T23:43:00.003Z

Eu casaria com ambos os Coen se pudesse. Eles são uma das minhas grandes referências sempre que tento pensar em termos visuais, em como contar histórias. Ninguém sabe fazer comédias negras como eles. Eu gosto de comédias negras por causa deles.

Por isso, gostaria de dizer que, mal soube que eles tinham um filme novo, corri aos cinemas a vê-los. Mas não. Fui arrastada pelo meu director de fotografia, mas pronto, não se pode dizer que ele tenha perdido muito tempo a convencer-me.

Todas as pessoas com que falei, que viram o filme antes de mim, disseram-me que o fim era um bocado... hum... fora. Eu pensei, do alto da minha imensa sabedoria e experiencia cinematográfica, esta gente não conhece a obra dos Coen! Eles fazem filmes com finais estranhos! Eles são os heróis do anti-clímax! Mas não é que dei para mim, quando os créditos finais começaram a rolar e as luzes do cinema se acenderam, a virar-me para o lado e exclamar: esqueceram-se de pôr o último rolo de filme! Isto não pode ter acabado assim!

Entretanto, no dia seguinte, chego à conclusão que, além de não ter atingido completamente o fim, também ainda estou para perceber o início (exibido num irritante 4 por 3 que me fez quase levantar e ir-me queixar ao projeccionista que estava a cortar os lados do filme).

Passada uma semana, começo a conformar-me com a minha sorte e resumo-me a gostar do filme sem reservas. Afinal, quem precisa de inícios ou fins? Exposição e resolução são sobrevalorizadas...

Baseado na história bíblica de Job (se bem que para mim, isso não adianta nada à história), cheio de referências judias e de humor negro, e repleto da mestria de storytelling dos irmãos (simples, mas conciso e eficaz... que nervos, como é que eles conseguem...) , passada, mais uma vez, nos anos 60. O quase desconhecido Michael Stuhlbarg é impressivo como Larry, se bem que nada paga o prazer de ver Fred Melamed, um habituée de Woody Allen, anunciar, com a sua voz calma de Sy, 'It's gonna be fiiine', vezes sem conta, com os seus abraços.

Interessante também é o paralelo estabelecido entre o pai sofredor e o filho que perde o seu walkman para o Rabi (e sim, as palavras do Rabi são memoráveis). Claro que estamos mesmo a falar de história do Cinema ao mostrar a cerimónia de Mazel Tov pelos olhos de um adolescente sob o efeito de drogas... acrescente-se um tio que passa a vida na casa de banho com um problema de jogo, Rabis que nada devem à Bola Divinatória e, claro, um momento inesperado de deus ex machina no fim... e temos um filme que fica bem entre os filmes menores dos Coen, bem acima de Burn After Reading mas, claro, bem abaixo de The Big Lebowsky e No Country for Old Men. Sinceramente, não me importa. Ver um Coen, como olhar para um Rembrandt, é uma lição em si mesmo. E eu estou sedenta de inspiração.

PS: Sim, Roger Deakins é um senhor, até parece que era preciso dizer outra vez... e uma óptima banda sonora, duh. Óbvio.

Bright Star (2009), Jane Campion

2009-11-27T23:05:00.002Z

New Moon (2009), Chris Weitz

2009-11-27T23:04:00.001Z

The Men Who Stare at Goats

2009-11-23T18:45:00.001Z

An Education (2009), Lone Scherfig

2009-11-04T22:42:00.003Z

É bastante provável que este vá ser um dos filmes presentes no meu top 10 do ano. Por isso, claro que tenciono escrever sobre ele. No fim de semana. Decerto.

Bad Lieutenant (2009), Werner Herzog

2009-10-24T21:59:00.001Z

The Soloist (2009), Joe Wright

2009-10-24T21:58:00.000Z

Man on Wire (2008), James Marsh

2009-10-24T21:57:00.002Z

G-Force (2009), Hoyt Yeatman

2009-10-12T17:29:00.001Z

Porquinhos da Índia (não hamsters, sublinhe-se) que são espiões. E assim acaba a minha crítica.

Porque, sinceramente, o que é que é preciso saber mais? Jerry Bruckheimer tinha uns dólares para queimar e resolveu, eh, buga lá fazer um filme sobre porquinhos da índia treinados por um programa especial do governo para trabalhar para o FBI. Infelizmente – porque toda e qualquer polémica sobe os números das bilheteiras exponencialmente – a PETA não se pronunciou sobre o assunto. A comunidade de porquinhos da índia está a pensar enviar alguns representantes para defecar no computador pessoal de Bruckheimer, mas sabem como são estas coisas, fala-se fala-se fala-se mas mostrar o rabo à televisão não é qualquer um.

A resposta da Walt Disney ao tão aguardado e baladado Up! não podia ter falhado tanto o alvo. Com nomes como Penélope Cruz, Nicolas Cage e Steve Buscemi a dar a voz aos roedores, esperávamos mais. Mas afinal, tudo o que temos são cerca de duas horas de uma fórmula clássica – os bons da fita que têm de lutar para as autoridades os deixarem fazer o seu papel – com um pequeno twist final inesperado também formulaico (e, diga-se de passagem, muito mal resolvido, tudo em nome de não traumatizar as criancinhas com personagens complexas). O herói, o compincha, a sexy e o nerd compõem o quarteto inicial, que adopta mais tarde um bem vindo descabelado sem família. E no fim do filme por quem é que o nosso coração torce? Pelo hamster cuja avó conheceu um furão em tempos... Sim, a maior falha de Força G é não ter um vilão. Como pode o Bem combater o Mal quando este não é suficientemente interessante para o público? ONDE ESTÁ O LOBO MAU DESTE FILME???

Não é que não seja – como chamam nos últimos tempos quase como um insulto – ‘filme de família’ – mas nada tem que o distinga de tantos tantos outros que encontramos frequentemente entre zappings. E sabendo que a Pixar tem nos últimos tempos levantado ousadamente a fasquia do filme de animação, levando-o a todas as gerações (agradando a Gregos e Troianos, pode-se mesmo dizer), parece mal que da Disney não consigamos ver sequer uma gotinha de suor de esforço para ser especial.

De positivo apontamos o grande desenvolvimento do departamento de efeitos especiais, conseguindo juntar credivelmente personagens virtuais bastante peludas a actores de carne e osso. As cenas de acção são também exímias, mas nada nos consegue salvar dos bocejos que os intervalos entre perseguições, fugas ou destruições mundiais nos proporcionam. Sim, podia ser muito pior. Assim como está, é um regalo para os olhos facilmente esquecível alguns minutos após o visionamento. Se é isso que procuram, Força G não desilude. Se se habituaram nos últimos tempos a ver filmes de animação que vos deixam o coração cheio durante semanas... vão à sala ao lado.

Fame (2009), Kevin Tancharoen

2009-10-12T17:14:00.003Z

Toda a gente que conheço me perguntou: mas porque raio queres ir ver esse filme? Não vês que é um daqueles remakes que Hollywood fez só porque alguém andava a dormir com alguém e era preciso arranjar-lhe um biscate qualquer?

Bem, mas eu sou muito teimosa. E sei lá, o trailer despertou em mim qualquer instinto adormecido, sonhos de eternidade, ah a beleza do showbiz, etc etc.

E quantas vezes nos podemos gabar de a ida ao cinema em si ser tão mais interessante que o filme? Ahein? Sim, que eu a entrar no Odeon Kensington pela primeira vez, a percorrer corredores e corredores de cores diferentes, seguindo setas dúbias, entrando numa sala completamente às escuras, e assustando os coitadinhos dos projeccionistas (sim, CLARO que fui a única pessoa na sala...), foi suficiente para me dar vontade de actualizar este blog (mais ou menos, dentro dos possíveis, sei lá....)

Fame é o filme que prova, finalmente, o quão desinteressante é o mundo do espectáculo. Eu estou na escola de cinema, eu sei do que falo. Não há coisa menos glamourosa que tentar provar aos outros que temos um emprego de glamour. Não há estilo quando se carregam Arriflexes por todo o lado.

Não vi o original dos anos 80, não. Depois disto, duvido que veja. Gostava da série, sim. Talvez por isso me sinta tão enganada quando dou não com uma história mas com uma sucessão de eventos postos em catadupa e tentando abranger todos os 'tipos artísticos' possíveis. Oh, tem mesmo um realizador de cinema. O que raio está um realizador de cinema a fazer numa academia de artes performativas é uma pergunta tão pertinente como perguntar o que é que eu estive a fazer naquela sala de cinema durante duas horas em vez de ir ver um filme de jeito. Mesmo que fosse no computador.

Sim, Kevin Tancharoen, a quem devemos esta coisa (recuso chamar-lhe filme) não tinha ainda feito nada remotamente parecido com uma longa metragem, (séries de tv sobre dança, algumas coisas sobre a Britney Spears e as Pussycat Dolls), mas bolas, podia ter tentado em segredo na garagem até conseguir fazer a coisa em condições. No need to go public de uma maneira tão embaraçosa.

Até o final é assustadoramente parecido com a vida real (seria isto um documentário? Será?), onde nada está resolvido, ninguém tem emprego e pronto, há uma cerimónia de graduação para os papás com um espectáculo ONDE O RAIO DO MAIN THEME NÃO APARECE.

Porquê um remake? Porquê? Para agradar aos fãs do High School Musical? Nunca pensei escrever isto, mas o High School merecia um ÓSCAR ao pé desta... coisa. É que até a direcção de fotografia a armar ao dramático do pingarelho me irrita. E quando julgava que uma das muitas personagens desinteressantes nos ia elevar a algum drama atirando-se para a frente do metro... eis que as outras personagens desinteressantes a salvam.

Por favor, um abaixo assinado para uma troca de título. Eu proponho SHAME.

Dorian Gray (2009), Oliver Parker

2009-09-23T19:33:00.003Z

Eu sei que não actualizo este blog há seculos, mas como diriam os Monty Phyton, Once in a lifetime, there's a motion picture that changes the history of motion pictures...

Infelizmente, ainda não é desta que actualizo este espacinho visitado por ninguém. Estou demasiado ocupada a fazer filmes (dos que seriam devastados por este mesmo blog) para poder escrever sobre o trabalho dos outros. Argh. Eu sei, eu sei. Mais uma crítica falhada que se torna realizadora. Uma vergonha partilhada com Godard (vómito) e Truffaut (o fofinho). E que humilde que estou!

Pois, é o que a film school faz às pessoas. Faz o nosso ego inchar tanto que tenho de pagar taxa adicional para voar com a Ryanair.

District 9 (2009), Neil Blomkamp

2009-09-13T22:37:00.000Z

Inglorious Basterds (2009), Quentin Tarantino

2009-09-03T00:32:00.002Z

35 rhums (2009), Claire Denis

2009-08-26T13:33:00.002Z

The Ugly Truth (2009), Robert Luketic

2009-08-08T21:40:00.001Z

Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009), David Yates

2009-08-08T21:39:00.002Z

Bruno (2009), Larry Charles

2009-07-15T14:23:00.002Z

Public Enemies (2009), Michael Mann

2009-07-15T14:21:00.002Z

The Hangover (2009), Todd Philipps

2009-07-03T14:02:00.002Z

State of Play (2009), Kevin Macdonald

2009-06-28T00:01:00.001Z

Lat den rätte komma in (2009), Thomas Alfredson

2009-06-27T23:58:00.002Z

Foi há muito, muito tempo que fui ver este filme ao cinema. 9 libras da minha vida (mais ou menos). E posso dizer que me lembro da coisa como se tivesse sido ontem. As imagens bem fortes de Alfredson arranjaram maneira de ficarem gravadas na minha mente durante... sete meses?

Sim, mais um filme de vampiros. Mas este é bem diferente de Crepúsculo.Muito, muito diferente. Terrivelmente diferente. Primeiro que tudo, é um filme europeu. Compassado. Com um uso da neve da fria Suécia exímio, quase que sentimos o frio sentados na audiência. Depois, os seus dois actores principais, Kare Hedebrant como o bullied Oskar e a incrível, inesquecivel, quero-trabalhar-com-ela, olhar impressivo Lina Leandersson como Eli, o estranho vampiro que mora na porta ao lado. Ou vampira.

Há muita pouca conversa durante todo o filme, pequenos momentos de construção dramática impressiva (o significado do cubo de Rubik, os pequenos actos de Oskar) e alguns efeitos especiais que, embora raros, impressionam vivamente por irromperem num mundo aparentemente tão normal apesar de sombrio - lembro especialmente a cena em que a cama de uma recém-vampira se incendeia com a luz do sol.

A direcção de fotografia é de babar durante toda a duração do filme, os planos com espelhos geniais ao ponto de terem sido o meu tema de conversa com um fellow filmmaker durante os 15 minutos imediatos a termos acabado de ver a coisa, a maneira sóbria de filmagens - que atinge quase um orgasmo na cena final na piscina - só mostra que estamos claramente perante um realizador de respeito, sem explosões nem purpurina, e que claramente sabe contar histórias que nos atingem com uma veemência inesperada, diria eu. Eu faço questão de estar na sala no próximo filme deste senhor, sem sombra de dúvida.

E a música... a música é daquelas coisas que me faz estar grata por ter assistido a isto numa sala de cinema decente, com um bom som. O que Soderqvist faz com a banda sonora é visceral, parece brotar naturalmente da fria neve que vemos no ecrã. Sem nunca se sobrepor. O que é divinal.

A história provoca discussões, tem um final aberto, há tanta interpretação como pessoas. Passeando-me por fóruns deparo-me com coisas que nunca tinha pensado. Eu vejo o filme como uma estranha história de amor. Há quem o veja como uma amizade, uma metáfora, um novo caminho para o género de filmes de vampiros. Só há um consenso: este filme conseguiu um lugar na prateleira dos clássicos. Sem espetar dentes no pescoço de ninguém.

Bedtime Stories (2008), Adam Shankman

2009-02-26T15:24:00.003Z

Ai, as maravilhas de ver um feel-good movie, sem nos preocuparmos com teorias de auteur e a aplicação dos conceitos de Deleuze...

E como já vi este filme antes de ser conspurcada pela escola de cinema e jamais vou conseguir voltar a essa inocência, e porque preciso de despachar esta crítica para falar dos filmezecos que tenho visto no cinema nos últimos tempos (muito, muito poucos...), aqui vai a transcrição do que enviei para a cara e querida Take (www.take.com.pt). Bolas, também mereço um pouco de preguiça intelectual...

Corre um mito na História do Cinema que George Lucas disse um dia que, para impressionar audiências, bastava matar gatinhos frente à câmara. A fórmula mágica foi evoluindo e parece que se descobriu o método infalível de arrancar gargalhadas do público: põem-se animais com olhos esbugalhados frente à câmara. Bugsy – assim se chama o porquinho-da-índia que merecia um spin-off ou dois – pode nunca ser nomeado a melhor animal secundário, mas nada o impede de tentar dar o seu melhor e conseguir o que o franchise Qualquer Coisa Movie já não consegue há muito tempo: fazer-nos rir.

E para gáudio do espectador, há muito mais do que animais felpudos neste regresso de Adam Sandler ao que sabe fazer melhor – comédias familiares com um toque de feel-good. Há quanto tempo não era possível ver um filme do género que não tem todos os melhores momentos no trailer? Ou um filme da Disney sem uma canção final de gosto duvidoso, mas com um medley inesperado de grandes êxitos do rock?

Adam Shankman, com longa carreira como coreógrafo, oferece-nos aqui um filme de um ritmo perfeito com gags visuais de desenho animado (indo mesmo à lâmpada luminosa de ideia genial ou a um cavalo vermelho chamado… Ferrari), mas sem cair no irrealismo fácil destes. O modo original como as histórias proféticas dos sobrinhos de Skeeter se vão traduzindo para o mundo real é sempre inesperado mas perfeitamente explicável, e por isso tal como o protagonista suspendemos a respiração à espera do aparecimento de Abe Lincoln em carne e osso num momento (mais uma vez) frustrado de romance. Sandler consegue levar-nos com ele numa variação fantasiosa da história de Cinderela sem nos deixar duvidar uma única vez do que vemos, se bem que a introdução de Marty Bronson, pai de Skeeter, convidando-nos a entrar no estado de espírito ideal de quem vai ouvir uma bedtime story, faz maravilhas nesse aspecto. Já Guy Pierce, mais uma vez o vilão de serviço, impressiona mais nos seus alter-egos fantasiosos (destaque especial para o seu equivalente medieval) do que no ambicioso contemporâneo Kendall. Deliciosamente pontuados por cameos inesperados, desde Roy Schneider a Carmen Electra, os devaneios narrativos de Sandler conseguem também ironizar certas regras do género cinematográfico, sempre com um suposto olhar inocente e infantil...

Mas sim, estamos perante um orgulhosamente ‘disneyado’ filme no melhor sentido da expressão, um filme que consegue agradar a miúdos e graúdos e que futuramente será comprado pela televisão e passado até à exaustão ao sábado de tarde. Isso não retira contudo o prazer de o ver em grande formato. Aliás, em grande formato… os olhos de Bugsy são ainda maiores.

Agora sim... FILMES CONSPURCADOS PELO TECNICISMO!! YEHHH!!!

Rachel Getting Married (2008), Jonathan Demme

2009-02-20T18:02:00.003Z

O must-see indie desta ano (mais ou menos indie, não me chateiem com detalhes…), que falhou as nomeações para melhor filme por causa dos gays de São Francisco. Entre famílias disfuncionais e famílias alternativas, também eu, tal como a Academia, optaria pelas segundas.

Roberto Jonathan Demme, que por terrível coincidência faz anos este domingo (uns 140, para aí), não nos brindava com um filme desde The Manchurian Candidate. Digo, com um filme que aparecesse aqui por Portugal (o que não estreia na Lusomundo não existe realmente, até vocês devem saber disso. Os tais filmes giros que vocês julgam existir são apenas a velha conspiração americana a brincar com as nossas mentes, para nos deprimir e fazer consumir mais recursos naturais). Portanto, depois de quatro longos anos, Demme resolve dar-nos um pouco do seu jeito para o filme digital. Ohhhh. À mão, como convém a qualquer filme pós-Bourne que se preze (a maldade no meu tom é tão grande que até me saltou uma tecla do portátil. Muahahahahah.). Preenchendo a lacuna deixada pela morte de um tal John Cassavetes em 1989, quiçá comemorando os vinte anos da morte dele, eis que estamos perante uma personagem feminina que nada deve em perturbação à protagonista de A Woman Under the Influence, Mimi, Kiwi, Sissi? Mabel! Mabel, como é que não me lembrei antes…

Portanto, Kym (aqui interpretada por uma Anne Hathaway que até acho que merece mais o homenzinho nu que Winslet, mas pronto, a minha opinião nunca conta nada para aqueles anormais – no sentido fofinho da palavra, claro - da Academia…) está bastante perturbada com acontecimentos do passado, e volta a casa após uma reabilitação bastante penosa a tempo para o casamento da irmã ‘boa’, Rachel. É claro que tudo corre mal, com bastantes gritos e discussões e tentativas frustradas de suicídio (uma espécie de), e nós com tanto volteio de câmara julgamos que estamos no meio daquela coisa toda e começamos a pensar que a nossa família é tão, mas tão normal, graças aos deuses, e pronto, de repente acaba tudo como começou, indefinido, e nós damos por nós a pensar: “mas que fantástica banda sonora que este filme tem”, e “devia fazer um corte de cabelo como aquele”, e pronto, mais um check na lista de filmes a ver antes dos Óscares.

Deixando o sarcasmo de lado (isto do humor britânico está-me a atingir mais do que eu pensava), a narrativa do filme está muito bem estruturada (a guinista, Jenny, é filha de Sidney Lumet, por isso ai dela que desgraçasse a honra da família…) , o que conjugado com um estilo de filmagem mais livre dá-nos muito mais, ouso dizer, do que estaríamos à espera por aquele estranho trailer que andava a passar nos cinemas. A banda sonora, como acho que ficou subentendido algumas linhas atrás, é de comer e chorar por mais. Hathaway é uma força da natureza num papel que lembra muito Angelina Jolie em Girl, Interrupted (o que pode ser um bom indício para a actriz que começou carreira a fazer – lembram-se? – Diários de uma Princesa). Além do mais, é homónima da mulher de Shakespeare, e decerto que todas as feministas empedernidas (nas quais desta vez me excluo) sentirão um perverso prazer a ver uma Anne Hathaway a ser mundialmente reconhecida por alguma coisa (além de um par de...chifres literários...)

Já descambei outra vez… UUfff… Melhores momentos: todas as cenas em que Hathaway está, que felizmente são muitas; os discursos do ensaio do casamento; o delicioso que parece aquele bolo azul com um elefante; a música, mais uma vez, especialmente a versão rock da Marcha Nupcial; o momento em que Rachel dá banho a Kym…

Momentos um pouco menos uau: bem, por vezes parece mesmo, e apenas, um vídeo caseiro de uma festa de casamento muito atribulada…

Happy-Go-Lucky (2008), Mike Leigh

2009-02-18T00:43:00.004Z

Oh! What-chu-ma-call-it ding dang dilly dilly da da hoo hoo!

(não, a minha percepção de pronúncia londrina não é assim tão boa, fui apenas ao IMDB…)

Sim, um filme feliz, colorido e passado em Londres. Com uma protagonista deliciosa e excêntrica que se recusa a casar, ter filhos, fazer um empréstimo e comprar uma casa, ou vestir-se de uma maneira monocromática. Educadora de infância, trinta e tal anos, a aprender a conduzir pela primeira vez, sempre alegre e contente e tal. Oh, Poppy! We love You!!! Marry Me!!!

Ahhh… Mike Leigh, Mike Leigh… Eu sei que troquei o teu patronato pelo do Terry Gilliam, mas que se há-de fazer? Que tipo de realizador julgavas tu que eu pensava que eras quando vi o Vera Drake e o famosíssimo Secrets & Lies? Nunca pensei que o teu método – no script, please – pudesse resultar numa coisa tão… tão… tão alegre. Yehhh. Quero saltar de trampolim, saiam da frente.

(uma cama partida e muitos berros mais tarde)

Sim, Happy-Go-Lucky, seja lá como estiver traduzido em português que nem vou ver para não me chatear, é um óptimo filme para voltar a acreditar na vida. Ou para justificarmos a nós próprios a razão porque não queremos ser adultos e responsáveis. Ou porque sim. Sim, esta é claramente a melhor razão de todas. Porque sim.

Além do filme ser fenomenal quando o vemos tendo em mente que todo ele resultou de improvisos e muitos ensaios sem guião – o senhor Leigh é um senhor de actores, claramente -, a personagem de Poppy é tão inesquecível, tão naif e ao mesmo tempo tão perspicaz, que qualquer um de nós mais não pode do que se render aos seus pés com botas de pele de crocodilo. Não dá. Não conseguimos desviar o olhar de tanta alegria. Damos por nós a gostar muito de respirar e tal, e no fim do filme deitamos fora o suicide kit e os papéis do IRS.

A mistura de um estilo de realização clássico (isto não podia estar mais longe de J. Cassavetes, apesar do espaço ao Actor em detrimento do Guionista) com diálogos e actuações nascidos de pequenas indicações e sugestões dá uma frescura à representação, um je-ne-sais-quoi de realismo que nos devora por dentro e deixa-nos a querer comer chupa-chupas e viver em Londres. [i] Mesmo os grandes momentos dramáticos das aulas de condução (um bocadinho de menos qualidade, porque essas foram filmadas em vídeo – eu sabia! Yehehh para a –soon to be - expert em cinematografia), com a fascinante personagem de Scott, o instrutor de condução frustrado que supostamente odeia Poppy, mas… Pois, já estão a ver onde a coisa vai dar, certo? Ohhh, vocês são uns fofinhos.

Melhores momentos: todos, mas senti-me particularmente tocada pelo encontro de Poppy com Charles, no pub. Muito intenso, sentiam-se faíscas por todo o lado. Excelente direcção de actores. Os créditos iniciais. A música. O ‘drama’ com a irmã mais nova, grávida e com uma casa própria; todas as cenas filmadas em sítios onde eu estive (tão divertido reconhecer lojas onde entrei, sítios onde comi pizza, etc etc); a cor, as cenas na escola, o momento ‘pássaro’, as aulas de flamenco, o trampolim… Menos bons momentos? Alguns, mas a vida é mesmo assim, né? Pois. O que interessa é olhar sempre com bons olhos. Mirrors, signal, maneuver, En-ra-ha. En-ra-ha. Não esqueçam.

(En-ra-ha)

(EN-RA-HA!!!)

[i] é claro que nem tudo o que queremos podemos ter. Não posso comer chupa-chupas porque me fazem mal aos dentes… e Camden fica-me longe da escola…

The Reader (2009), Stephen Daldry

2009-02-17T00:09:00.003Z

E directamente do senhor que nos fez chorar baba e ranho com miúdos que dançam ballet e seropositivos que se deixam cair de janelas abaixo, eis o filme relacionado com a Segunda Guerra Mundial nomeado deste ano. Com o Ralph Fiennes a fazer de alemão (falem-me de type casting….) A cores. Uau. Com um momento de passeata pelos campos de concentração ao jeito de documentação histórica.

Não interpretem mal o meu tom irónico/sarcástico/a armar ao engraçadinha (riscar o que não interessa). The Reader pode deixar os nossos mucos nojentos sossegados dentro de nós, mas isso não quer dizer que não seja espicaçante. Além de parecer um cardápio de ‘coisas complicadas demais para serem pensadas’, a saber relações entre mulheres de meia idade e rapazinhos de 15 anos, o direito e a moral, os crimes de guerra, a condenação simbólica, o sentido de justiça, etc etc etc , tem um elenco de peso – e isto não é uma piscadela de olho às belíssimas curvas da Kate Winslet – e uma história que, se não cometeram o erro de ler a sinopse no Sapo, consegue surpreender.

Uma reconstrução de época competente, com toda a história calmamente no background – a reconstrução de Berlim, por exemplo – e uma construção de cenários, nomeadamente interiores, brilhante (a pequena casinha da personagem de Hanna Schmidt, onde se passa o affair de Verão, com toda a sua pequenez íntima com um toque de perversidade – aquela banheira logo à entrada, meus deuses, genial…), que gosta de guiar o espectador na sua descoberta do twist mas sem fazer a papinha a ninguém; tudo é sugerido, mas nada explicitado. Quero dizer, ainda bem que não acharam necessário explicar que foi (SPOILER) por Hanna não saber ler que teve de recusar a promoção na Siemens e inscrever-se nas SS como guarda (END OF SPOILER). Mas o ainda melhor do filme é que, mesmo juntado esse 1+1=2, o comportamento dela continua injustificado. Podemos simpatizar com ela, é certo (afinal, é assim que a história está construída, para apesar de tudo simpatizarmos com ela, daí ser ela a principal vítima no final), mas há um travo amargo quando reparamos que ela tem mesmo culpa do que fez. Sim, há mais culpados, mas ela também o é.

É isso que é delicioso no filme. Hanna não é, de modo nenhum, redimida, a personagem partilhada pelo veterano Ralph Voldemort Fiennes e o novato David Cross, Michael Berg, muito menos (vamos lá, não foi propriamente querido dele deixar a tipa ir parar à prisão sabendo que ela não tinha feito aquilo que as outras diziam, e muito menos simpático não a visitar na prisão & ir buscá-la apenas para a pôr num lugar qualquer bem longe da vista), o que explica em parte um certo sentimento de indiferença final que nos atinge. Mas até aí, meus caros, turbilhão de emoções como qualquer filme nos deve provocar.

Grandes cenas? Para mim, sem dúvida, o primeiro banho de Michael, as cassetes enviadas religiosamente todas as semanas (a apontar na enorme e interminável lista de coisas a fazer um dia: ler a Odisseia), o passeio de bicicleta, o momento da revelação, o não perdão da sobrevivente, o velho Michael a levar a filha à campa de Hanna. Menos bom? Não há rapazes a dançar ballet nem seropositivos a cair de janelas. Nem vampiros. Nem justiça no mundo. Pois, mas isso já sabíamos…

Slumdog Millionaire (2008), Danny Boyle

2009-02-06T13:40:00.002Z

India, India, Índia… nos anos 60 a Meca dos Músicos, agora o must-go-and-shoot dos realizadores… Ah, a polémica, ah as nomeações, ah os globos de ouro, ah… o Óscar?

Faltam-me ver dois, mas acho que não. Mas é um claro caso de overrated? Não. É bonzinho? Mais que bonzinho, receio dizer. É muito bom mesmo. Não excelente, mas lá perto. E um feel-good movie, que é uma coisa cada vez mais rara. Senão vejamos os outro quatro nomeados – quantos deles acabam com o protagonista vivo e de bem com a vida? Pois.

Boyle começou muito antes de Meirelles a filmar o lado ‘negro’ das cidades, portanto não me venham com tretas. Ai é colorido demais? Glorifica a coisa? Exagera? É um filme que acaba com toda a gente a dançar na estação de comboio, não é propriamente Jean Rouch… E é sempre bom e reconfortante termos duas horas e tal da versão indiana de um concurso televisivo que até que gostamos, com o plus de não estarmos a olhar para o Jorge Gabriel a encher chouriços. Ou o Malato. Deuses, imaginem este filme com o Malato a apresentar o programa e, sei lá, um coitadinho jovem dos Morangos com Açúcar a fazer de slumdog… Ouch, espero que o senhor Alexandre Valente nunca leia estas linhas senão…

Mas voltando ao filme, narrativamente falando, está muito, muito bem feito. Temos os flashbacks do costume, explicações da suposta sabedoria do nosso amigo Jamal. Temos amor, temos dinheiro, temos a ambição do ‘irmão mau’, temos tiros, explosões, perseguições de carro, efeitos especiais, extraterrestres…. desculpem, nem por isso. Temos uma história certinha, sim, com tudo para resultar (ingredientes secretos incluídos), bons actores (ou deveria dizer boa direcção de actores, uma vez que muitos deles não tinham experiência prévia?), bom uso da música (nada a que não estejamos acostumados com Boyle), composições formais desniveladas (marca de autor e tal, muito bem, senhor professor), fotografia saturadíssima pelo senhor que já nos dera Dogville e a carta de apresentação do Dogme 95, Festen, - fixem o nome dele - Anthony Dod Mantle, mas deliciosa (sem chegar aos extremos coloridos de Darjeeling Limited), qualquer coisa de muitos filmes diferentes ao mesmo tempo que não conseguimos identificar tudo, e sim, Dev Patel que é tão bom que estou aqui a ver se arranjo a série em que participou, Skins, como se eu já não tivesse suficiente para ver no meu disco externo…

Grandes momentos: a queda no poço de mierda para conseguir um autógrafo (as grandes personagens de Boyle caem sempre dentro da sanita, literalmente), a nossa descoberta da love story inerente à coisa, o passar do tempo no comboio, a chegada ao Taj Mahjal, o miúdo cego que canta, todos os momentos dentro do programa, incluindo o momento confessional de casa de banho do apresentador (e mais não digo porque não me apetece escrever spoiler alert); a complexidade da personagem de Salim; o momento Bollywood final na estação de comboios.

Menos bom: aquilo ao início parece um excerto do ‘24’, a qualquer momento pode entrar o Jack Bauer por ali adentro; ou sou uma insensível (bastante provável) ou o filme – e o final, principalmente - não é assim tão comovente como me fizeram crer; será que é desta que um filme com um final feliz ganha o Óscar, ao fim de tanto tempo de filmes infelizes? Hum, pouco provável. E lado Bollywood poderia ser mais explorado, mas isto sou eu, que tenho um cd de músicas indianas de fundo enquanto escrevo isto.

Portanto, sim, original e diferente do que estamos habituados – parece-me que este é o indie substitute deste ano – mas, apesar de estar quase a meter as mãos no fogo que o Professor Boyle vai buscar a estatueta que eu ambiciono ter um dia por cima da lareira, não me parece que os produtores do filme tenham a sorte de subir ao palco… mas isto sou eu, que raramente acerto…

Vicky Cristina Barcelona (2008), Woody Allen

2009-01-27T15:49:00.003Z

intro: Barceloooonnaaaaaaa…. (voz do Freddy Mercury)…. Barceloooooonnnnaaaaaaa….

É sempre bom ir a uma antestreia, pensei eu enquanto me sentava numa cadeira partida no Dolce Vita. Pelo preço que os bilhetes estão, cinema à pala… nem que fosse o Rambo.

E pelos vistos foi mesmo bom ir ver o filme na antestreia, porque parece que, pouco tempo depois, a fita ardeu. Eu já tinha ouvido falar da ‘maldição de Woody Allen’, mas pensei que se estavam a referir a uma coisa bem diferente…

Portanto, depois de ver mais um filme do Allen em más condições – o filme não tinha começado há 5 minutos e caiu a imagem, acenderam-se as luzes, continuou depois, e de repente a meio do filme ficamos com a linha de vermelhos em extra saturação, durante uma boa meia-hora, e NINGUÉM REPARA[i] – que posso dizer eu? Bem, ainda bem que não estava em funções profissionais, primeiro; segundo, pagar 5 euros para ver uma fita a arder deve ser qualquer coisa, tens de me falar disso, Dário; terceiro, será que a ‘maldição Woody Allen’ - a outra – terminou? Hum…

Não é um Match Point – este filme grita ‘Wooooody!!!!!’ do início ao fim; tem qualquer coisa de Jules et Jim – triângulo amoroso, montagem livre, desfocagens, a voz irónica e distanciada do narrador –, com a vantagem de não ser falado em francês. Uhhhh…. Quem é o alter ego do realizador aqui? A personagem de Vicky, sem sombra nenhuma – a intelectual frustrada e neurótica. E há mesmo um género sobre americanos perdidos na imensidão cultural americana? As coisas que aprendo a ler o Público. Sim, este filme insere-se aí, sem sombra de dúvidas.

E se bem que Johansonn a fazer de rapariga insatisfeita com a vida e com pretensões artísticas, sempre em busca de mais e melhor[ii], e a ‘ ‘ com a sua vida certinha e aborrecida estão muito bem, o filme torna-se incrivelmente bom a partir do momento em que Bardem, com a sua camisa vermelha estrategicamente desabotoada e a sua personagem Juan Antonio estrategicamente desbocado, entra em cena. E quando julgávamos que a coisa não podia ser melhor, ao som da grande guitarra espanhola e tal, eis senão quando uma Penélope Cruz de jardineiras entra de rompante pela cena. Deuses, que mulher! Que furacão! Que grande pedaço lésbico de mim que se entusiasmou com aquelas pinceladas abstractas!

Além do velho cinismo de Woody sobre as relações amorosas, que desconfio ser o que mais adoro nele – afinal, estamos a falar de um tipo que tem uma relação amorosa com a ex-ENTEADA -, e o piscar de olhos a dois estilos de vida absolutamente opostos e que, afinal de contas, têm os dois os seus grandes e obtusos inconvenientes (falo das rapariguinhas americanas, claro, nada há de inconveniente em ser o senhor Bardem nesta altura do campeonato, ainda mais quando tem um penteado decente), temos também o rasar reflexivo sobre as relações amorosas entre artistas, e sobre a Arte Itself.

Melhores momentos: todos os com a Penélope Cruz, a voz irónica e distanciada do narrador, a original abordagem de Juan Antonio às duas raparigas, Cristina a vomitar nos preliminares, todo o trabalho de fotografia (digo, excepto a meia-hora estragada pelo projeccionista do Lusomundo Dolce Vita), o ménàge, o final que nada resolve, para variar.

Piores momentos não decorrentes da falta de pessoal tecnicamente qualificado nos grandes multiplexes dos nossos dias: não sei, não me lembro. Pode não ser uma obra prima, pode cheirar a Woody Allen a quilómetros de distância, mas afinal, foi com isso que eu fui a contar, claro. Alguma saudade de ver um dos piores actores de sempre (nas palavras do próprio) com os seus óculos e cabelo branco nos seus filmes. Parece que matou literalmente essa sua parte no Scoop, quando se estampou com aquele carro minúsculo… (ah, a beleza de conduzir pela esquerda…)

[i] é que ainda por cima foi a meio do filme a preto e branco, que se me varreu qual era, tal foi a minha raiva pelo que estava a acontecer…
[ii] e aqui entra o MEU alter-ego… he he he…

The Curious Case of Benjamin Button (2008), David Fincher

2009-01-27T15:28:00.002Z

Tic-tac, tic-tac, tic-tac, tic-tac… Nunca subestimem um filme com relógios.

Pessoalmente, gosto quando realizadores ficam seguros e quietos dentro das quatro paredes do seu estilo, do seu toque artístico pessoal ou das suas manias técnicas, como lhes queiram chamar. Torna muito mais fácil falar deles em trabalhos para a faculdade, por exemplo. E geralmente são esses mesmos realizadores, com marcas chamadas autorais, que ficam para a história e tal.

De vez em quando, eu e outros somos surpreendidos por autênticos Prison Breaks, uns mais exaltados do que outros. Veja-se, por exemplo, Coppola com Youth Without Youth (e abstenho-me de qualificar o filme); ou PT Anderson com There Will Be Blood (não, não vou mesmo fazer comentários maldosos); os Coen com o filme que lhes deu a estatueta, No Country For Old Men (likewise); Woody Allen com Match Point (Sam-Wise); e para acabar uma lista que, ao ser levada à exaustão, não cabia no Blogger, David Lynch e A Straight Story (dizem). Gostemos ou não do resultado destas fugas, o certo, meus caros amigos, é que – e tenho pena de não haver uma expressão igualmente forte que não fosse tão marcada de género, por causa das minhas futuras colegas – é preciso tomates. E Fincher lançou-se sobre o abismo com um filme que não tem nada (?) a ver com a sua obra anterior. Será que resultou?

Para mim, na minha estúpida opinião, sim. Ok, tem ecos de The Big Fish, além que o trabalho de maquilhagem é tão assustadoramente bom que parece que estamos a todo o momento à espera que apareça o Gollum a dizer para o Brad Pitt my precioussssss. E embora pareça ter a ver com a história do último filme do Coppola, não tem nada a ver. Esta história é muito mais fatal, mais emotiva, mais forte.

Primeiro que tudo, todo o production design, a sensação que temos de ir ouvir uma história, a imitação de filmes antigos, a banda sonora fortemente evocativa, o passar ligeiro pela história americana. Depois, Brad Pitt a convencer-nos que é um ser singular, velho e de cadeira de rodas e tal. Quando Blanchett aparece no papel de bailarina promíscua (aliás, já estávamos extasiados pelo aparecimento dela como moribunda), ficamos sem palavras. As cenas de dança são de uma beleza que nunca suspeitaríamos serem gravadas na câmara de um tipo que nos deu a crueza do mundo moderno. Todo o filme é tão poético, tão fairy-tale, que nem nos chateamos com a ‘grande revelação’ à filha de Daisy (Blanchett). Nem com a evocação do furacão de Nova Orleães, que funciona um bocado como Titanic – já sabemos o que vai acontecer no fim mas, mesmo assim, ficamos impressionados quando acontece.

E se a coisa, para alguns, não funciona, para quem se deixa levar – se bem que com as expectativas a voar muito mais alto do que o filme em si – dá por si com a lagrimazinha ao canto do olho nos quinze minutos finais.

Grandes momentos: os créditos com botões, a história do relógio que anda para trás, a ‘cura’ na igreja, o funeral da cantora de ópera, a dança de Daisy no coreto, os flashbacks do homem que fora atingido por relâmpagos ‘sete vezes’ (e esperemos que este humor macabro de Fincher nunca desapareça), a breve história de amor entre Pitt e Tilda Swinton na Rússia, o momento do acidente de Daisy a evocar um bocado o Run Lola Run, os anos sessenta e finalmente a relação Daisy/Benjamin, o aparecimento de Benjamin como um miúdo cheio de acne e demente, o bebé Benjamin, o epílogo, etc etc etc.

Momentos menos bons: Hum, talvez nalgumas partes ainda seja um pouco ‘frio’ – o que torna o filme, numa analogia genial, super culta e esfomeada que me lembrei agora, um pouco como um semifrio coberto de chocolate quente – o que desliga as pessoas da coisa por segundos preciosos, e sem dúvida que, pelo trailer e hype à volta, esperávamos uma coisa mais poderosa, mas mesmo assim, quem não for ver este filme decerto arderá no inferno dos maus cinéfilos. Talvez. Um bom clássico futuro, sem dúvida nenhuma. Por mim, por toda a minha falta de consideração por valores estéticos e cinéfilos e etc, adorei adorei adorei.

NOTA: Lembram-se do elogio que fiz à Lusomundo por deixar de passar quantidades ridículas de publicidade desactualizada e pôr só trailers? Esqueçam.

POST-NOMEAÇÕES: Bem, 13. Uau. Será que posso não ser uma boa crítica, mas estou mesmo lá com a mentalidade da Academia? Hum...

Changeling (2008), Clint Eastwood

2009-01-15T15:40:00.002Z

E a época de caça aos Óscares está oficialmente aberta! Saquem das espingardas para acertar no vosso realizador desfavorito e na banda sonora mais irritante de sempre!

Não, não é este. Tive esperança que fosse este o filme irritante deste ano, mas não. Bolas. E eu que até tenho uma implicação com Mr. Eastwood desde que ele realizou aquela coisa sobrevalorizada chamada Million Dollar Baby. Implicação não. Digamos arrufo. Acrescente-se que este é um senhor do cânone, e eu não gosto de pensar em mim como alguém que acende velas e faz oferendas ao cânone…

Anyway…

O filme da Angelina Jolie, como é conhecido entre os meios menos cinéfilos, fala de uma criança desaparecida. E de um departamento de polícia que encontra a criança… errada. E assim, Christine Collins aka maiores lábios pintados de vermelho que alguma vez tivemos oportunidade de ver no grande ecrã, empreende uma luta para ter o seu filho verdadeiro de volta, luta essa que passará por várias cenas bastante, hum, jolies (IRONY AND PUNWORD ALLERT!), passadas em manicómios, galinheiros, forcas e, alas, os tribunais. Já disse que é passado em Los Angeles dos anos 20, com o toquezinho de época? Já disse que foi Mr. Eastwood que compôs a música himself (e não, não é irritante)? E que, apesar de ter o John Malkovich a dar apoio a Jolie, não há romance, nem beijo, nem, meus caros quatro leitores, UMA ÚNICA CENA DE SEXO?

E não é que o filme é muito bom?

Primeiro, a menina Jolie está quase irreconhecível (lábios aparte), magrérrima (ela teve mesmo gémeos????), e toda a sua atitude está tão “dêem-me o Óscar que eu mereço”, que embora ainda tenha de ver as outras meninas e tal, vou ficar com pena se ela for de mãos a abanar para casa. Há um único momento onde todos nós podemos ter a certeza que é a Angelina Jolie e não um clone mortiço e com excelente jeito para a representação que está à nossa frente: no manicómio, quando ela se vira para o médico e diz esta magnífica frase que irá ficar para a História do Cinema com C grande: Fuck you and the horse you rode on. Genial.

Depois, duvido que tenha havido alguém na sala que tenha ficado aquela cena de uma brutalidade de bradar aos céus, nos galinheiros do rancho. E isto nem o filme ia a meio (nota: finalmente uma boa razão para os intervalos existirem: sabemos quando o filme vai a meio). A maneira como foi filmada – não vemos tudo, apenas excertos – torna a coisa muito, mas muito mais chocante se víssemos mesmo o maníaco em plena acção. O ter posto o miúdo de 15 anos como cúmplice praticante, então… deuses. Demasiado murro no estômago.

E assim Mr. Eastwood vai brincando com a nossa expectativa até ao fim, dando-nos uma chapada na cara de vez em quando, um murro no estômago aqui e ali, e se por um lado estamos todos desertinhos para um tension release – i.e., que o raio do miúdo apareça, isto até um certo ponto, e depois se o raio do miúdo morreu ou não no rancho -, e todos queremos um final feliz, no fundo no fundo, por outro lado – e começa aqui o SPOILER ALLERT – se ele tivesse mesmo aparecido o filme teria sido uma merda. A sério. Porque assim era como se tudo tivesse perdido subitamente o sentido. A luta, e tal. E fazer festinhas em nós depois de tanta pancada… ná.

END OF SPOILERS ALLERT.

Fotografia, ouch. Reconstrução de época, uau. Bom pormenor, o dos eléctricos. Roupa dos anos 20, check. Afirmações muito interessantes sobre o papel das mulheres na altura, a polícia, a ideia de justiça, etc etc. Música, fica no ouvido, cumpre a missão, está aprovado, Mr. Eastwood. E, no fim de tudo, como se não bastasse, based on a true story. O tipo jogou a artilharia toda, não haja dúvidas. Hum, isto vai ser renhido…

Mas sim, um filme bastante impressionante, e so far – não desdenhando do ‘Austrália’, que é poderoso mas não na mesma linha – o melhor filme que vi no cinema este ano. Ah e tal, ainda só fui ao cinema duas vezes e estamos em Janeiro. E eu digo, ………. E depois?

PP. Este quase de certeza que vai fazer parte da lista de nomeados. Também ponho o meu dinheiro virtual inexistente no filme do Boyle e do Sam Mendes. Tenho quase a certeza, embora ainda não tenha visto mais nenhum dos runners, que o meu preferido é capaz de ser outro que não este, mas de qualquer maneira… (ou então não…) Duh, claro que sim. Claro que, a não ser que o Revolutionary Road seja UAU, vou estar a torcer pelo senhor Fincher. Esse sim, o meu estilo de filme e realizador.

(e não é que a Lusomundo, depois de ter feito o horror de aumentar o preço dos bilhetes, deixou de passar publicidade idiota antes dos filmes e só passa trailers? Será possível? Irá durar????)

Australia (2008), Baz Luhrmann

2009-01-09T19:28:00.003Z

É claaaaaro que alguém como eu tinha de ir ver este filme. O cheiro a epic chick flick era inebriante. E, mes amis, estamos a falar do Hugh Jackman. A cavalo. Com a camisola molhada. Coisas dessas não acontecem todos os dias. E mais, estamos a falar de um dos poucos realizadores dos quais eu vi a obra completa. Sim, os três filmes anteriores. Inteirinhos. Isto hoje pode não contar muito, mas daqui a 40 anos, quando ele tiver feito mais uns vinte ou trinta… ah pois é.

E passemos à parte irritante e desnecessária onde eu exibo os meus conhecimentos cinéfilos. Sim, o Senhor Luhrmann é um excêntrico. Sim, o Senhor Luhrmann é um megalómano. Sim, o Senhor Luhrmann tem um estilo tão distintivo que aposto que até os vídeos caseiros que ele faz dos seus filhinhos se devem topar a léguas. E sim, para quem veio à procura de um quarto volume na Red Curtain Trilogy ficou desapontado. Mister Luhrmann is no Douglas Adams, oh no. Mas Mister Luhrmann sabe o que faz. E poucos terão o descaramento de o fazer tão à grande como ele. E é tão inspirador ver um realizador jovem, australiano e bem parecido a lançar-se sobre o abismo com tanta confiança… que parece que todos torcem para que ele parta a câmara de vez. Porquê, porquê, porquê? Mauzinhos que vocês são, críticos maldosos do Mister Luhrmann…

Se vejo Mr. Emmerich como o sucessor endinheirado e talentoso de Ed Wood, tenho forçosamente de ver em Mr. Luhrmann um… hum… um Cecil B. Demille meets MTV. Para aí. Claramente.

Vejamos agora o filme com os olhos educados e super-analíticos de quem está prestes a entrar numa escola de cinema, e acabou mesmo ontem de ler o See Your Film Before You Shoot. Hum. Mr. Luhrmann claramente apontou para o épico emocionalmente estafante, senão vejamos:

- começa o filme ligeirinho, com a introdução da fofura que a personagem de Nullah, o ‘creamy’, é. Kidman aqui mais não é que uma caricatura de inglesa mimada (deuses, dêem-lhe um Óscar só pela sequência dos ‘kangoroos! They’re jumping! Look! They’re… AGAHAAHAHAHAH’), Jackman faz de homem sujo e vivido, Carnay, o rêi du Gádu (em brasileiro no original), o antagonista suprasumo, Fletcher, o pau-mandado sem um pingo de piedade ou vergonha. Até que…

…o filme vira de uma luta pela independência para uma história de amori e racismo…

… Fletcher surge como verdadeiro antagonista (deuses, a personagem é mesmo unidimensional, a encarnação do mal até aos últimos momentos)…

… o homem forte da coisa zarpa rumo ao pôr-do-sol e a mulher frágil põe tudo em jogo pelo seu instinto maternal…

…chega o momento Pearl Arbour que todo o realizador deve meter no currículo pelo menos uma vez na vida….

… reencontram-se todos, salvos e sem tragic flaws, e o filme ‘acaba’…

… o respeito pelos aborígenes vence tudo, até as mães galinhas, e acaba o filme, desta vez a sério.

Ora bem… porque é que o filme irrita tanta gente? Por ser longo? Não me venham com tretas. Nem chega às três horas E não tinha como único motivo de interesse o Daniel Day-Lewis oleado a berrar de um lado para o outro… Por ter momentos assumidamente e orgulhosamente ridículos (aka momentos de evocação Wizard of Oz?) Hum… claro que carros a transformarem-se em robots e a lutarem contra o mal NADA TÊM DE RIDÍCULO…

O que irrita as pessoas, acho eu do alto da minha insignificância (e convém despachar que isto já está a ficar grande e nem sequer mandei as chalaças do costume ainda) é que é um filme EMOTIVO. Ou seja, é um daqueles filmes para ir, viver a coisa deixando o lado intelectualóide de fora, e CHORAR. Tipo, sim, Gone With the Wind. Duh. Claro que se é um filme emotivo feito antes dos anos 50, é genial, é um clássico, é arrebatador. Se é algo recente, buuuhhh.

Duh.

Não digo que o filme seja, uau, é o MELHOR FILME DE SEMPRE!!![i] Não. Mas é bastante bom. Bom, ponto. E a embirração com a Kidman, donde é que veio isso? Deuses…

Pontos altos: a fotografia à la Luhrmann (que parece saída de um livro de fotos do século XIX e, no entanto, com uma atenção à cor…), a edição estilosa da senhora Dodi Dorn (que copiou uma ideia da antiga colaboradora de Luhrmann, Jill Bilcock, para a cena de sexo… não digo qual porque também tenciono inspirar-me livremente na coisa para uma curtazinha que está a ser editada de momento…), a emoção despudorada, Brandon Walters como Nullah, as sequências open field, a cena dos cangurus (fica para a história do cinema…), o romance, vá lá, as canções aborígenes, os ‘quatro’ finais diferentes, cada um a puxar mais e mais o elástico do espectador e os canais lacrimais…

Pontos, digamos, um bocadinho mais baixos: a evocação descarada do filme Pearl Arbour (se bem que, pensando nisso, será possível fazer uma cena do género de outra maneira?), a linearidade da personagem de Fletcher, o momento ‘disney’ com a canção do genérico final…

Resumindo e complicando: for the next movie, Mister Luhrmann, save me a chair, please. :D

[i] Porque será que me vêm à cabeça as imagens sobrevalorizadas de poços de petróleo à cabeça sempre que digo isto? Hum…

Bolt 3D (2008), Byron Howard & Chris Williams

2008-12-16T16:12:00.003Z

Hum, esta coisa do regresso do 3D ainda não me convenceu, não… vocês imaginam o aborrecido que é para uma caixa de óculos como eu ter de pôr mais um par de lunetas por cima daquelas de que depende para ver alguma coisa além de um ambiente impressionista? E quando está uma dedada numa lente, nunca saber em qual delas é? Argh…
Lassie meets Truman Show. Infelizmente o conceito não fui eu que o descobri (isto de ler críticas antes de fazer o meu comentário tem esses inconvenientes plagiariais), mas define bem aquilo que fui ver. Yah, os tipos da Disney aprenderam a mexer em computadores! E pediram ajuda a alguém da Pixar para lhes orientar umas dicas. Consta. E o que é que resultou?
Um conceito bem interessante. Um filme bom (mas só bom, não ‘bastante bom’, nem ‘bonzito’, nem ‘yah, passa’), que não sei até que ponto seria melhor se visse a versão original, sem óculos especiais (tenho de confessar que, so far, até gosto bastante da dobragem portuguesa de filmes de animação, QUANDO NÃO SÃO OS SIMPSONS, claro). Personagem preferida para mim? Os pombos. Os pombos são geniais, e não me importava de os ter ao meu lado como conselheiros de carreira. Aliens. Brutal. O hamster Rhino não é tão fofinho como o meu arquétipo de hamster[i], e a hiperactividade é um bocado irritante, mas passa. A gata anoréctica é um bocado estereótipo, não? (não deixa de ter piada puxar o conceito para um filme de animação onde tudo, por norma, é estereótipo…). O cão, protagonista, Bolt, tem mais piada como cão normal do que como superherói. É suposto? Se calhar. A miúda parece-se com uma das personagens do Ratatuille. Coincidência? Sabe-se lá…
História, história, história… comovente, previsível, filme para miúdos que não passa assim tão bem para um público mais adulto, quando mais para um projecto de adulto obcecado com vampiros como eu. A música (aka tema principal a la Disney) dificilmente poderia ser mais irritante. Seria o 3D necessário? Não. Definitivamente não. Pelo menos desta vez não tive de pagar o extra pelos óculos (adoro quando me convidam para ser a segunda pessoa dos convites para antestreias… faz-me sentir… vipe.). Melhor filme da Disney de há muito tempo? Deuses, espero que eles não estejam assim tão mal…
Bons momentos: todos onde estavam os pombos; as sequências de acção iniciais (se bem que se não tivesse com a porcaria dos óculos era capaz de gostar mais); a sequência ‘aprender a ser cão’; os cães do canil a dizerem ‘bola?’; a perche (eu e a Kel desatámos a rir, ninguém percebeu porquê[ii]); o feel good do filme; e é tudo. Também gostei bastante do intervalo, quando o Edward se vai matar pela Bella, mas isso não estava no filme e as luzes apagaram-se e não pude ler mais…
Momentos ridócules: a música (argh); o incêndio final (duh); os créditos finais (agora tudo que é filme de animação imita o Wall-e nisso, é?); o 3D; o miúdo da fila de trás que não se calava com perguntas idiotas; os estereótipos da gata e do agente…
Hum, rói-se, mas entre ver o Bolt e aturar o Dumas prefiro este último… menos previsível… E tem dentinhos afiados…. :D

[i] Pessoas que convivem comigo decerto sabem do que estou a falar. Parem de rir…
[ii] ‘Lena, há uma perche entre nós…’. Desculpem, hoje estou toda private jokes…

Twilight (2008), Catherine Hardwicke

2008-12-04T14:43:00.003Z

Vampiros! Vampiros! Vampiros!

Claramente, tenho de ir mais vezes ao cinema à espera de ficar desiludida, porque sempre que vou com esperança de viver umas duas horas e tal bem passadas (a não ser que estejamos a falar de um filme do Clive Owen, claro), venho para casa a gemer o dinheiro do bilhete.
E estava mesmo certa que não ia gostar da coisa. Primeiro, tenho a banda sonora há mais de um mês e ao ouvi-la lembrava-me daquelas compilações Now 26 ou assim. O cheiro a teen flick, ok, mais teenage chick flick topava-se a léguas de distância da coisa. Depois, filmes de fantasia é tão raro serem bons, ainda mais filmes de fantasia baseados num best-seller. Quer dizer, basta olharem para os Harry Potters (à excepção daquele onde o senhor Cuáron meteu as talentosas mãos). E eu sei que os livros são bons, acreditem. Mantiveram-me a viver um hype durante vários anos, eu que gosto de ver em mim uma underground.
Sim, estou numa fase de vampiros, mas é uma coisa muito mais devida ao True Blood do que, digamos, ao Moonlight. E os cartazes e trailers que via apontavam todos na direcção deste último. That is to say, oh, uma humana que gosta de um vampiro, e ninguém sabe que é um vampiro, e tal, e romance e beijinhos românticos e coiso.[i] E digamos que o facto de ter um tal de Robert Pattinson a fazer de vampiro-mor (aka Edward), ele, uma cara bonita que se passeou durante um Harry Potter só para morrer no fim, era extremamente suspeito. Tudo parecia montado para fazer um esquema de filme de Natal, para obrigar os milhões que leram os livros (eu não me incluo no grupo, já que me recusei inconscientemente a ler as coisas ou mesmo a saber do que se tratava, numa de underground birrenta).
Arrastei-me então para o Fórum a pé debaixo de chuva torrencial no dia de estreia para ver a sessão da meia-noite e despachar a coisa (sim, porque ficar de fora de um hype literário é uma coisa, não ver o blockbuster do momento é outra…), e se bem que estava até de bom humor depois de ver o saldo da minha conta, sentei o meu crescente rabo na cadeira azul à espera de me aborrecer um bocado com os clichés vampirísticos e o amori adolescenti e tal. A excitação que estava à minha volta na sala (não cheia, mas bastante razoável para a hora e clima), onde tudo falava dos livros (eu e a Kel sentimo-nos nesse momento não undergrounds mas ignorantes), parecia indicar um déjà-vu do meu visionamento cinematográfico do Tróia (onde as duas raparigas atrás de mim passaram o filme todo a comentar os corpanzis do Pitt e Bloom…)
Começam os créditos (depois de muita publicidade e poucos trailers, como sempre), recosto-me na cadeira, abstraio-me do cheiro a pipocas e concentro-me que nem uma aluna de cinema bem educada. E ao intervalo já tomei a decisão de acordar no dia seguinte – quero dizer, dali a umas horas – para ir comprar o livro. Mensagens subliminares? Não sei. Só sabia que a história estava a ser fantástica, o filme bem feito nas horas (fotografia divinal), os actores tão mais do que caras bonitas, e até a música, discretíssima, me estava a cair bem. No final reforcei a minha ideia de ir comprar a coisa TODA, já que os restantes espectadores, especialmente as raparigas, estavam um bocado desiludidas com o filme que não chegava aos pés do livro.
E A CRÍTICA PROPRIAMENTE DITA DO FILME COMEÇA AQUI.
Não querendo estragar a surpresa aos 5% da população mundial que ainda não leram o livro, mas a história é tão mais interessante do que seria de esperar no género… Bella é uma personagem feminina forte (tão raro acontecer), independente, um bocado desastrada e com um óptimo gosto para rapazes. Edward é um vampiro (mas só o vamos saber de certeza na segunda parte do filme), rude, que tem uma grande dificuldade em articular palavras, que não sabe se quer mais morder o pescoço de Bella ou dar-lhe um beijo (no fim do filme continua sem saber), um corredor nato e leitor de pensamentos (qual Sookie Stackhouse qual quê); passeiam-se por lá mais alguns vampiros (a família adoptiva de Edward, todos lindíssimos e jovens) e, claro, os humanos aborrecidos do costume. Também há uns índios, que vivem numa reserva perto – La Push – e são, segundo as lendas, descendentes de lobos e inimigos mortais dos cold ones (isto vai dar história para a frente, de certeza). Acrescente-se que os novos colegas masculinos de Bella ficaram louquíssimos com ela, e tal.
Aspectos tremendamente positivos: fotografia lindíssima, realização de mestre, boa adaptação[ii], bons actores, música adequada (Bella’s Lullaby, principalmente, que é o leitmotiv da coisa), não resvala para o teen pic nem sei muito bem como, vampiros que não mostram os dentinhos nem se desfazem em cinza. Também muito bom o momento em que eles vão para a floresta, o jogo de basebol, toda a questão original amor/ódio, a reprodução da capa do livro…
Aspectos menos positivos: hum, tal como a mim, a origem do filme pode assustar um bocado as coisas. Além disso, percebo agora porque é que os leitores de Meyer se podem sentir desiludidos com a coisa: afinal, o livro é riquíssimo em detalhes e nuances, coisas que o filme não pode, pelo seu tempo reduzido, reproduzir na íntegra.
Sim, claramente um óptimo cruzamento romance/sobrenatural, à lá Anne Rice. E pronto, tenho de acabar por agora porque quero comprar o segundo livro… muahahahahah. :D

[i] Para quem não sabe (já tinham saudades das notas de rodapé, não tinham? :d ), True Blood é muito mais na linha: f*de-me com força, seu vampiro charmoso, ostracizado e mauzinho que mata pessoas)
[ii] Sim, entretanto, no espaço entre uma linha e outra acabei de ler o livro. Muahahahaha.

Ensaio Sobre a Cegueira (2008), Fernando Meirelles

2008-11-20T14:26:00.002Z

Estou seriamente a pensar em consultar um psiquiatra de bloguistas ou assim, porque quando alguém como eu começa a concordar com os críticos do Público algo se passa. Algo de muito, muito mau.

Este é daqueles filmes dos quais estou à espera há muito, muito tempo e pelo qual tinha uma muito, muito grande expectativa. Primeiro, um filme do Meirelles, aqueles senhor brasileiro que consegue que eu aprecie filmes de géneros que nem são lá muito o meu cup of tea. Depois, uma adaptação de um dos meus escritores preferidos (e, há uns anos atrás, o meu único escritor vivo preferido…). Por fim, um livro que eu sempre quis ver no grande ecrã, e julgava que nunca, por causa do ‘pé atrás’ do senhor Saramago em relação às adaptações das suas obras, algo acentuado ainda mais depois daquela… coisa… chamada Jangada de Pedra…

O que acontece é que fui para o cinema com uma enorme vontade de gostar, adorar, amar, rebolar-me no chão, fazer altares, destruir carreiras, gritar alto e bom som que o filme, afinal, era MUITO BOM e não, ‘ya, come-se’, como toda a gente parecia dizer por aí. E tal como li no Público, acho que o Jorge Mourinha ou assim, senti que me via obrigada a tomar lugar na outra barricada, porque o filme não é assim tão bom. O que é estranho é que as pessoas que foram comigo sentiram-se bem impressionadas com o filme, e até vi um casal a sair mal-disposto durante a famosa cena de violação (será que se pode chamar cena de violação a um ecrã quase negro?). Será que o problema é meu, por ter lido o livro antes? Provável. Raramente me impressiono com uma adaptação fílmica quando já conheço o livro – The Handmaid’s Tale, Brave New World, Harry Potters… mesmo quando não gosto assim grande espingarda do livro, como no caso do The Da Vinci Code, a sensação é a mesma: muita coisa tirada que era importante, o filme de certo modo é mais leve, ou mais pesado, ou insiste numa linha que eu, numa visão completamente subjectiva e pessoal de leitora, não considero que seja a mais relevante. A única deliciosa excepção a isso é Perfume: The Story of A Murder, do Tykwer, mas com este senhor a minha opinião pode não ser considerada válida, porque eu o Amo Profundamente e Quero Ter Filhos Dele (e fazer filmes também).

Continuando, o que é que eu acho que falhou? Hum. Quase tudo. Empatia com as personagens: zero. Apesar da Julianne More ser uma excelente actriz, de alguma maneira não consegui me sentir tão próxima dela como da mulher do médico no filme. Verem-se as sardas não sei se contribuiu para isso – percebo o sentido de pôr a protagonista sem uma beleza hollywoodesca, mas ná… Mais, gosto da ideia de branco e negro e tal, mas que é um bocado irritante lá é. É demasiado tempo, e ter usado os planos ‘terciários’ na montagem, isto é, desenquadrados, como que filmados por um cego, etc e tal, pode parecer uma ideia fantástica quando se está desesperado para fazer a montagem resultar, ou quando, sei lá, se lê isso no blog das filmagens (eu lembro-me que achei genial na altura), mas é mais uma daquelas coisas que fora do papel não resulta lá muito bem. Falta a encenação. Falta o apelar aos sentimentos do espectador. Sim, mete mais medo o que não se vê e só se ouve do que a imagem per se (estou a pensar na malfadada cena de violação), mas como ouvi algures no trailer, pior do que ser cego é ser o único que pode ver. Por isso, por muito giro que seja apenas seguir um filme pelo som (que estava horrível, mas penso que era da sala – por favor, se me dizem que era mesmo assim vou ter com o Meirelles e parto-lhe a cara), não resulta. Não tenho nada contra o aspecto artsy da coisa (alô, grande fã do Greenaway a carregar nestas teclas), mas quando é só isso, argh. Não, não, não. Desorientação visual, porreiro, mas tal como o livro, lá por ser uma ‘história de cegos’, não se coíbe de descrever (demais, até) pormenores e tal, o filme também não devia. E nem quero começar a falar da grande ausência do mundo fora das camaratas… Filmagens subjectivas só resultam temporariamente, e quando estamos empatizados com as personagens. Por isso (dizem, ainda não tive paciência para ver) The Lady of The Lake não resultou, e por isso momentos no Perfume ou, por exemplo, a genialíssima cena da discoteca em Babel resultam tão bem: são temporários, e nós deixamos – ou até queremos – perceber o que essas curiosas personagens sentem ou vêem. Neste filme, por exemplo, quando a mulher japonesa reencontra o marido. Momento bonito. Câmara a filmar às cegas nos outros momentos: irritante.

Não posso deixar de referir que a sala, numa quarta à noite, sessão das 9, estava de lotação esgotada. Sim, nem o 007 teve esse feito ainda. O que é curioso, pensando que não conheço quase ninguém que aprecie Saramago. O facto é que muita gente foi exactamente porque era uma adaptação do nosso Nobel (e que melhor maneira de ‘ler um livro’, né?), pela polémica lá fora, mas também, espero, porque sentiam que era um filme obrigatório para nós, portugueses. Afinal o país sem nome, duh, não é preciso ser bruxo. O filme era, apesar da tentativa de multinacionalização do cast, muito, muito americano. Em mais nenhum lado há daquele tipo de estradas…

Música: a original, nada que mexesse muito com a imagem (distante, superfície); as outras, muita coisa latina, receio. Momentos bons: hum, o tal momento de reencontro entre o casal japonês, os cães a comerem as pessoas, o diálogo mulher do médico- verdadeiro cego depois da noite da violação, as cenas de desolação na cidade depois de saírem das camaratas (muito bom, o momento supermercado); notícias portuguesas no rádio portátil (sem sotaque brasileiro, graças aos deuses); chama as pessoas ao cinema.

Momentos maus: como adaptação, argh, mesmo como filme, não sei não; a filmagem ‘cega’; pior cena de sexo dos últimos anos; pouco desenvolvimento da questão do velho cego/prostituta; demasiada polémica não percebo porquê (sempre assim…)…

Enfim, sempre que espero muito pelos filmes fico desiludida… argh argh argh…

007 - Quantum of Solace (2008), Mark Forster

2008-11-13T14:37:00.003Z

Sim, é verdade, fui ver o 007. Batam-me. Quer dizer, no sentido que me vendi ao blockbuster da semana em detrimento de coisas tão mais out e underground como filmes portugueses falados em inglês, thrillers com pacinos e deniros e biografias não escandalosas realizadas pelo Oliver Stone. Ahhhh, já se adivinha no ar o cheiro a silly christmas season…

E, como devem estar lembrados (aliás, de certeza que não, que têm mais do que fazer), eu não fui ver o primeiro porque a Marie Antoinette estava na sala ao lado… E não, até hoje não me deu vontade nenhuma de o ir alugar ao videoclube, e como também, que eu saiba, não passou na televisão…

Deixemo-nos de rodeios. Fui ver o filme porque me apetecia ver o Daniel Craig em tronco nu. E nesse aspecto não fui defraldada. Mais, até posso dizer que vi mais do que esperava…

Mas voltando ao filme. Sim, muito dele me passou ao lado porque não vi a ‘primeira’ parte, mas como não sou parva nenhuma, e como todos os filmes (?) são feitos para funcionarem por si, até que percebi, se não tudo, quase tudo. Portanto a última bond girl foi morta, e ele está tão aborrecido com isso que, em actos de fazer inveja a muitas TPM’s, mata tudo e todos os que o chateiam ligeiramente. De uma maneira tal que até chateia a M. E no decorrer do filme ele consegue perceber que afinal a miúda não o tinha traído, mas morrido por ele, e a modos que ultrapassa isso (ou não).

E como não estou com disposição de fazer uma grande análise de um filme que, acima de tudo, é entretenimento e eu gosto que ele continue a ser assim na minha cabeça (também preciso, bolas), passemos às enumerações idiotas de grandes momentos e momentos dispensáveis, tão mais fáceis de fazer do que uma crítica séria conseguida. Querem crítica a sério? Peguem em 9 euros e vão comprar a Sight and Sound.

Portanto, grandes momentos: perseguição de carros inicial. Uau. Planos que só demoravam um minuto, etc etc. Mal empregado Austin Martin. A punch scene final dessa perseguição, muito boa também; o mau humor do senhor Bond, divertidíssimo; Craig em tronco nu; Craig numa mota, Craig num barco a fazer quase que uma homenagem à perseguição de carros inicial; Rapariga morta numa hommage ao Goldfinger, mas com algo hoje muito mais valioso que o ouro; momentos ocasionais de humor com a ideia de ‘dois professores de licença… que ganharam a lotaria’; a legenda ‘Londres’ com chuva a cair. Sim, tem sempre piada, mesmo no fim de saber que não é completamente verdade.

Momentos dispensáveis: os créditos iniciais, uma impressão ainda mais reforçada pela voz da Alicia Keys (agradeço a correcção, Dário) ; a mancha nas costas da Bond Girl, que parecia uma doença de pele muito repugnante, mas depois, pela lógica apenas (e não por demonstração directa), se percebe que é uma queimadura…; a Bond Girl não tem assim muito potencial, pois não? ; a sensação de que falta alguma coisa, que o filme foi feito só por ser e que Marc Forster tem andado numa de má inspiração de pelo menos 3 anos para cá; que raio era o quantum of solace, afinal? Não se percebe qual o objectivo do senhor espião inglês, de maneira nenhuma.

De qualquer maneira, entre isto e o que para aí andava nas salas, não me parece que seja tempo perdido. Não tão bom como os ‘clássicos’, e pelos vistos todos dizem que o anterior bate-lhe aos pontos. Demasiado modernaço, afinal? Para mim falhou sobretudo não ter o Daniel Craig de calções… outra vez.

Tropic Thunder (2008), Ben Stiller

2008-10-30T11:56:00.003Z

Primeiro, grande excitação à volta do Apocalipse Now realizado por Ben Stiller. Depois, na estreia, grande desilusão – eh pá, não tem assim tanta piada, e tal… Por fim, leio a muitos mil pés de altitude a crítica da Sight & Sound à coisa e, tendo de escolher entre isso e a Mamma Mia em karaoke (bolas. O poster ficaria tão bem com a cor do blog…), pensei, buga lá ver o Stiller com bíceps.

Dos trailers iniciais (ups… SPOILER ALERT! SPOILER ALERT! Ou no início não conta? Argh…) – aliás, acho que todos os filmes deviam vir com trailers incluídos no início, porque há anos que não via tanto trailer seguido sem ser interrompido por anúncios à Sumol… - dou o meu coração ao dos monges, que oportunamente me esqueci do nome… o meu delírio atingiu o clímax quando vi o Robert Downey Jr. a roçar a mão no Tobey McGuire. Deviam haver mais momentos como este… e a música.. ahhhh… Gregorian ou Il Divo ou o raio…

Quanto ao filme propriamente dito, pensei que tivesse menos piada, mas sou suspeita. Qualquer coisa que cheire a paródia do meu futuro emprego tem gargalhada garantida. Ao contrário dos médicos, que não suportam o charme do House… lá estou eu a dispersar. Tosse seca. Concentração. Vamos lá outra vez. (tenho mais false starts que um filme do Woody Allen…)

Felizmente, os receios de uma paródia idiota ao Apocalipse Now não foram infundados. E no entanto, mais do que Coppola, a coisa tem um não sei que de Kubrick que ainda não consegui isolar e identificar de forma segura,.... acho que é a sala onde se passeia Les Grossman, interpretado por um irreconhecível Tom Cruise… estive até ao fim a pensar que estava perante um irmão do Paul Giammatti.. como é possível? O homem claramente vendeu a alma ao diabo, não me lembro dele tão bom actor… (Valquírias! Valquírias!)

Stiller como realizador: bem, foi ele que nos deu o Cable Guy, certo? O homem tem estilo para a coisa, tem sim. E como actor até que se safa. Robert Downey Jr., welcome to the world again! Jack Black, a criatura gasosa… (type casting, mas que se há-de fazer…) Brandon Jackson também a dar um ar da sua graça, no pouco escondido trocadilho Alpa Chino… E Matthew McConaughey, o homem no dilema moral de escolher entre um jacto privado e o melhor amigo e cliente… sim, sim, sim…

Melhores momentos: trailers iniciais, momento do realizador a ir pelos ares em pedações de carne, o Óscar de bambu ou o raio, os grandes momentos de Stiller na versão mimo do Forrest Gump (never go full retarded!), o regresso de Tugg à segurança do helicóptero com o ‘filho’ numa atitude pouco filial, Les a dançar no final (e a minha cara quando vejo que é o Tom Cruise…), etc etc, cerimónia dos Óscares, etc etc

Menos bom: os gases são uma piada gasta, mesmo quando estão ao serviço de mostrar o quão gasta é a piada.

(adoro o poster. Vocês não adoram o poster? O poster diz tudo).

Burn After Reading (2008), Joel & Ethan Coen

2008-10-22T15:48:00.001Z

Ah, o magnífico syndrome pós-Óscar… pelo menos não foram filmar um concerto dos… deixem pensar qual é o equivalente musical dos Coen… White Stripes?

Hum, eu sei o que estão a pensar, vou falar de certeza no bom que é ver o Brad Pitt e o George Clooney, esses ícones sexuais das fêmeas heterossexuais, no mesmo filme… ná. Tenho os interruptores hormonais desligados.

Pois, o filme. Acho que devia haver um enorme cartaz à entrada da sala a dizer :’Comédia negra – i.e., não inclui humor fácil com traques e enormes mamas balouçantes.’ Os deuses sabem como me apeteceu gritar isso ao ser que batia palmas no fim enquanto falava – como se nos interessasse imenso a opinião dele – ‘eh pá, que filme tããão divertido’, enquanto o agarrava pelo colarinho e comentava maldosamente o mau gosto para sapatilhas da namorada/amiga colorida/queca ocasional. Mas tenho de dizer, em abono da verdade, que este filme é um piolhito insignificante ao pé do filme negro que para mim serve de referência nos Coen, The Big Lebovsky. De qualquer maneira, bater palmas no fim de um filme irrita-me soberanamente e as pessoas que fazem isso deviam ser levadas para Guantánamo. (a não ser, claro, no caso em que o infeliz realizador esteja na sala, e mesmo assim…)

A história é requintada – muito bem conseguida a forma como vai construindo a tensão no primeiro e segundo actos, sem que consigamos perceber que raio se passa, e de repente, quando estamos descansadinhos, zás, reviravolta inesperada (mas sobejamente anunciada, ao ver a coisa em retrospectiva… como é que eles conseguem, deuses?), e a coisa descamba. Demora um bocadinho demais a acontecer efectivamente alguma coisa, se bem que os diálogos deliciosos à lá Coen vão servindo para não morrer de tédio (e a peculiar técnica de realização, o ênfase no vazio – mesmo nos edifícios governamentais, sempre desertos -, a construção de ângulos pouco usuais, etc etc teca teca). Sim, até ao intervalo não acontece nada. Depois, o final sabe um bocado a, sei lá, maroto da parte deles, porque sabemos do destino das personagens pelo discurso e não pela imagem (coisa tão europeia, credo). E esqueceram-se de UMA!!!! Que raio aconteceu à fria, calculista e ruiva Tilda Swinton? Foi para casa polir o Óscar? Desistiu do Harry (Clooney) e inscreveu-se no ginásio? (HardBodies ou assim…) Whatever…

Grande actor do filme, e não querendo menosprezar os outros todos, mas o meu voto vai ter com o Brad Pitt. Não sei se o penteado realmente ajudou (o Bardem não se pode queixar nesse departamento…), ou se, como muitos suspeitavam (mesmo aqueles que não têm vaginas ou estilos de vida alternativos), ele é um óptimo actor. Inclino-me para a última. Ele é a encarnação da estupidez em pessoa. Clooney parece ter sido fintado pelos irmãos e ter sido posto a representar uma variante muito caricaturada de auto-biografia… McDormand – mais um penteado esquisito – parece que, de há uns anos para cá, faz sempre o mesmo papel (com pequenas variantes, ou então estou a ter muita pontaria com os filmes que vejo dela…). Malkovich para mim será sempre o francês do Johnny English (sim, mesmo depois de ter visto o Ligações Perigosas…) O Mr. Fischer dos Six Feet Under … camisa abotoada até cima, ar apaixonado desesperado…ooohhh… Swinton quero-a ver o mais depressa possível num papel de boazinha, para me decidir sobre ela.

Há música (que vai gozando com o espectador ao construir momentos de tensão para o nada…), há espiões, há uma agência de encontros pela net, há a Embaixada Russa e os ipods. Melhores momentos: quando sabemos finalmente o que Harry está a construir na garagem, o encontro de Linda com o homem dos óculos esquisitos, e, claro, Brad Pitt a sair do armário da pior maneira possível (a metáfora não é no sentido habitual, receio). Apelidos estrangeiros, bom toque.

SPOILER ALERT!

O que interessa é que a moça conseguiu o dinheiro para a operação. E o resto são balelas!

END OF SPOILER ALERT

Piores momentos: ai. Demora a desenvolver, não é um Filme Maior, não tem o Bardem atrás das pessoas com uma botija de ar comprimido. Mesmo assim fãs dos manos não vão chorar o dinheiro do bilhete. Acho eu.

Nightwatching (2007), Peter Greenaway

2008-09-29T10:57:00.002Z

Que bom que é ter a possibilidade de ver em ecrã grande um dos grandes senhores do cinema inglês e do experimentalismo cinematográfico! Ah, TAGV abençoado que (quase) nunca nos abandonas…

Greenaway, para quem não sabe, é um maluco – no bom sentido. O seu primeiro filme, The Draughstsman Contract, é uma delícia cerebral, que mostra bem a formação pictórica do seu autor. E agora, com a teatralização de um dos mais famosos quadros de Rembrandt Van Rijn, deuses, ele volta à boa forma depois de uma longa ausência dedicada à televisão e à vídeo-arte.

Primeiro que tudo, nunca me deixo de surpreender pela artificialidade dos cenários, e contudo pela sua exuberância simplista, pelo paradoxal de uma nudez muito mais natural que um figurino, pelos diálogos verdadeiramente shakespeareanos e encantatórios. Ver um filme de Greenaway é sempre uma experiência mística. Nem sempre agrada – é preciso estar no estado de espírito certo para permitir que a extravagância nos seduza, e conhecimentos do delicado sarcasmo britânico são também recomendados. Mais, qualquer intertextualidade que julguem captar quase de certeza absoluta que não é coincidência.

A história, que mistura a semiótica do quadro com a biografia do pintor, ousadamente passada na sua maioria à volta de uma cama móvel e um telhado com anjos humanos, é ousada. Pessoalmente, não sabia nada da vida do pintor: a curiosidade aguçou-se-me, sem dúvida. Mais, nunca irei olhar para a Ronda da Noite da mesma maneira. Sempre achei que era um quadro bastante aborrecido de ‘tradição italiana’. Percebi finalmente que é, sim, uma paródia a essa mesma tradição, e com pormenores bem obscenos que revelam a podridão da nobreza que o encomendou e nela está representada.

Martin Freeman, a fazer um papel sério. Dêem-nos mais disso, por favor! Não só se revela fisicamente parecido com os retratos que conhecemos do autor, como há momentos em que esquecemos que ele é o eterno apaixonado da Shaun no The Office. Por momentos, digo, porque Greenaway brinca mesmo com esse nosso conhecimento prévio e põe-no a falar directamente para a câmara, apresentando as suas mulheres, putas e conhecidas.

Os cenários são teatrais, espartanos (o que não deixa de ser estranho neste realizador), e muito, muito escuros. Aliás, a fotografia, e a ironia com que quase casualmente são representados na película os momentos de tela de Rembrandt (com especial destaque para o momento do tapete oriental, ao ar livre), estão de mestre. A escuridão que só desaparece quando por momentos passamos de uma tradição pictórica para outra, quase no fim, é omnipresente. I’m watching the night… I’m night watching………. Darkness everywhere, with occasional lights spasms, if you’re lucky…

Destaque também para a intensa banda sonora, que não é da autoria de Nyman, o eterno companheiro (as associações realizador-compositor andam ultimanente a desfazer-se em pó, vide Burton-Elfman… Que se passa?), mas de um polaco de seu nome Wlodek Pawlik e que será atentamente seguido por mim e penso que por toda a gente que teve o prazer de estar naquela sala. Aliás, nem me importo de ir parar à cadeia por sacar ilegalmente as músicas desse senhor, porque vale a pena. Mais, nem me importava de dar dinheiro por um cd ou dois ou mais desse mesmo senhor.

Não me parece que Greenaway seja um bom elemento de transição de blockbuster para filme de arte, para aqueles que querem ser iniciados no cinema mais alternativo, mas para quem já gosta de filmes fora do normal, é a melhor maneira de reafirmar e reacender uma paixão. Deve ser o único realizador ‘teatral’ que não consegue ser aborrecido, mesmo que tente. Ou o único a quem perdoamos extensões no tempo da película desnecessárias… Pensem numa mistura de João César Monteiro (o interesse e estranheza do sexo, por exemplo) com o barroco de Baz Luhrmann, alguns laivos de Lynch e sobretudo muito teatro do século XVII… nem assim conseguem imaginar o que seja, a menos que tenham visto…

E agora uma frase cliché para terminar: Um must-see de um agradável regresso.

Superhero Movie (2008), Craig Mazin

2008-09-20T15:58:00.001Z

Todos temos momentos em que olhamos para os filmes em exibição nas salas que frequentamos e pensamos, ‘hoje quero ver uma coisa mesmo má’. E pronto. Com medo que as críticas pouco entusiásticas do Get Smart se concretizassem, resolvi ver mais um daqueles subprodutos que se baseiam no nosso conhecimento blockbusteriano para arrancar umas gargalhadazitas.

Tenho de confessar que gostei do Scary Movie. Mais, também gostei do Date Movie. Por isso até que estava com alguma curiosidade sobre este filme que supostamente gozava com os filmes de superheróis. Gargalhadas fáceis, era o que eu ia à procura.

Das duas uma, ou me tornei muito intelectual entretanto (o que é possível mas não provável), ou este subproduto de subproduto em saldo é muito, muito fraquinho dentro do género. Baseado sobretudo na história do Spiderman, com uns pequenos laivos de Batman e umas piadas gratuitas X-Men, digo-vos, como é que um filme baseado em outros filmes (e o que não falta são filmes de super-heróis!!!) é tão fraco em referências????

Mais, se vejo o Leslie Nielsen a fazer de avô de alguém em mais algum filme não respondo por mim. O homem tinha piada no Naked Gun, ok. Mas desde que ele entrou no franchise que as coisas atingiram um pico negativo impressionante. Mais, Pamela Anderson. O dinheiro para estrelas devia ser mesmo muito baixo, pela rapidez com que ela surgiu e desapareceu.

A escatologia está presente – na sua variante gasosa – mas nem isso está bem feito (eu sei porque o público-alvo para este tipo de piadas, pré-adolescentes e por aí, riu, mas com muita fraca intensidade). As piadas sexuais não são muitas (medo da classificação?), e tenho de dizer que a história está tão batida, tão batida (sem tirar partido da ironia daí inerente), que até parece um filme de superheróis ponto.

Sabemos quando um filme é mesmo mau quando o melhor do filme não foi inserido na montagem final e posto como extra durante os créditos. Sim, é verdade. As melhores piadas (algumas das quais apareciam no trailer) apareceram depois do filme acabar, todas desorganizadas, e não estamos a falar de falhas de actores. Estamos a falar efectivamente de cenas bem feitas, sem erros, que não foram inseridas no filme não sabemos porquê. Talvez se trabalhassem para pô-las no filme a coisa resultasse muito melhor. A sério. Só me comecei a rir depois dos créditos começarem!

Começo a ter a sensação que os estúdios julgam estes filmes maus (e sempre o foram, é nisso que se baseiam para resultarem!), e por isso põem qualquer um por trás deles. Ora, não é qualquer um que consegue dar estilo ou piada a um filme naturalmente mau. E não é qualquer guionista que tem habilidade para isto. Se em vez do senhor realizador Craig Mazin (Scary Movie 3 e 4, como argumentista) tivessem investido num, sei lá, num Keenen Wayans, num Arthur Semedo (deuses! Eu adoro este senhor: d) ou mesmo, à maluca, um Paul Weitz nos seus melhores dias, ou então Joel Gallan, para o desastre completo…

Meus caros senhores dos estúdios, os filmes maus também precisam de ter qualidade!!!!

No Country For Old Men (2007), Coen Brothers

2008-09-20T15:42:00.002Z

A decisão de não escrever neste blog sobre filmes que não vi no cinema tem alguns revezes, como por exemplo só falar da porcaria que passa pelas salas de Coimbra ou deixar de fora filmes obtidos por meios menos... hum.... legais. Por vezes tenho a impressão que ninguém acredita que nem gosto assim tanto de cinema mainstream, ou que tenho alguns guilty pleasures de cinema mau como toda a gente. Mas enfim. Resolvi fazer uma excepção daquelas muito grandes, isto é, não só vou falar de um filme que não vi no cinema, como não vou fazer uma crítica ao filme. Vou sim fazer um magnífico paste de uma parte de um trabalho que fiz sobre o objecto em questão. Cadeira, Análise de Argumento. Não sei, apeteceu-me. Vai fazer um tremendo contraste com o meu estilo (?) habitual, mas olhem, para desenjoar um bocado.

A parte do trabalho é sobre as personagens de No Country for Old Men. As primeiras partes falavam, respectivamente, da comparação livro/argumento, e das especificidades de argumento. Ambas são demasiado 'aluno de cinema', por isso escolhi a última para pôr aqui.... aí vai.

As Personagens

MOSS

What is he supposed to be, the ultimate bad-ass?

WELLS

I don’t think that’s how I would describe him.

MOSS

How would you describe him?

WELLS

I guess I’d say… that he doesn’t have a sense of humor.

O que é afinal uma personagem principal, e daí derivado o que faz uma personagem secundária?

Segundo Ken Dancyger e Jeff Rush,

The main character differs from secondary characters in a variety of ways. The primary difference is that the main character undergoes a metamorphosis during the course of the story. On the other hand, the secondary characters do not change and, in fact, necessarly serve as a source of contrast to the main character. Through interaction with the main character, secondary characters help to move the story along.[1]

Anteriormente definimos Moss como a principal personagem do argumento de No Country For Old Men. Mas se o é, porque o vemos de forma mais distanciada do que Bell ou Chigurh? E porque morre ele no final do segundo acto?

Moss é a personagem principal porque é contra ele que o antagonista, Anton Chigurh, se move. Bell não pode ser o protagonista porque nada contribui para o desenrolar da acção. Talvez uma definição de protagonista mais adequada ao nosso objecto de estudo seja a de Yves Lavandier: Llamaremos protagonista al personaje de una obra dramática que vive el mayor conflicto, por lo tanto, a aquel con quien el espectador se identifica (emocionalmente) más. La mayor parte del tiempo se trata de un conflicto específico, también llamado conflicto central. Por eso el protagonista posee, en general, un único objetivo, que intenta alcanzar a lo largo de todo el relato y ante el que va encontrando obstáculos. Sus intentos y las dificultades a la hora de alcanzar el objetivo determinan el desarrollo de la historia, lo que llamamos la acción.[2] O espectador identifica-se com Moss porque ele é uma vítima dos acontecimentos, está em perigo, em dificuldades. O objectivo dele pode ser ficar com o dinheiro, mas isso ao espectador não está em causa: o que interessa é que, com dinheiro ou sem ele, o protagonista sobreviva. Ironicamente, quando vemos Moss pela primeira vez ele está a caçar; pouco tempo depois passa de caçador a presa.

Moss pode ser o protagonista de No Country For Old Men, mas não é um protagonista comum. Não é uma personagem ‘heróica’, e apesar da sua inteligência (esconde a mala do dinheiro na conduta do ar do motel, descobre o transmissor no meio das notas) é difícil acreditar que ele consiga fugir por muito tempo de Chigurh ou dos mexicanos. Aliás, ele nunca enfrenta os seus perseguidores; prefere fugir. O único momento de confronto é quando Moss telefona a Wells e descobre que é Chigurh que está do outro lado da linha, e o ameaça: Yeah I’m goin’ to bring you somethin’ all right. I’ve decided to make you a special project of mine. You ain’t goin’ to have to look for me at all.[3] Para Lavandier, os obstáculos não devem parecer intransponíveis pelo protagonista, ou a história deixará de fazer sentido - La idea es conseguir que el espectador se debata entre la esperanza y el temor. [4] Neste momento breve julgamos que Llewelyn estará à altura de Chigurh (afinal ele conseguiu já duas coisas impossíveis: vê-lo e ficar vivo, e atingi-lo numa perna) e as coisas poderão acabar bem: a ilusão de uma vitória de Moss torna a morte deste um choque para o espectador.

Moss despoleta toda a acção mas não percebemos quais as suas razões para agarrar na mala de dinheiro. Não nos é dada uma resposta sobre o que ele planeia fazer com aquele dinheiro todo. Mais do que sobreviver (ele sabe que se expõe ao perigo no momento em que agarra a mala), o único objectivo de Moss é ficar com o dinheiro. A sua tragic flaw é a teimosia em crer que é capaz de se desembaraçar sozinho das pessoas que o perseguem.

Mas este objectivo único, definidor de uma personagem principal, mais não parece, pela sua falta de fundamento, do que um pretexto para um despoletar de violência, um macguffin, para utilizar o termo hitchcockiano. É como se Moss fosse, além ou apesar de protagonista, uma personagem irónica, i.e., something of an innocent who unleashes a course of events that "punish him or her" far beyond what we might expect given their actions.(...) As Frye claims, the story is then pushed toward myth.[5] O argumento dos Coen, ao colocar Llewelyn Moss em primeiro plano, transforma uma história de um velho xerife avassalado pelos acontecimentos à sua volta (o que é a lei, o que era a lei antes, se a lei faz sentido) numa reflexão sobre a violência[6], não dos anos 80 em específico, mas dos nossos dias. O argumento joga com o fascínio actual da violência, com o, podemos mesmo assim chamar-lhe, erotismo do gore, e despoja-o do seu encanto, apresentando-o em toda a sua frieza, sem música de fundo. Como sublinham Dancyger e Rush, An ironic character promotes distance between us and the character, and allows us not only to sympathize with the character's plight, but also to wonder why events and people seem to conspire against him. Often, the ironic character is portrayed as an innocent victim of a person or system. This type of character is very useful when you feel that the ideas are more important than the people in your screen story.[7]

Ed Tom Bell, xerife, é o old men a quem o título se refere. Sobre ele parecem ser indicadas as palavras de Dancyger e Rush sobre “reflective agency”: a character [that] does not directly affect the action line, but rather one in which his reaction shapes the viewer’s understanding of the scene.[8] A Bell cabe aquilo que os teóricos designam de background story, a parte narrativa relativa às emoções, aos dilemas interiores. Moss e Chigurh estão envolvidos de uma forma excessivamente intensa na foreground story, orientada para a linha de acção, para se poderem permitir a existência de uma vida interior. Esse ‘peso’ recai sobre Bell, o carro-vassoura das consequências da acção dos outros dois.

De facto, Bell é um espelho para toda a acção, e se no romance de McCarthy ele se mostrava à altura de representante dos velhos tempos, intrigado pelos acontecimentos e derrotado face a eles, aqui não é mais do que uma personagem desencantada e inerte que não se quer meter em sarilhos. Ele é o comentador inconsciente do que se passa, distanciadamente. He seen the same things I seen and it made an impression on me, diz ele a certa altura, mas não acreditamos que esteja impressionado com o que viu. A frieza com que analisa as cenas de crime (realçada pelas reacções contrastantes do impressionável Wendell: Hell’s bells they even shot the dog), a sua descontracção em beber leite sentado no sofá onde sabe que horas, minutos antes esteve sentado Chigurh, a calma com que se senta no café a ler o jornal, caracterizam-no como uma personagem habituada à violência, tão habituada que está mesmo dormente perante ela, não sentindo qualquer desejo de salvar o mundo, apenas a necessidade de auto-preservação.

O momento mais emblemático do Xerife Bell é quando ele entra no quarto de Moss, pensando (acertadamente) que Chigurh está lá dentro. É o único momento em que vemos Bell demonstrar alguma coragem, algum desejo de morrer por um objectivo maior. Mas o seu desejo de valentia sai frustrado: Chigurh não o ataca. Bell perdeu a sua oportunidade de tomar o lugar de Moss, de protagonista.

Anton Chigurh é a primeira personagem que nos é apresentada; a voice over de Bell não nos diz nada sobre o xerife, não é perceptível se estamos a ouvir um narrador heterodiegético (porque a história que a voz conta se confunde com os acontecimentos do ecrã, embora haja um momento de dúvida temporal até sermos situados no presente por The crime you see now… sobreposto ao algemar das mãos de Chigurh[9]) ou uma personagem participante, como é o caso. Chigurh é a primeira personagem a agir, mas não fala. As suas acções caracterizam-no – as suas palavras só virão mais tarde.

Chigurh é a personagem com menos variantes ao longo da narrativa, mais compacta – opaca mesmo - e arquétipa. É, como já foi referido, o antagonista. É também a personagem com mais carisma, aqui entendido na definição de Dancyger e Rush. Segundo eles, as características de uma personagem carismática são as seguintes: uma imperfeição subtil; um chamamento ou sentido de missão; agressão ou intensidade polarizada; uma dimensão sexual; capacidade para convencer os outros. De uma forma mais sintética, [t]he key element is that we quickly notice that they are different, but we are not put off by them; instead, we are curious about them.[10] A associação de carisma com antagonismo não é novidade; o que é particular neste caso é que, porque Moss é uma personagem principal pouco convencional, o papel de herói – aliás, de anti-herói – recai sobre Chigurh. É ele que se mostra a personagem mais capaz de ultrapassar os obstáculos que o impedem de alcançar o seu objectivo (mesmo que não sejam obstáculos, ele faz questão de os ultrapassar na mesma). Sobre o protagonista não convencional, dizem-nos Dancyger e Rush:

The trade-off, between classic main character and the main character who shares the same quandaries and questions as the secondary character, is the loss of the hero. If one character is no more privileged than any other character, heroic action becomes, simply, action, and the dramatic struggle of the main character becomes, in one fashion or another, the struggle of each character. [11]

Esta perda do estatuto heróico do protagonista para o antagonista tem duas consequências imediatas: não acreditamos que Llewelyn Moss consiga vencer Chigurh; e sentimos uma certa empatia com este, quando nos é dado o seu ponto de vista (geralmente) triunfante.

Perhaps the similarities between protagonist and antagonist are more memorable than are the differences.[12] Chigurh partilha com Moss uma característica fundamental: o dinheiro, apesar de ser aquilo que o move, não lhe interessa. Mais do que a meta, interessa-lhe o caminho. Ele quer ser the one right tool. Corrigindo, o que lhe interessa nem é o caminho. O que lhe interessa é fazê-lo bem, e chegar ao fim. Só assim se justifica que, após a morte de Moss, vá a El Paso matar Carla Jean. Ele só atira a moeda ao ar uma única vez (no filme duas); contudo, esse acto, pela sua força e simbolismo, fica-lhe para sempre associado. Onde está uma moeda, está Chigurh. Ou esteve.

[1] DANCYNGER… p. 4

[2] LAVANDIER, Yves, La Dramaturgia: los mecanismos del relato, … p.39

[3] p. 88

[4] LAVANDIER, …p.60

[5] DANCYGER, …p. 294

[6] Não que esta linha não esteja presente no romance de McCarthy, pelo contrário – o argumento apenas a transforma na linha principal.

[7] DANCYGER, …p.10

[8] DANCYGER, … p.247-8

[9]No filme há inclusive uma dúvida temporal, pois se houver algum tipo de conhecimento prévio da história (trailer, críticas), sabemos que Chigurh é um assassino. Vendo-o ser algemado insinua, por momentos, que estamos num flash forward.

[10] DANCYGER, …p.182

[11] DANCYGER, … p. 198

[12] DANCYGER, …p.198

Filmografia

COEN, Joel & Ethan, No Country For Old Men (2007)

Bibliografia

CARRIÈRE, Jean-Paul & BONITZER, Pascal. Prática del guión cinematográfico. Barcelona: Paidós, 1998.

COEN, Joen & Ethan. No Country For Old Men - adapted screenplay. Miramax, 2007.

DANCYGER, Ken & RUSH, Jeff. Alternative Scriptwriting - Sucessfully Breaking the Rules. Oxford: Focal Press, 2007.

FIELD, Syd. Manual do Roteiro. Rio de Janeiro: Objetiva, 2001.

LAVANDIER, Yves. La Dramaturgia. Ediciones Internacionales Universitarias. Madrid. 2003

MCCARTHY, Cormac. No Country For Old Men. New York: Vintage International, 2005.

MCKEE, Robert. Story - Substance, Structure, Style and the Principles of Filmmaking. New York: HarperCollins, 1997.

SOUSA, Sérgio Paulo Guimarães de,. Relações Intersemióticas entre o Cinema e a Literatura - A adaptação cinematográfica e a recepção literária do cinema. Braga: Universidade do Minho/Centro de Estudos Humanísticos, 2001.

WOODWARD, Richard. Cormac McCarthy's Venomous Fiction. 19 de April de 1992. http://www.nytimes.com/books/98/05/17/specials/mccarthy-venom.html?_r=2&oref=slogin (acedido em 11 de Junho de 2008).

Wall-e (2008), Andrew Stanton

2008-08-28T14:54:00.003Z

Quando os filmes com pessoas reais só nos desiludem, nada como apostar numa ida ao cinema para ver imagens completamente virtuais, feitas por máquinas que um dia tomarão o controlo do mundo e transformar-nos-ão em processadores de texto e plataformas para jogar GTA IV (por acaso, tenho de tratar da minha ignorância neste último aspecto…)

Primeira coisa maravilhosa extra filme: vem aí um Madagáscar 2. Após meses e meses a atrofiar com as pessoas que me incomodam no cinema, fiz toda a gente ficar incomodada com os meus gritinhos histéricos e “personificação” de pinguim. Nunca uma sequela me deixou tão esperançosa…

Segunda coisa maravilhosa extra-filme: a curta da Pixar que foi mostrada antes do filme. Ver curtas no cinema é tão raro que só posso pedir que isto se torne uma norma. É tão bom, um aperitivo antes do prato principal… Sobre um coelho e um mágico. E uma cenoura. Ahhhhhhh….

E chegamos ao filme. Estava reticente – toda a gente falava bem dele, e isso não costuma ser um bom indício para mim. Mas era uma animação, quiducha e tal. Sim, sabia a história por alto. Mas que mais havia para ver no cinema nesta altura?

Após a indescritível experiência de ver um dos filmes do ano (se não digo o filme do ano é porque ainda estamos em Agosto e está o novo dos Coen para estrear), digo-vos que este ‘ovni’ está alguns passos luz de se tornar num dos meus filmes preferidos de animação. Primeiro que tudo, é ficção científica. Sim, o meu género preferido não são chick-flicks, por estranho que pareça. Depois, é uma distopia, a minha variante preferida de ficção científica. Mais, tem as personagens mais adoráveis de sempre, para um filme desse género. Raramente falam (o que é bom, porque tive de ver a versão dobrada em português – só há quatro cópias do original em território nacional e, adivinhem, três delas estão em Lisboa…), são robots (amor à tecnologia só superado pelo amor aos animais irracionais e relâmpagos), a banda sonora é das coisas mais deliciosas – bem vindo de volta, Thomas Newman – e os créditos finais são… bolas, são geniais.

Isto conjugado com uma historia simples, de amor (uma variante de amor que não é irritante), que não se mete em aventuras para disfarçar com suberfúgios idiotas a sua simplicidade. Pixar, adoro-te profundamente. Isto sem moralidades disfarçadas (à lá Disney), e apresentando uma das personagens femininas mais fortes de sempre, sem quaisquer paternalismos – Eve. Yehhh.

E, claro está, Wall-E. Nunca um robot do lixo foi tão fofinho e outras coisas pindéricas acabadas em –inho. Cada robot com a sua mania. (palmas para o limpador incansável de sujidad).

É um filme para crianças? Definitivamente. O melhor é a maneira como um futuro horrendo (Terra coberta de lixo, humanos supra-obesos, domínio da tecnologia) é apresentado de uma forma tão natural e sem dramas. Sim, a esperança da plantinha, verdusca, que é ao mesmo tempo o que une e separa Wall-e e Eve. Mas.. nem sei explicar.

E as referências cinematográficas ao longo do filme? Além das óbvias – os musicais que Wall-e vê vezes sem conta, vi pelo menos a mais gritante a 2001 Odisseia no Espaço, e ainda Voando Sobre um Ninho de Cucos, The Hitchickers’ Guide to the Galaxy, além de todas as referências ao Admirável Mundo Novo de Huxley, Pinóquio (temos uma ‘barata’ muda a substituir o grilo falante) e a Bíblia aka História Humana em geral.

Adoro que sejam apresentados os dois lados do desenvolvimento tecnológico – a liberdade absoluta e a escravidão absoluta. Tal como as vantagens e desvantagens das máquinas ganharem personalidade própria. I’m afraid I can’t do that, Dave. Wink Wink.

Mais uma ressurreição final, é verdade. Mais uma dança no espaço. Bom ritmo, óptimo guião, excelente trabalho de animação (ainda mais tratando-se de objectos que não existem ainda). E sim, não é por acaso que a Eve tem qualquer coisa de Macintosh, a inspiração é confessada. O que torna o Wall-e… hum…

Para ver muitas vezes até enjoar, se isso for possível. O melhor substituto do ET para os tempos modernos. E isto é um enorme elogio, acreditem.

The Dark Knight (2008), Christopher Nolan

2008-08-08T16:45:00.002Z

Why so Serious?

Ao fim de meses e meses de espera, eis que podemos ver o “filme do ano”, a única coisa que por aí andava com um hype ainda maior que o IPhone – e isso é dizer mesmo, mesmo muito. Com o seu primeiro filme, Batman Begins – um reload da série Batman, que teve a sua primeira aparição nos anos 60 na televisão – Nolan tinham posto no caixote do lixo os devaneios assustadores de Schumacher, com aquelas coisas coisas chamadas Batman Forever e Batman & Robin – sim, todos nos lembramos deste último dos belíssimos mamilos de George Clooney, mais do que da história propriamente dita.

Com The Dark Knight, lamento dizer, não perfilho a opinião do crítico do Público Jorge Mourinha – que para o caixote do lixo vão os incontornáveis filmes de Tim Burton. Snif. Só me consola o facto que o próprio nunca gostou muito deles - qual é o mal de serem cartoonescos???

Primeiro que tudo, Christian Bale foi talhado para vestir a pele – e as cicatrizes – do Cavaleiro Negro. Não só tem o queixo ideal requerido para o papel (com uma voz grossa estranhíssima quando enverga a máscara), como o ar de menino mimado aka Bruce Wayne. Aaron Eckhart finalmente nos dá as origens do Harvey Two-Faces (sim, eu posso ser uma gaja, mas mitologia batmánica é comigo – não tanto como história inglesa, mas dou uns toques), com o seu ar de bom partido completamente estragado por um bocado de gasolina. Michael Caine é o mordomo inglês que todos gostaríamos de ter, Gary Oldman a jogar contra o que nos tem habituado (Sirius Black! Sirius Black!) no papel do dúbio polícia Jim Gordon, e, claro, a garota de serviço, ? , a fazer inveja a muita namorada de super-herói, pois nem todas têm o prazer de, efectivamente, não serem salvas pelo seu bem querido, ou de darem os pés a esse mesmo bem querido ignorando ele o facto.

Não me esqueci de ninguém, pois não? Continuando…

Sim, estamos numa América negra, não um negro Burton (sempre estilizado e onde o roxo fica sempre bem), mas numa negritude realista, onde não é bem banda desenhada que vemos quando olhamos para os prédios a explodir, mas mais o telejornal da noite. O filme começa, inteligentemente, à luz do dia. Nem só de noite explodem coisas.

Batman como o herói de que Gotham merece. Um anti-herói fora-da-lei que assume os assassinatos feitos pelo ‘herói’ Harvey para que ele possa ficar branco e limpo aos olhos dos cidadãos. Finalmente Bruce parecia poder pendurar as orelhas de morcego e dedicar-se a Rachel – surgira alguém capaz de fazer o trabalho por ele (genial os wannabe Batmans ) – mas não cedo se apercebe que afinal não só Rachel deixara de se a ‘única possibilidade de uma vida normal’ como ninguém conseguia ser negro o suficiente como ele, sem se deixar corromper pelos vagos desejos de vingança.

Música muito ousada para blockbuster – ouvi laivos de minimalismo repetitivista???? -, grande trabalho de fotografia, excelente desenho do BatLab (todos o adoramos, certo?), e queremos ver mais vezes o Batman de mota ou de Lamborghini, porque é bem giro.

Grandes momentos: Joker.

Piores momentos: que raio aconteceu ao Joker, afinal?

Será que consigo ignorar por mais tempo? Não.

Bolas, não, não acho que o filme seja o novo Laranja Mecânica. Sorry. Mas temos um novo Alex, isso sim. Heath Leadger, assustadoramente ausente desta personagem (no melhor sentido possível), que nos enche de calafrios por ser impossível não pensar em coisas extra-película quando o vemos chegar ‘morto’ dentro de uns sacos de plástico ao escritório de um dos patrões da Máfia, e que dá um colorido muito mais que roxo ao filme – sem ele, nem metade do bom o filme teria sido. O assalto inicial dá o tom ao filme, nunca mais esqueceremos o momento do hospital – com Leadger vestido de enfermeira -, ou mesmo os seus requintes de malvadez enquanto persegue o Batman com um camião. David Denby tem uma frase fantástica acerca dele: He’s part freaky clown, part Alice Cooper the morning after, and all actor. E quanto aos momentos nos barcos? Delicioso. Sim, dêem a porcaria do homenzinho dourado ao rapaz! Ele nunca esteve tão bem. E eu sigo-o atentamente desde o 10 Coisas que Odeio em Ti. [1] É claro que agora o meu lugar de psicopata preferido se encontra bastante tremido entre o Joker, Chigurh e, claro, Alex. Argh, escolhas difíceis…

Mal posso esperar para o ver em The Imaginarius of Doctor Parnassus.

(não faço ideia porque raio os 1s estão tão grandes... joker??)

[1] Que, ao contrário do que muitos julgam, não é só um chick flick mas, primeiro que tudo, uma adaptação modernaça de uma peça de Shakespeare, The Taming of the Shrew.

Funny Games US (2008), Michael Haneke

2008-08-08T16:37:00.001Z

Qualquer pretensioso cinéfilo que se preze conhece (nem que seja só de nome ou polémica) a obra do alemão demente Senhor Haneke, e eu não sou excepção – A Pianista foi de longe um dos filmes mais poderosos que vi, antes de saber mesmo como se ligava uma câmara & quem constituía o Novo Cinema Alemão dos anos 70…

Funny Games (falo do original) era daqueles filmes que estava na minha interminável lista de filmes a ver um dia, um objecto que tinha a impressão de conhecer na totalidade sem nunca ter visto, graças aos magníficos livros sobre guionismo & análise de filmes & cinema pós-moderno que tive de papar durante o curso. Por isso, ao ver escarrapachada da capa da Sight & Sound[1] que havia um remake americano a estrear, ainda mais dirigido pelo próprio Haneke (sim, não é só o Lucas que gosta de refazer os seus filmes), senti uma alegria imensa de poder ver o filme ‘actualizado’ e com um cast de categoria.

Não faço a mínima ideia quais as mudanças (ou se há mesmo mudanças) em relação ao original, por isso abstenho-me de falar disso (tretas que cada filme deve ser analisado per se e o mais possível sem referências externas apoiam-me nisto). Uma coisa é certa: Haneke não é para estômagos fáceis, e temos de estar preparados para aturar filosofia dos media de cada vez que nos concedemos ver um filme do senhor. O casal que teve o prazer de partilhar a sala de cinema comigo não estava a achar grande piada – aliás, acredito que Haneke ia achar genial a reacção do rapaz ao momento em que Pitt faz rewind na acção, destruindo a momentânea felicidade do espectador por ver justiça feita (e uma antevisão de final feliz).

Michael Pitt, digo já, nasceu para fazer papéis de psicopata. Naomi Watts, como vítima indefesa, ou dona de casa, fica um pouco na sombra. Roth está acima das minhas míseras palavras. A fotografia é, como já nos acostumámos nos filmes deste senhor realizador, uma carta muito forte. Palmas para Darius Khondji, que já tínhamos encontrado em algo completamente diferente como My Blueberry Nights, Se7en e Delicatessen. O mais chocante para mim, eu, a inimpressionável, foi a utilização da música. O contraste entre clássica e heavy rock… arrepia-me. Bastante potente foi também o anticlímax, que não conhecia.

É uma história forte, sobre a influência dos media na violência juvenil, mas que ironicamente se assume também como uma glorificação da violência, acrescentando que o espectador é um cúmplice passivo e indefeso, por muito paradoxal que isto possa parecer. Haneke afirmou em entrevista que a principal razão deste remake era levar a mensagem a um público mais alargado (ele sabe como a maior parte dos americanos é alérgico a legendas…), e faz assim um filme anti-Hollywood no seio do próprio.

Shall we end? Não causou tanto impacto como eu queria que causasse (o saber a história antecipadamente, ou talvez achar o tema da Pianista mais perturbante – afinal, já passaram dez anos desde que o original foi feito, entretanto o cinema tem-se tornado… hum… deliciosamente weirdo, nalgumas correntes - e não é claramente um bom filme para quem não sabe ao que vai, mas vale a pena, quanto mais não seja para os intelectualóides se sentirem perturbados e os outros se deliciarem com sangue, tripas, tortura e a Naomi Watts de roupa interior, amarrada, a saltar. Cada um com o seu gore…

[1] Reparem como a autora, aparentemente em tom de gozo quando fala de pretensiosos cinéfilos, deixa casualmente cair uma referência intelectualóide para mostrar a sua imensurável superioridade perante leitores de Empire & Total Film & Premiere & Tv Guia

Los Borgia (2006), Antonio Hernández

2008-08-08T16:25:00.001Z

Há dias em que, não sabendo o que ir ver ao cinema, escolho a produção europeia e desconhecida. Mais, numa semana em que fomos deliciosamente presenciados pela segunda temporada dos Tudors na 2:, diariamente em dose dupla, pareceu-me boa ideia ir ver um filme espanhol que falasse dos devassos Bórgia.

Mas porque é que ninguém me dá uma estalada quando tenho estas ideias peregrinas?

Pondo de lado o facto que filmes em língua espanhola são normalmente irritantes (excepções honrosas feitas para alguns filmes, por exemplo, O Labirinto do Fauno), e pondo de lado que os Tudor elevaram os padrões da reconstituição histórica a um nível bastante elevado, estamos perante um filme completamente dispensável de ter estreado em sala. Quer dizer, privaram-nos do prazer de ver The Underdog em ecrã grande, e põem lá esta paneleirice?

Exactidão histórica – ao nível de pormenores não faço a mínima, mas parece que seguiram as linhas gerais. Conseguiram a proeza de ter a Lucrécia Bórgia mais irritante de sempre, o que é qualquer coisa. E o irmão – será a personagem principal? – também é bastante espanhol…. Argh. Era suposto ser italiano, não????

Mais - o pior trabalho de iluminação de sempre. Sempre a pôr sombras nos sítios que deviam ser de relevo, e luzes nas zonas que pura e simplesmente não interessam. Narrativa? Tentam pôr o Rossio na Betesga, comprimindo não sei quantos anos de história (muitos) em quase três horas, sem fazer qualquer trabalho de selecção de acontecimentos relevantes. Aliás, põem o mesmo ênfase nos três principais membros da família (Alexandre, Carlos e Lucrécia), mas um ênfase tão superficial que podiam aprender com qualquer novela de horário nobre. Não, não nos apresenta às personagens – elas mexem-se, falam-se, mas para nós tanto nos faz. A construção dramática (um empolar de acontecimentos a caminho de um clímax) é inexistente. Os actores, credo, não me façam começar a falar. Roupas giras? Nem reparei. Os meus bocejos frequentes não me deixaram ver.

Bons momentos: bem, eu tinha saudades de não gostar mesmo nada de um filme…

Música: o mesmo tema, aliás, o mesmo excerto de tema repetido vezes sem conta, mesmo quando era absolutamente necessário, por motivos dramáticos, um tipo de música mais apropriado. Sim, eu de vez em quando faço isso nas curtas, mas, 1º são curtas; 2º, é com intenção cómica.

Mais uma coisa: as referências constantes ao reino de Portugal irritaram-me fortemente, e eu até que sou anti-patriótica. Mas isto vindo de um país que na altura nem país era… Cabrones.

(pelos vistos em DVD tem mais uma hora e tal... hum... mas porque raio insistem em estrear em sala mini-séries condensadas, porquê????)

Hancock (2008), Peter Berg

2008-08-05T15:31:00.003Z

A pergunta que se impõe é: porque raio este filme foi publicitado como comédia? Têm noção da quantidade de pessoas que foram ao engano?

Acrescente-se a irritação sentida quando, na primeira parte do filme, se houvesse mais anúncios ao ‘twist surpresa’, até as criancinhas de 4 anos percebiam. ‘Ah, fiquei tão surpreendido…’ Como, gente?

No fundo no fundo, ultimamente sinto que tudo o que vejo são remakes descarados, ou sempre o mesmo filme. Este pareceu-me a versão super-herói do Youth Without Youth. Hum. Ou do Eternamente Jovem. Ou coisa assim.

Sim, Will Smith é um bom actor – despe aqui a sua imagem de menino bonzinho para fazer de herói alcóolico e sem memória, que salva as pessoas estragando tudo em seu redor. Com a ajuda de um promotor que salva de ser passado a ferro por um comboio (atirando o carro para cima de outros – subtileza não é o seu nome do meio), John Hancock vai tentar ser amado (ohhhhhh) pela população ingrata. A meio do filme, surge um twist que fora anunciado por néons fluorescentes e campainhas, mas que no fundo parece metido a martelo para conduzir a coisa a um fim comovente (e batmánico), do que propriamente uma reviravolta wow. Porque a grande dúvida era como raio ia acabar um filme assim, sem vilão, apenas com o objectivo narrativo aparente que Hancock se teria de regenerar e se tornar um herói a sério (roupinha de licra incluída). Mas como isso era simples demais, os argumentistas pensaram – ná. Vamos surpreender as pessoas. Pois sim claro…

Acho que foi muito ousado pegar na premissa e não a transformar numa comédia. Mas até que ponto pegar numa história de superheróis marginais e transformá-la numa história de amor imortal… argh. Se fosse eu a mandar, evitava a parte do romance intemporal e jogava com a noção de amizade inter-species, isto é, entre humano normal e humano (?) com super-poderes. A ideia de perda de memória, deixem que vos diga, também é um bocado tvi demais, não? E se bem que a guerra dos sexos à velocidade da luz pela cidade é muito atraente visualmente, isso não redime a sensação do filme estar a caminhar por um caminho… sei lá.

Esteticamente, voltamos à câmara trémula que é tão moderna (mas aqui revela-se adequada, conjugada com uma fotografia “suja” que dá um outro lado interessante ao habitual glamour heróico) que daqui a uns anos ninguém poderá com ela, tal como hoje ninguém pode com os penteados e música dos filmes de acção dos anos 80. Ok, há dias…

Mais, se vejo mais alguma ressurreição final ponho uma bomba atómica em Hollywood. Não me compreendam mal – quando é o Emmerich que o faz, tem estilo, porque é nessa linha que ele faz filmes. Agora, um filme com pretensões de reinventar o conceito de filme de super-herói… Ná.

Come-se, mas pode-se bem esperar pela versão televisiva embalada. Não há necessidade de ir ao restaurante. (isto de férias torna-me a escrita esquizofrénica, peço desculpa).

Made of Honor (2008), Paul Weiland

2008-08-05T15:27:00.003Z

Chick flick alert!

Confissão a fazer: até ir confirmar ao imdb o nome do realizador, estava convencida que o título em inglês era ‘maid of honor’. Afinal o trocadilho é ainda mais profundo do que eu julgava. E que tradução teve em português? ‘Padrinho mas Pouco’. Tremo de saber qual o título brasileiro… oh não. Não é tão giro como suspeitava. ‘O melhor amigo da noiva.’ Duh. Até os brasileiros ficam desinspirados na silly season…

E sim, CLARO que fui ver o filme por causa do Patrick Dempsey. Há mais alguma razão para ver tal coisa? E depois de passar meses, semanas, fechada no quarto da residência a ver filmes noirs, a ler sobre noirs e a editar um malfadado noir (que qualquer dia tenho de pôr online), até as novelas da TVI me estavam a parecer apelativas (ladysarac, a rainha das referências pessoais que não interessam a ninguém)…

Pronto, Tom era um engatatão que descobre que a mulher da vida dele é a melhor amiga Hannah, ao sentir a falta dela no mês e meio que esta foi passar à Escócia. Entretanto, ela vem… com um duque escocês agarrado como noivo. Sim, depois de ter visto Run FatBoy Run, com Simon Pegg a fazer de Julia Roberts em Runaway Bride, eis que sou contemplada com Dempsey a fazer de Julia Roberts em O Casamento do Meu Melhor Amigo. Para quando uma nova Julia Roberts masculina em versões pouco dissimuladas de Erin Brokovitch, Notting Hill (aahahahhah adoro este filmeeeeee) e, quiçá, Pretty Woman? (atenção – quero uma parte dos lucros destas ideias, ouviram???)

Mas aqui em vez de Julia Roberts a atazanar a rival, temos o desenvolvimento da química entre Hannah e Tom, já que este, como devem ter adivinhado pelo título, é a Dama de Honor, vulgo Madrinha por terras lusas, de serviço. Sim, o momento de mostra de lingerie era completamente dispensável, mas pronto, que se há-de fazer? Tudo para ver Michelle Monaghan (lado lésbico allert!) em pouca roupa e muito … aham… charme…

Não deixam de ser divertidos os clichés que povoam o filme – a chegada do ‘salvador’ num cavalo branco (o original e o remake, muito mais divertido); todas as coisas acerca da Escócia – mau tempo, ovelhas, gaitas de foles, sotaque, kilts, mini-kilts, whisky, caçadas… tudo. E castelos, bateladas de castelos. Pubs. Costumes esquisitos de casamento. Hum…

Sim, que pode um mulherengo incorrigível contra um duque escocês? Quase nada. Se bem que consegui perceber quase no início como iria ele ganhar a rapariga no fim (o grande motivo, vá lá), mas isso sou eu, que ando há demasiado tempo a ler livros de guionismo…) E não deixa de ser querido como a personagem quer conquistar Hannah por meios lícitos… Oh, os homens são tão honestos…

E sim, o senhor que faz de pai de Tom, não estão a ver mal, não, é o senhor Sidney Pollack, o Realizador. (para testarem os vossos conhecimentos faciais de realizadores, que tal passarem pelo meu outro blog www.saricesartisticas.blogspot.com e jogarem ‘Name the Director’? ladysarac, a rainha da auto-publicidade).

Mas pronto, não é assim uma coisa por aí além. Tem uns one-liners porreiros, de vez em quando, para o género. Mas nada de wow. É razoável/bom dentro do género, mas para quem viu o da Julia Roberts, vai ter déjà-vus constantes. A banda sonora também é demasiado radiofónica para meu gosto (You Give me Something do James Morrison??? PorquÊ????)

Óptimo para uma tarde de domingo, ou para qualquer altura que queiram perceber porque é que as gajas acham piada ao Dempsey (mesmo sem roupa médica), ou as belíssimas pernas dele… ahhahahahahaha…

Run Fatboy Run (2007), David Schwimmer

2008-08-01T15:57:00.004Z

Que a presença de Simon Pegg não vos iluda: isto não é Hot Fuss. A primeira coisa que fica clara após o visionamento do filme é que a Nike é o seu principal patrocinador. A segunda é que David Schwimmer ainda tem muito que aprender como realizador. A terceira é que Pegg é muito mais divertido, apesar de tudo, do que Julia Roberts (e usa melhores sapatilhas).

Dennis Doyle, guarda, fugiu do seu casamento e, ironia das ironias, tem de voltar a correr para ele. Tem um arqui-inimigo, Whit (Hank Azaria, a voz do Moe dos Simpsons, numa de trivia fútil), que lhe tenta roubar a mais que amada, ex-noiva e mãe do seu filho, Libby. Para provar que é um homem de compromissos, e que se esforça para conseguir as coisas que realmente quer, Dennis inscreve-se na Grande Maratona de Londres, onde Whit corre todos os anos. Após um treino que joga com os sempre-eternos clichés do treino (Eye of the tiger…), ajudado pelo seu senhorio Mr. Goshdashtidar e o amigo naturalista Gordon, Dennis lá vai correr, mas uma rasteira feita por Whit lesiona-o. É claro que o nosso herói não se deixa abater e arrasta-se para a meta a uma velocidade sofrível, acompanhado por jornalistas, apoiantes e outros ocasionais. E sim, fica com a rapariga no fim. Ahhhhhh…. Que surpresa…

A história não tem tanto humor britânico como eu gostaria de ver, mas tem os seus momentos. As personagens não são de todo superficiais (Libby por exemplo), mas fazer de Whit um malvado parece-me demasiado fácil. A marca da Nike constantemente a aparecer no ecrã também irrita um bocado.

Mas pronto, aquele grande tema da perseverança a todo o custo, a beleza em podermos recuperar o amor da nossa vida com imenso esforço, a ideia peregrina que todo o desportista tem um lado negro, que não há homens perfeitos e que as mulheres têm de se contentar com o abaixo de forma e falhado que gosta delas, porque os bem-sucedidos são o demo (se bem que eu não me importava de dar umas voltinhas com o Pegg, mas o que quero dizer é que comédias românticas realizadas por homens vão dar sempre a esta parede – oh pra nós tão feios, gostem de nós… credo. Se bem que Schwimmer não vai, felizmente, ao ridículo de Appatow)

E é sempre agradável ver pessoas a correr e a suar enquanto nos empaturramos de pipocas nas cadeiras desconfortáveis da Lusomundo. Porque até temos a sensação de fazermos exercício, bolas. Se bem que sem resultados visíveis…

Sex and The City (2008), Michael Patrick King

2008-08-01T15:47:00.004Z

Ora bem, que razões pode ter uma miúda que na maior parte dos dias se considera uma pseudo-intelectual, rapariguinha que mais depressa se torna monja budista que sobe ao altar de vestido branco, que não quer ouvir falar sequer em romance e compromisso e anilhas e etc e tal, a ir ver a solteira das solteiras, Carrie Bradshaw, com quem cresceu a ver
à socapa uma das poucas séries que tinha bolinha vermelha nos anos 90, e que lhe impingiu o desejo secreto alas nunca resolvido de ser uma escritora nova-iorquina bem-sucedida, a deixar-se levar para o altar pelo Mr. Big?

Todas!!!!

Sex and the City é o responsável pela existência de gajas com a mania que são independentes (como eu), além de ter aberto o caminho a séries tão interessantes como The L Word . (e reparem naquela mesh up frustrada das duas séries que é Cashmere Mafia). E numa altura em que parece que tudo o que é série está obrigado a ter uma adaptação cinematográfica (Simpsons, X-Files…), porque não esta?

Sim, é um episódio quase quádruplo, um prólogo à série e às manias que vimos desenvolver perante os nossos olhos. Mas poderia ser outra coisa? Michael Patrick King é o típico realizador tarefeiro que se estreia nestas andanças. Sim, lá veremos Carrie casar (não como pensamos que casaria - mas não quero estragar a surpresa…), e temos a delicia de rever Samantha mais gordinha e mais… monogâmica???? Depois a irritante Miranda e a parvinha Charlotte, ambas casadas e com uma vidinha típica… Para quem não seguia a série, a explicação inicial dá um cheirinho da história e personalidades de cada uma.

Depois temos o politicamente correcto com uma actriz negra a fazer de assistente de Carrie (Jennifer Hudson), e os gays de serviço (lésbicas nem vê-las – seria demasiada a insinuação, parece-me). Com uma música inicial que deixa as fãs loucas, passando depois para um hip-hop numa de ‘eh, os anos 90 já passaram, actualizem-se!’ (um bocado detestável, mas pronto), e piadinhas escatológicas, appleísticas e até púbicas – a série também era assim, eu lembro-me bem do episódio em que Carrie deixa escapar um pum à frente de Mr. Big… - lá vamos vendo 148 minutos de filme. Sim, houve quem achasse que até ao intervalo já era demasiado filme, mas não, nunca poderia acabar assim. Com uma viagem ao México, a descoberta do amor verdadeiro, bebés, roupa e sapatos, lá caminhamos em cima de high heels até ao final previsível, que, pronto, era-o demasiado.

Sim, a moda mudou muito nos últimos anos – genial o momento do desfile do ‘pior dos anos 80’. Referência a Cinderela – pirosa. Samantha como monogâmica? Demasiado forçado. Ter mulheres quarentonas e cinquentonas a protagonizar filmes, com banhas e estrias à mostra ? Hurrayyy!!_ Pior tagline de sempre (‘Get Carried Away’)? – bastante provável. Trocadilhos com o nome do Mr. Big? Nunca suficientes.

Em suma, um filme de gajas – e para gajos que gostem de moda -, um presentinho para os fãs da série, um mega-final (?) para a trapalhada toda, a vontade renovada de ir para Nova Iorque com 4 amigas e fazer uma vida esplendorosa… ahahahahah….

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008), Steven Spielbergl

2008-07-31T14:15:00.004Z

Este é daqueles filmes que uma pessoa pensa, “bolas, tenho de ir ver isto ao cinema. Tenho a impressão remota que era grande fã quando era miúda, por isso não posso perder esta oportunidade única de ver o Harrison Ford e o seu chicote e chapéu e etc etc etc. Além disso é um filme do Spielberg sem Holocausto, pró-semitismo ou extraterrestres.”

Quer dizer, o que pode correr mal, numa fórmula tão garantida? Todos gostamos de arqueólogos, têm o seu quê de perigoso e ousadia (os dos filmes, porque os da vida real não são bem assim – não, nada de Henry Jones ou Lara Croft nesta aborrecida dimensão…) Quantos foram estudar História por causa destes filmes? (quase tantos como os que foram para advocacia por causa da Ally McBeal ou para cinema por causa do Dawson’s Creek ou para enfermagem por causa do ER.)

Desta vez a acção passa-se nos anos 50, em plena guerra fria. E em vez de nazis temos os sempre divertidos russos, que na persona fascinante de Irina Spalko(Cate Blanchett) querem o conhecimento total. Ahhhhh… Acrescente-se o regresso da kiducha Marion Ravenwood, e do seu filho billyboy Mutt Williams, e temos uma boa premissa…

Mais uma vez, tudo joga no ‘Dr. Jones is older’. A reconstituição de época está bastante bem feita (estereótipos à parte – ah ah ah, rockabillies vs. Desportistas), Cate Blanchett é a coisa mais deliciosa que nos aparece no ecrã – o sotaque é tão bom, que desconfiamos se ela não será MESMO uma espia russa… Harrison Ford está muito bem (pudera, é o único papel que sabe fazer, e ninguém o faz como ele… :D brincadeirinha). É claro que se ele tivesse recusado participar na quarta parte da trilogia (oh, Douglas Adams, meu amori), Blanchett teria decerto feito um óptimo trabalho e sido nomeada para melhor actor 2008 (perdendo para o Ledger, claro). Shia Labeouf (raio de nome)… lá está, John Hurt é John ‘Elephant’ Hurt e por isso inatacável e Sean Connery faz a sua melhor interpretação de sempre como fotografia em moldura. Estive sempre à espera que entrasse um cameo de um Rolling Stone a qualquer momento, mas não, felizmente.

Deixando de ser mazinha, as expectativas eram médio-altas e o filme não desilude (se resolvermos esquecer a sequência formigas gigantes e macacos com armas… Lucas aproveitou a folga de Spielberg, claramente, para brincar com os computadores do CGI). Temos umas referências subtis aos filmes anteriores da série, e também algumas private jokes dos dois realizadores (que já cresciam).

Música John Williams – trabalho interessante no ta, tadatá…. Ta, tadá!... ta, tadatááááá´… ta tada ta tá… Adoro quando vemos pela primeira vez a sombra de Indy a agarrar no seu chapéu, em sombra… e, claro, o grande momentos das Cobras, esses bichos nojentos que fazem o senhor arqueólogo arrepiar-se de medo (inda mais depois da revelação que acabara de ter…)

O fim fim é novelesco (no sentido tviístico da palavra), o clímax – argh – um bocado fora e surreal demais, não? Os elementos sobrenaturais dos outros filmes não me chocaram tanto (ou então era por ser miúda), mas estes… hum… não sei não. Demasiado ahahahahahhahahahahaha.

Volta, ET, estás perdoado.

Goodnight Irene (2008), Paulo Marinou-Blanco

2008-07-30T15:03:00.003Z

Devia haver uma lei que obrigasse todos os realizadores portugueses a irem passar uns meses a uma escola de cinema americana, para aprenderem o que é a linguagem cinematográfica. Não quer dizer que se tornassem comercialóides, ou a seguissem, mas como os meus profs se fartaram de encher a cabeça, ‘é preciso saber como fazer para podermos fazer ao contrário’.

Porque o ponto forte deste filme é mesmo o domínio da linguagem, e a belíssima fotografia, e, é claro, um elenco de fazer chorar as pedras da calçada de tão bom que é. Primeiro que tudo, o inglês mal disposto de Robert Pugh (lembram-se dele decerto de Master and Comander) – rabugento, deliciosamente mal-educado, ahhhhh, e com sotaque britânico. Depois, Rita Loureiro como a pintora inconstante Irene, que desaparece a meio do filme. E Nuno Lopes, o serralheiro de estranhos hábitos mas que, apesar de tudo, sabe falar inglês – viva a globalização!

E pronto, uma história de ‘vamos morrer de bem com a vida’, ainda não perfeitamente desenvolvida (é o primeiro filme do rapazinho, temos de dar um simpático desconto[1]), que acaba num anti-climax que seria genial se não nos fizesse chorar por mais. Sim, depois do desaparecimento de Irene e até que eles se resolvam a pôr-se à estrada em busca dela (mas principalmente deles), há um tempo morto que, hum, devia ser mais curto. Sim, a parte mais divertida é sem dúvida os momentos ‘D.Quixote’ nas estradas desertas de Espanha.

As sequências oníricas estão muito bem feitas, com destaque para os momentos em que Alex (a personagem de Pugh) se farta de narrar sobre ilhas paradisíacas e vai fumar para o meio do vídeo, enquanto o casal apaixonado olha para ele. E o plano inicial (que só mais tarde saberemos ser o ponto de vista subjectivo de Bruno (Nuno Lopes), é.. tão… estrangeiro… (sendo este adjectivo um elogio).

Com música de Carlos Bica e Jaroslaw Bester, uma cinematogafia belíssima de Lisboa por Miguel Sales Lopes – afinal Lisboa não é azul, é laranja – e um ritmo que, mesmo nos tempos mortos já referidos, nunca nos deixa aborrecer – Goodnight Irene parece-me uma confirmação do renascimento da ‘terceira via’ do cinema português. Vá lá, ICA, não sejas mauzinho, dá-lhe outro subsídio.

[1] Quer dizer, ele tinha já feito uma coisa chamada The Curse of Marcel Duchamp, mas é uma curta. Nela Duchamp regressa dos mortos para punir pintores pretensiosos de Nova Iorque… uhhhhh….

Shine a Light (2008), Martin Scorsese

2008-07-30T14:59:00.002Z

Após ganhar o óscar ao fim de não sei quantos anos a babar-se para cima do Robert De Niro, Marty resolveu dar uma de Godard e filmar os dinossauros aka Brigada do Reumático praticamente desconhecidos Rolling Stones. Hum. Filmes concerto, que não são em 3-D, nesta altura do campeonato, são sempre bem-vindos, mas será que acrescentam alguma coisa à curta história dos filmes-concerto???

O trailer é apelativo: ouvir Scorsese transformado em neurótico allenesco com os problemas que acarretam filmar um concerto de tal envergadura é qualquer coisa. O problema é que, os momentos de bastidores que aparecem no trailer, são os momentos de bastidores que aparecem no filme. Sim, assim tão pouco! Além das músicas propriamente ditas, também temos algumas entrevistas, sobretudo material de arquivo, que joga com a noção que eles nunca pensaram estarem a tocar com aquela idade, etcet etc. Sim, já percebemos que eles estão velhos. Sim, já percebemos que o Mick Jagger mexe-se que nem uma miúda de 15 anos. Sim, já percebemos que o Keith Richards é passado da cabeça. E???

Eu nunca perdoarei o Scorsese por não aparecer na versão final do filme (mas aparece na ost) a minha preferida dos Stones, Paint it Black. E pronto, vemos os Stones a abanarem-se em palco, a cantarem com garra (momento estranho no início quando Clinton aparece a apresentar o concerto…), com luzes que fazem as pessoas arder (sem o extra point de acontecer efectivamente algum desastre), e pronto, uns planos marados de grua, coiso e tal…

É muito raro um filme de concerto ser melhor que um concerto, e este não é. Além disso, parece que o senhor Scorsese está mais a fazer um hino à velhice e resistência dos Stones do que propriamente à sua música (que continua boa). É porreiro ouvir, convidados e tal, mas… ná… não me convence. Este é claramente um filme menor, ou de encomenda, ou um check na to-do-list. Nada mais do que isso.

Ok, é engraçado ver o baterista a suspirar e a limpar o suor da testa com as mangas, ou Richards a sair do palco numa evocação Raging Bull (o último plano, subjectivo, é muito bom), e a ignorância dos Stones nos anos 60. Mas, além disso, está lá mais alguma coisa? Não me pareceu. É bom, mas porque os Stones são bons – o filme nada faz para piorar ou melhorar a coisa.

Miss Pettigrew Lives For a Day (2008), Bharat Nalluri

2008-07-30T14:52:00.003Z

Ora muito bem - que raio está a Frances McDormand (vulgo senhora Fargo) a fazer num filme ao lado da cantadeira e cartoonesca Amy Adams???

Respondo-vos eu: a fazer mais um feel good movie que vai decerto passar na nossa televisão naquela bela época que normalmente chamamos de Natáli. Mas não entendam isto como depreciativo: fossem todos os filmes que somos obrigados a suportar enquanto comemos bolo-rei e bebemos champanhe assim, seríamos decerto pessoas mais felizes (damn you Barbie e o Lago dos Cisnes!)

Primeiro, é uma comédia de época. Isto significa roupa, roupa de época. E sapatos, e bolsas, e lingerie… ahhhhh. Depois, tem a McDormand, que não é só boa actriz quando trabalha para o marido. Está aqui deliciosa como mulher desempregada que, em busca de dinheiro, faz-se passar por uma assistente pessoal da mimada Delysia (uhhhhhhh), interpretada por uma surpreendente Amy Adams. Ora, Delysia precisa de ajuda para lidar não só com a parca arrumação da casa, mas também com os seus três namorados: o dono da casa onde vive, o filho do produtor musical que lhe poderá dar um papel num musical (assim concretizando o seu velho sonho de ser actriz) e o pobre pianista com quem cantava num clube nocturno. Portanto, Guinevere (o nome da personagem de McDormand) tem de a ajudar a nem mais nem menos do que encontrar o amor verdadeiro. Ohhhhh. Isto num só dia, enquanto aviões alemães sobrevoam Londres, e encontrando também – surpresa das surpresas – o amor verdadeiro para si própria. Ohhhhhhh.

Os diálogos são inteligentes, a fotografia deliciosa, a reconstrução histórica bastante cuidada (nota máxima para o director de guarda-roupa), música não me lembro bem (o que significa que não era assim tão má ou assim tão boa…, feita por Paul Englishby, responsável entre outras pela bso das curtas Ten Minutes Older: The Trumpet), actores estupendos na recriação de um tipo de comédia que parecia perdido nos confins do studio-system (aka screwball comedy).

Grandes momentos: principalmente a questão da máscara social, e da grande revelação final sobre Delysia – e a sua decisão arrancada a ferros, diga-se. O ‘caso’ de Guinevere é um pouco previsível, mas pronto, é uma feel-good comedy, não é um filme do Haneke.

Sim, é um filme de outros tempos, mas de vez em quando sabe tão bem…

Reservation Road (2007), Terry George

2008-07-30T14:43:00.001Z

(como tenho as críticas aqui atrasadíssimas, resolvi apenas passar a crítica que mandei para a Cabra.... sorry)

E se um desconhecido lhe atropelasse o filho?

Ethan Learner (Joaquin Phoenix) é um professor universitário feliz, até ao dia em que, ao regressar do concerto do filho com a família, uma tragédia acontece em Reservation Road. Dwight Arno (Mark Ruffalo) é um advogado que tenta a todo o custo ser um bom pai para o seu único filho, que vive com a mãe. Um peso na consciência sobre uma certa noite em Reservation Road fá-lo viver angustiado, dividido entre a confissão do seu crime e o manter contacto com o seu filho.

Podia ser um novo 21 Gramas, mas Terry George (que já nos dera Hotel Ruanda) não consegue levar o espectador a questionar-se profundamente sobre os dilemas éticos que caem sobre as duas personagens principais (Será justo que o castigo por matar alguém seja a morte? Pode-se julgar as pessoas pelos seus actos? Deve-se chorar os mortos ou reaprender a viver com os vivos?), limitando-se a fazer-nos seguir atenta e tensamente a trama à superfície (que não é de modo nenhum superficial), esperando o momento de redenção final de ambos, que deixará, apesar de tudo, um gosto amargo na boca.

Joaquin Phoenix, quase irreconhecível na figura de barbudo patriarca, encarna um colosso de angústia, frustração e tristeza que nos leva à imediata simpatia pela personagem, deixando na sombra a sua mulher Grace, interpretada por Jennifer Connelly. Já Mark Ruffalo – o ponto forte do filme - impressiona pela capacidade de emprestar profundidade à personagem, a mais complexa da história, e a que mais facilmente soaria pouco credível se o actor não estivesse à altura.

De resto, é um filme que, entre ser um drama social e um drama doméstico, escolhe sem muita certeza a segunda opção, abandonando de todo a possibilidade de ser ambos e caindo em clichés que servem apenas para tentar manipular as emoções dos espectadores, numa abordagem “Casos da Vida Real” que não resulta de todo…

Youth Without Youth (2007), Francis Ford Coppola

2008-07-20T15:06:00.002Z

Ao ver pela primeira vez (Alas! Alas! )um filme tão abalroado pela crítica, que o apelidou de incompreensível, gratuito e até – crueldade das crueldades – enferrujado, começo a pensar que tenho um problema qualquer com filmes destes. Será que sou só eu que acho o filme excelente?

Penso na fraca recepção de Apocalipse Now quando estreou, e como envelheceu graciosamente na estima dos críticos. E agrada-me pensar que Uma Segunda Juventude (estas traduções perdem a subtileza do original, mas podia ser pior…) também é isso, um filme maior fora do seu tempo, demasiado à frente para ser compreendido, demasiado complexo, demasiado simbolista e efabulatório. Mas pronto, pode não ser. Como enorme fã de devaneios cinematográficos a la Lynch e Greenaway, a minha opinião pode ser posta em causa.

Dominic Matei, interpretado por um subvalorizado Tim Roth[1], é o protagonista improvável de uma narrativa não linear – porque o tempo não existe -, um professor de Linguística em busca do conhecimento total e que, por um acaso, consegue tudo o que deseja – o conhecimento, o amor, a juventude – para depois se aperceber que terá de abdicar de tudo e enfrentar a morte, como um menino bem comportado.

O tiquetaque do relógio, a evocação constante da vanitas renascentista iniciam o filme, que por momentos parece ser um mísero remake mais realista (mas ainda com o seu quê de fantástico) de The Fountain de Aronovsky. O duplo, as rosas, Veronique que é Laura (como a de Dante) e Rupini relevam a profundidade do filme num brilhante retratamento da história de Dorian Gray.[2] E mesmo o final, que à superfície parece demasiado simplista, demasiado fácil, revela um twist que acrescenta ainda mais uma camada de complexidade a um objecto demasiado rico e que demorará anos, décadas, a ser digerido mesmo na sua parcialidade. [3]

As grandes questões da Humanidade – o mistério da natureza, a metempsicose, a juventude eterna, o conhecimento ilimitado (Gray meets Fausto) – com todos os dilemas morais que tais items levantam são também postos em confronto com o impulso irresistível do ser humano em direcção à sua própria destruição: “Só importa o conhecimento e a perfeição do ser humano”.

Em termos estéticos (ou técnicos, ou formais, ou aquelas coisas que não interessam a ninguém salvo aos idiotas como a autora que querem fazer filmes), há um reaproveitamento do vocabulário de Apocalipse Now (ambos os filmes falam da guerra, mas o que é o tema num, é a nota de rodapé noutro), com belíssimos planos nocturnos, ângulos pouco habituais e a exploração iconológica do mundo dos sonhos e pesadelos. Muito bom a ideia de usar os planos ao contrário para indicar a passagem do onirismo ao (?) realismo. A notar também o estilo vintage usado com os planos clássicos e estáticos (numa altura em que as steadies proliferam que nem pulgas no meu cão, nota-se, permita-se o termo, bué.) e a evocação desse mesmo classicismo nos créditos iniciais.

Há também a sugestão de que a morte é o início e não o fim – vejam com atenção a cena do passaporte.

E quando alguém alcançou a juventude, o conhecimento absoluto do passado e do futuro, o amor há muito perdido, que resta fazer? Pelo menos o café do costume está sempre aberto para irmos ter com os nossos amigos…

Não há muitas coisas límpidas neste filme – algumas sabem a línguas remotas e misteriosas, que mesmo sem sabermos o que significam ressoam na nossa mente primitiva, como é o caso das três rosas.[4] E agora uma frase fatela: mais que um filme, um compêndio da Humanidade. Ahhhhhhh…. Quem gostou de Inland Empire quase de certeza que vai adorar este.

Era uma vez um rei que sonhava que era uma borboleta que sonhava que era um rei que sonhava que era uma borboleta que sonhava que era um rei…

[1] Se gostam de ver o Tim Roth a fazer papéis esquisitos, recomendo fortemente um dos meus filmes preferidos, onde ele contracena com nada menos que Gary Oldman: Rosencrantz and Guildenstern are Dead, de Tom Stoppard.

[2] Um chupa para quem conseguiu atingir a genialidade das palavras e duplos sentidos utilizados.

[3] Note-se que eu não estou a elogiar o filme por ser incompreensível. Acho-o bom pelos sentidos que lhe adivinho e que me são sugeridos por ele, mesmo no seu bem estruturado caos significativo.

[4] Comparado com isto, o final do Planeta dos Macacos do Burton é facílimo de se explicar.

My Blueberry Nights (2007), Wai Kar Wong

2008-07-20T15:03:00.002Z

O senhor de Disponível para Amar volta com aquilo que foi em Cannes apelidado de ‘desastre’.

Mas quem quer saber da opinião dos franceses para alguma coisa?

A premissa com o cast mete um bocado de medo: Norah Jones e Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman (ok, nem todos são imediatamente associados a ‘elementos de desaste’…), numa história – pensamos nós – de amor e de procura, com muita tarte de mirtilo à mistura.

A banda sonora (que aproveita algum repertório da protagonista) envolve-nos como um tépido banho quente, em nuvens vaporosas de odor a pãezinhos quentes e pastéis acabados de fazer…

Não, Norah Jones não é a melhor actriz do mundo, mas safa-se muito bem. A sua cara – aliás, a maneira como o senhor Wong filma a cara dela – dão-lhe um ar exótico, oriental, mirtilado. Jude Law é Jude Law, com uma ligeira evocação da personagem Alfie (se bem que tão diferentes…) Rachel Weisz como vadia incompreendida é a minha personagem preferida, de longe. E Natalie Portman – não é Ana Bolena aqui, não senhora. Bom sotaque. Quase irreconhecível, diria eu, que tenho má memória para caras. E claro, o senhor (?) é genial.

A narrativa nem que é assim tão previsível como seria de esperar. Ok, um final fechado, mas reparem na arte de acabar o filme antes de começar a estragar a coisa!

Porque o verdadeiro protagonista do filme é, como sempre, Wong Kar-Wai. As suas cores saturadas e mornas, o seu fascínio pelas luzes da urbanidade, os planos voyeuristas de fora da montra (no início, enquanto não somos formalmente convidados a entrar na história), o jogo formal com a câmara da loja (que mostra uma das lutas mais interessantes dos últimos tempos, no cinema – quer dizer, mostrar não é a palavra certa – o que pode levar a reflexões interessantíssimas sobre a contemporaneidade e as câmaras de vigilância, etc, etc, etc), os campos-contracampos com enquadramentos pouco usuais o uso profuso do freeze, slow motion, fast-foward e filtros, sem parecer um formalista oco…

Não posso pôr as minhas mãos no fogo sobre a qualidade dos outros filmes do senhor – só vi um. Mas todos insistem que esta é uma obra menor. Se é, tenho mesmo de ver mais filmes dele.

Bem… sabem, acho que o problema não é do filme em si. (muito americano para o gosto dos fãs, tenho por aí ouvido dizer). É como as tartes, parece-me. O cheesecake acaba sempre. O bolo de chocolate está quase no fim. E ninguém pede tarte de mirtilo. Não quer dizer que ela não preste, ou que as outras sejam melhores. As pessoas é que fazem outras escolhas…

P.S. I Love You (2007), Richard LaGravenese

2008-07-20T00:55:00.004Z

Como ia passear-me à Irlanda, pareceu-me boa ideia ir ver uma adaptação de uma história originalmente passada lá (que no filme é relocalizada nos States, mas com uma viagem à ilha Esmeralda para compensar). Também me pareceu uma excelente ideia ver o Gerald Butler com sotaque irlandês (ele que é originalmente escocês), com pouca roupa e a cantar música irlandesa. Nada como um bom filme inconsequente para nos esquecermos das amarguras da vida. Ou para nos esquecermos da quantidade de trabalho que temos de fazer para a Universidade, que é quase a mesma coisa.

Além disso, tem o Gerald Butler. Leóoooooooonidas. Já tínhamos mencionado isso?

A premissa é a seguinte: após a morte do marido, Gerry, Holly descobre que ele lhe deixara dez cartas para a ajudar a voltar de novo à vida. A parte mais interessante é claramente a viagem à Irlanda, onde Holly se lembra de como o conhecera e de quão bela é a Irrrrlanda. Ahhhhhhh….

Sim, é um chick flick. Mais, a adaptação (mais ou menos livre) de um romance de Cecelia Ahern .Mas é dos bons, valha-nos isso. Primeiro, não é assim tão previsível. Não, Holly não fica com o amigo que a amava desde sempre. Nem sabemos sequer se fica com o irlandês bem parecido que era amigo do marido. Ná. Isto é mais uma historia de – ya, o amor é lindo, mas temos de aprender a viver por nós. Holly passa da mulher sem objectivos de Gerry (eles casaram-se muito novos) para uma designer de sapatos bem sucedida.

Hillary Swank fica muito bem a não fazer de boxer, realmente. É claro que o que realmente interessa é Butler de tronco nu, mas ela vai dando um ar da sua graça (no qual só reparamos quando o tronco nu de Butler não está no ecrã, sorry).

Gosto bastante de várias coisas neste filme. Primeiro, o Gerald Butler. Depois, o sotaque irlandês do Gerald Butler. A seguir, a verdura e planura da Irlanda que confirmei com os meus próprios olhos na semana seguinte. Também a Lisa Kuprow (Phoebe dos Friends) a fazer de devoradora de homens. A cena do funeral. O William (auf auf auf). E toda a música irlandesa que se passeou durante o filme, especialmente The Galway Girl. Yehhh. Grande destaque para o momento do karaoke, em que Holly tenta ser sexy e tropeça nos fios indo parar ao hospital. Muito, muito giro.

Menos bom? O Gerald Butler ter morrido logo no início e assim não termos tido a oportunidade de o ver ainda mais vezes em tronco nu, se bem que os flashbacks sejam bastante sumarentos…

Bem, por esta altura já perceberam a minha major reason para ir ver o filme… Yeahhhhh….

Mas pronto. LaGravenese, que é ainda um realizador verdinho, fez um trabalho um bocadinho mais do que simplesmente competente, mas que não chega para converter espectadores menos dispostos a ver chick flicks apenas razoáveis…

Sim, é um filme de domingo à tarde na televisão. Mas e depois? Também não tem o direito de viver??

Die Fälscher (2007), Stefan Ruzowitzky

2008-07-17T20:59:00.004Z

Os óscares de Melhor Filme Estrangeiro são possivelmente os únicos com alguma isenção, já que os produtores não têm dinheiro para engraxar os membros da Academia. Outra coisa boa desta categoria é que o filme que ganhar tem fortes possibilidades de passar na Lusomundo, ao contrário do muito bom cinema que nos passa ao lado por causa dos estúpidos dos exibidores.

Temos aqui mais uma historiazinha da Segunda Guerra Mundial, etc etc etc. Mas com o seu quê de originalidade, graças aos deuses. Porque o protagonista não é um patrão alemão que tem pena dos judeus, nem um pianista judeu a fugir dos alemães, nem a própria encarnação do demo aka Adolfo Hitler.

Nada disso. Os Falsificadores (tradução portuguesa) conta-nos a história de uma das maiores – adivinhem – falsificações da história. Os nazis decidiram conquistar o mundo inundando os países inimigos de dinheiro falso, fazendo as economias colapsar.

O nosso protagonista anti-heróico é um judeu biblicamente chamado Salomon, mas todos lhe chamam Sally – o que é um bocado abichanado, mas pronto. Ele goza de altos talentos no submundo do póker e casas de jogo em geral, fazendo uns biscates como falsificador de documentos. Entretanto, para a história poder desenvolver, ele é apanhado e levado para um campo de concentração. Ao exibir as suas fantásticas qualidades, os alemães depressa o transferem para uma coisa bastante parecida com um resort de férias no meio de um campo de concentração – com mesa de ping pong e tudo. Entretanto, um tipo chamado Adolf Burger tem lampejos revolucionários e faz tudo o que pode para sabotar a operação de dentro. Sally tem alguns problemas de consciência – prolongar a sua vida e a dos seus companheiros ou não colaborar com o inimigo – mas…

Primeiro que tudo, o aspecto técnico como sempre. O senhor Ruzowitsky utiliza a ‘velha’ técnica de steady cam, o que não é usual neste género de filmes (e temáticas). Quer dizer, este género de filmes tem sempre um estilo clássico. Mas não. Quer dizer, não é o Bourne Ultimatum, mas percebem o que quero dizer…

Depois, os actores. A fazer da minha homónima Sally temos Karl Marcovicz. A cara dele não vos é estranha? Pois. Pensem naquela série fantástica cujo título original era Komissar Rex. Exactamente…

Ele faz um papelão. Toda a ambiguidade da personagem – nem no fim percebemos se ele está a tentar salvar a pele ou tem algum tipo de consciência universal pelo que se passa à sua volta (ele sabe – há um momento no jogo de ping pong que matam um judeu mesmo do outro lado da parede de madeira…)

Também muito bom é August Diehl, como Adolf Burger. Tão bom que há momentos em que só nos apetece dar-lhe porrada. Ok, estão a ajudar os nazis, mas então e o companheirismo, ahein?

Grandes momentos – as festas no campo de concentração, esse tal momento do jogo de ping pong, a maneira como a história começa no fim, com Sally e a mala de dinheiro, mulheres à disposição até que ela descobre o código de barras no braço… Menos bom? Não me lembro. Mas também sou um pouco suspeita em filmes sobre a II Guerra Mundial…

Grande trabalho de fotografia por Benedict Neuenfels, suíço. O ar sujo de tudo, mas ao mesmo tempo não completamente cinzento… muito bom.

Pronto, e não vi os outros nomeados, mas sim, um novo clássico, como berra o IMDB.

10.000 BC (2008), Rolland Emmerich

2008-07-08T11:46:00.004Z

Emmerich, o Ed Wood dos grandes orçamentos, volta, desta vez sem destruir Nova Iorque, mas com pirâmides e extraterrestres – ele leva a definição de marca de autor demasiado literalmente, parece-me.

Não sei se foi de ir sem expectativas nenhumas, ou do último filme que tinha visto ser tão … tão… argh, o certo é que esta coisa com mamutes, pássaros estranhos e carnívoros (vide poster) e tigres dentes de sabre me tocou no fundo do meu ser. Desde o Shoot ‘em Up que não via uma coisa no cinema que me divertisse tanto.

Toda a mitologia em volta do herói, D’leh (um homem das cavernas que, evidentemente, fala inglês americano), que se torna o salvador da tribo apenas por acidente, é francamente ridícula, se contada, mas faz todo o sentido enquanto estamos no escuro a fazer barulho com a palhinha na Coca-Cola. Sim, porque ele irá salvar a sua amada, Evolet, das garras da terrível tribo nómada que a rouba a ela e aos seus amigos para trabalharem para lá do sol posto, nas pirâmides dos deuses dos céus.

Emmerich é o Spielberg da série B, só vos digo isso. O grau de xunguice que percorre todo o filme, com D’leh a proclamar a união entre todos os povos, enquanto tenta salvar a sua amada, é amigo dos animais (mesmo daqueles muito grandes e muito esfomeados), são-lhe dadas as sementes que o permitem passar ao próximo nível de civilização, e tudo isto com o seu peito masculíssimo sem um único pêlo… como é possível não gostar de algo tão descaradamente mau???

Infelizmente, parece que o tempo que perderam de volta do difícil efeito de fazer chover sobre um tigre dentes de sabre (demoravam semanas a renderizar um único minuto da cena) fê-los esquecer o render noutras partes, em que parece que mudamos drasticamente do HDV para a Super 8. (quando D’leh, já no Vale dos Reis, tenta convencer os guardas a unirem-se todos, qual movimento comunista, contra o patronato opressor). Mas que interessa, quando nas cenas seguintes nos tentam convencer que, 1. As pirâmides já estavam construídas antes mesmo de passarmos de caçadores para recolectores; 2. Foram os extraterrestres que as construíram, quer dizer, obrigaram os pobres dos humanos a construí-las. (boa jogada, o só vermos a cara do et no fim de ele estar morto. Aprende, Spielberg!)

E como não só de ets, marximo-leninista, mitologia grega e plantas que crescem se faz um filme, eis que no fim nos é dado o golden egg da série B: após matar uma das personagens mais importantes, Emmerich, descaradamente, RESSUSCITA-A!!!!! Muito bom, muito bom, muito bom!!!!

E sim, os mamutes são os novos pinguins. Sem dúvida. (numa nota mais séria, o filme avança imenso na junção de CGI com acção real, sem parecer o Quem tramou Roger Rabbit versão pc. Ou os Sims[1])

E porque mais filmes destes são precisos para alegrar o Verão,

Do Not Eat Me When I Save Your Life!

[1] Pois, estou de férias, vou poder jogar Sims até cair para o lado!!! Yehhh!!!!

Love in the Time of Cholera (2008), Mike Newell

2008-07-08T11:33:00.001Z

A dificil tarefa de adaptar um livro muito, muito bom (segundo dizem) ao ecrã nem sempre corre bem. Aliás, é raro correr bem. Mas é o Mike Newell, e Ronald Harwood, o argumentista do Pianista…

Ambos precisam de uma carga de porrada. Voluntários?

Ainda pensei que fosse da minha alergia sazonal às histórias lamechas de amor – compreendam, estarmos a limpar o cérebro da nossa platonice de há 4 anos e ir ver um filme sobre um tipo que esperou uma data de décadas… - mas não. Não não e não. É muito mais que isso.

Primeiro que tudo, o ar produção da Globo que o filme tem todo. Começando pelos malfadados créditos com florzinhas, e zoomzinhos, e musiquinha de fazer bebés… ainda pensei: hum, será que estou no meio de um pesadelo? Mas não. O pior ainda estava para vir.

Ver o Bardem com ar de cachorrinho atrás lá da Fermina é, no mínimo, assustador. (ainda demais poucos dias depois de ver No Country For Old Men…) Acrescente-se o pior trabalho de maquilhagem que alguma vez vi num filme, e estou a incluir trabalhos amadores de colegas meus. E Shakira, por amor dos deuses???? Shakira como banda sonora???? Em que raio estavas a pensar, Newell??? (atenção, não estou a desdenhar da qualidade musical da cantora, que tem, na minha opinião, uma voz fantástica. Estou a desdenhar do ridículo e ‘golpe-comercialóide-frustrado’ que é pôr canções dela como única banda sonora…)

Atenção, há coisinhas boas. Tipo, o excelente livro que se consegue, apesar de tudo, perceber atrás de tanta falta de jeito/tacto. Parece que pensaram: bem, o livro nunca vai ser suficientemente bem adaptado para o cinema, por isso deixem-nos ganhar uns trocos enquanto fazemos o mínimo possível. Sinceramente. É que isto já parece um golpe das livrarias, tipo veja o filme. Compre o livro, ou então, numa vertente ainda mais assustadora, as Cliff Notes, agora em formato cinematográfico.

Bem, depois deste relembrar de todos os pensamentos que me atolaram durante o intervalo, vamos lá ver… Bardem é um excelente actor, e está aqui num registo fantástico (pena a péssima maquilhagem quando ele envelhece… onde é que tinham a cabeça, onde???) Giovanna Mezzogiorno (aka Fermina) tem um sei que de beleza estranha, foi bem escolhida para a personagem, embora até doa a diferença abismal quando tem de partilhar o ecrã com Bardem (não é que ela seja má de todo, ele é que é bom demais). Depois, Benjamin Bratt como aquele idiota do Dr. Juvenal (sim, ódio às personagens, ódio às personagens é que é bom) – adoro quando ele morre, principalmente da maneira que morre.

Outra coisa fantástica é o chamado ‘body count’ de Florentino (Bardem). (fantástico, excelente, etc etc… vê-se bem que desliguei o cérebro para as férias). Principalmente a primeira vez em que ele descobre as alegrias do sexo no navio… muito, muito bom. A cara de totó, a máquina sexual… fantástico. E a sua grande frase final, quando finalmente consegue Firmina – ‘eu mantive-me virgem para ti’ – geeeenial. Sim, essa genialidade parte do Marquéz e não dos imbecis que fizeram este filme, mas pelo menos deixaram estas coisas para nós podermos apreciar – podiam tê-las cortado impiedosamente. E, alguém tem de dizê-lo, grandes cenas de sexo. Se calhar foi pela atenção a elas que se esqueceram que o resto do filme também merecia um bocadinho mais de trabalho...

Sinto-me estúpida por estar a tentar lembrar-me de coisas que vi há muito, muito tempo atrás… Não me lembro de pormenores inteligentes nenhuns… Mas tenho de keep up até aos filmes recentes – é a minha OBRIGAÇÃO MORAL VIRTUAL. E isso tem muito peso. Ou não.

Persepolis (2007), Vincent Parounnaud & Marjane Satrapi

2008-06-17T15:07:00.002Z

Há filmes que nos conseguem pôr de bem com a vida. Este é um deles. (reparem na clichezice desta primeira linha. Vêem, eu sempre disse que demasiados filmes noir nos derretiam o cérebro…)

Na era da animação por computador, após a Pixar ter provado que as personagens virtuais podem ter o carisma de um Timon & Pumba ou de um Jack Sparrow (a referência à Disney é tudo menos inocente…), eis que surge uma animação 2D, tradicional, iraniana e, deuses!, na maioria do tempo na gama do preto e branco. E não é uma história para criancinhas…

Marjane Satrapi conta a sua biografia de uma maneira mais do que original, adaptando a sua bd ao grande ecrã. Desde os seus tempos como criança inocente fanática de Bruce Lee com pretensões a profeta, até uma pequena fase comunista, a revolução iraniana, as burcas, o ser uma rebelde numa ditadura (Iron Maiden! Yehhh!), ir para a velha Europa estudar, apaixonar-se, desapaixonar-se, ser niilista, existencialista e os outros –ista quase todos, querer morrer por amor, voltar – mas haverá ainda sitio pra voltar?)

A primeira grande qualidade do filme é que nunca, mas nunca, entra numa de dramatismo idiota (aka música de John Lennon e WTC a cair), ou mesmo em decidir quem tem razão, quem não tem, ou mostrar como o Irão é mau, etcec. Não temos nada disso. Temos sim uma maturation story muito bem humorada, que não esquece contudo o contexto à sua volta. Sim, é de Marjane que se trata, mas também é o Irão que lá está.

A segunda grande qualidade do filme (tão bom ver um filme em francês que de francês não tem nada, no sentido pejorativo da coisa) é que aprendemos imenso sobre que raio se passou no Irão nos últimos tempos. Pedaços negros sobre as manápulas dos EUA na coisa incluídos (como é que isto foi nomeado? A Academia consegue ser mais anti-americana do que nós ou escapou-me alguma coisa?). Ficamos com um contexto histórico upa upa e nem nos apercebemos. Se todas as aulas fossem assim…

Terceiro: A animação! O traço! O preto, branco e cinzento! O abstraccionismo ou simbolismo ou como lhe queiram chamar!

Quarto. (fazer assim resulta melhor do que: depois, depois, e depois, também,…) Banda sonora. Música iraniana – aliás, música com laivos de iraniana – e a boa música ocidental (sim, é discutível, depende dos gostos… calem-se). Nunca o ‘The Eye of The Tiger’ teve tanto estilo.

Tanta, tanta coisa boa…. Grande cena para mim: toda a sequência em que Marjane se apaixona por aquele pretenso futuro escritor, um anjo na terra, em que vemos o carro a voar, a natureza lindíssima, et cetc. E depois de ela descobrir a traição – bem, o rapazinho até os dentes tem de fora. Claro, a sequência em que Marjane resolve sair da depressão e ir para a Universidade. (tam tam tam tam tam tam tam tam tam tam!!!!!) – sim, é uma cena muito girl power, porque é que acham que eu adorei?

Coisas más? Não haver mais. Buáááá.

Uma rapariga perdida entre culturas… idealismos, pragmantismos… aaaaahhhhh

No fundo, a coisa ideal para percebermos que os seres lá do Médio Oriente são tão pessoas como nós. Ai sim? Sim. Até ouvem Iron Maiden e tudo…

The Other Boleyn Girl (2008), Justin Chadwick

2008-06-07T15:13:00.004Z

Tanto, tanto tempo há espera deste filme... arrrrghhh. Um filme sobre a época Tudor não realizador pelo Kapur... sim, sim, sim!!!

Ou não?

A verdade é que é muito complicado agadar-me nestas coisas, eu, que consumo tudo o que cheira remotamente a ruffs e collants. E quando dão na televisão séries do gabarito de Elizabeth com Helen Mirren (que além da I intrepretou a II, a mulher corre as Bessies todas) ou mesmo Os Tudor (que só vi depois, e não sei se não tem um toque modernaço demais…), fazer um filme sobre a coisa é arriscado…

A história centra-se no namorico de Henry VIII com Mary e depois Ann Boleyn, respectivamente interpretados por Eric Bana, Scarlett Johansonn e Natalie Portman. Ora, o que é novidade em termos de representação histórica, deixem-me já informar-vos, é: Henry VIII como alguém humano; Mary Boleyn sem ser uma putinha. De resto, segue as mesmas linhas gerais de milhares e milhares de recriações anteriores.

Como cinema (falando de termos técnicos, peço desculpa a quem não gosta destas partes, passe à frente e pense que podia ser pior, já que ando a aprender a analizar música erudita contemporânea e que bom que era pôr aqui partituras e falar de clusters e trítonos e serialismo integral e ninguém me acusaria de ser uma tecnicista… sim, o cinema é uma técnica e uma arte, não é só a história que interessa…[1]), é fraco, muito fraquinho – se nas primeiras vezes pensamos que é muito original fazer a transição de cena, ou fade, através de um travelling horizontal para as sombras e saindo das sombras, à décima quarta vez já é saturante. E não há muita exploração de widescreen, nem de imponência visual, nem mostrar os belíssimos figurinos (óptimo trabalho de ?) em todo o seu esplendor de cor – sim, um filme interessantíssimo a nível cromático, como j+a deixava adivinhar pelo poster. Isto tudo para dizer que o que o senhor Kapur tem a mais, aqui há de menos, e sentimos a falta da qualidade épica da coisa (se bem que é uma historieca de índole íntima, passada por baixo de lençóis e atrás de paredes secretas, mas bolas, é o Henry VIII, vamos lá reforçar essas cavalgadas…

Mas palmas para o sentido pouco pudico do filme (não, não estou a ser irónica) – nunca num filme desta época ouvi falar tanto de menstruação, e partos, e gosma, e etc etc etc. Fluidos, para resumir. (entretanto vi The Baby of Mâcon do Greenaway que põe este a um canto e quero prestar-lhe vassalagem) Realista, visceral, um bom retrato das crendices da época (a parte em que Ann é presa num quarto com grades diz muito da mentalidade tudor…)

O ponto fortíssimo do filme é Portman, no papel da bruxa de seis dedos, aka Ann Boleyn, que mostra um tal rol de manipulações, ambição e sei lá mais quê que é, até à data (e desculpa-me Helena Bonham Carter) a melhor Ana Bolena que já vi. Já Eric Bana, poderosíssimo e frágil nos seus momentos com Mary, mas não me convence como o rei das seis mulheres. E por fim Scarlett, não sei se foi por tê-la visto antes a fazer de Mary Poppins, agora como Mary Boleyn, demasiado type casting, demasiado sonsinha e boazinha para ser verdade. Ou então sou eu, que prefiro ver uma irmãzinha mais velha menos perfeitinha, e boa mãe, e boa esposa, etc etc.

Banda sonora adequada, por Paul Cantelon. Isto é, nada de arrebatador, mas suficientemente evocativa.

Grandes momentos: sem dúvida, quando Ann está prestes a ser decapitada e acredita (porque Henry assim o tinha dito a Mary) que iria ser perdoada. Ups. (não considero isto contar o final porque: 1. Não é o final; 2: qualquer pessoa que saiba o mínimo de história inglesa sabe que Ann Boleyn foi decapitada. Emocionante o momento das criancinhas a correrem no fim, à maneira de prólogo, em que vemos a gloriosa Regina Elizabeth I a correr por entre o trigo, como a sua mãe e tios tinham feito antes dela. Ah, o futuro de Inglaterra, a Golden Age, que profético…

Não se perde nada em ver, se for só para ver um telefilme de época… há coisas piores. Tipo Alvin e os Esquilos. Ou, credo, Haverá Sangue protagonizado por Alvin o Esquilo. O Musical.[2]

[1] Este enorme desabafo tem uma razão específica que não me apetece explicar. Fica como reflexão generalista casual.
[2] Claramente um dos sinais do Apocalipse, referido a seguir ao soar da Quarta Trombeta.. Espero que os malucos dos estúdios (penso sobretudo nos malfadados do Scary Movie ) não saibam português suficiente, senão estamos inquietados e não quero ter esse peso na consciência.

The Nanny Diaries (2007), Shari Springman Berman & Robert Pulcini

2008-06-07T15:08:00.001Z

Depois da alta qualidade de filmes dos óscares (ou nem por isso), nada como um bom filme inconsequente para voltar ao cinema real americano(aquele que é feito para entreter e não para arrecadar estatuetas douradas). E como começa a ser difícil encontrar alguma coisa que eu não tenha visto ou que queira ver nos cinemas, resolvi dar uma oportunidade a uma maturation story, já que este ano vou acabar o curso e, bem, não sei o que vai ser de mim.

Scarlett Johanson interpreta uma jovem morena (!) que, no fim do seu major em Economia e minor em Antropologia, na entrevista que decidirá o seu futuro numa das empresas mais conceituadas de Nova Iorque, fica com cold feet e deita tudo a perder.

Passeando no parque, olhando para as velhotas, é confundida com uma nanny e contratada como tal pela família X. A jovem vê nisto um presente caído dos céus: pode sair de casa fingindo perante a mãe (uma enfermeira que lutara para lhe dar uma boa educação) que tinha sido aceite na empresa, arranja dinheiro, vai pensando o que quer fazer da vida e aproveita para fazer um estudo antropológico da fauna da zona rica de Nova Iorque.

Dispenso-me de contar as peripécias, mais o romance com um bonzão de Harvard do andar de cima, e moral final que afinal todos devemos seguir as nossas verdadeiras vocações, mesmo que por isso fiquemos desempregados para todo o sempre e mais além.

Johanson a interpretar o papel de uma jovenzinha angustiada... nada mau. Se bem que nada que se compare ao alto nível de uma Rapariga com Brinco de Pérola ou o allenesco nefasto de Match Point... Muito boa a cena que aparece parcialmente no trailler, ela a confrontar um ursinho de peluche com câmara incorporada. Também muito boas as cenas no museu de antropologia, em que ao lado das figuras de cera das tribos – representando os costumes das várias sociedades – aparecem também os nova-iorquinos – lésbicas, executivas, estudantes, tias, e nannies.

There Will Be Blood (2007), P.T. Anderson

2008-03-31T12:29:00.002Z

Deixem-me exprimir o meu sentimento mais profundo por este filme com três pequenas letras:

W-T-F?

E sim, eu sei que toda a gente adorou, que o PT Anderson é o novo Welles com um petrolífero Citizen Kane, e Daniel Day-lewis é o Actor com Maiúscula.

Destas afirmações lamento só concordar com a última.

Este vai ser daqueles filmes que tenho de ver daqui a uns anos, outra vez, para ver se percebo se o problema é meu, ou da maioria das pessoas que puseram o filme num altar.

Primeiro, deixem-me confessar uma coisa – há coisas do filme que não vi, porque o aborrecimento que tomara conta de mim fez-me adormecer na segunda parte durante largos minutos, só acordando quando o Day-Lewis matava alguém ou bufava (ou seja, frequentemente).

Dito isto, as linhas seguintes são isentas de qualquer, bem, isenção crítica, dando apenas largas à minha subjectividade, e tão fortemente venenosas quanto conseguir, para contrapor às críticas adocicadas de quase toda a gente. E sim, incomoda-me partilhar alguns aspectos da minha opinião com alguns críticos portugueses, mas pronto, vamos lá descascar a coisa.

Primeira dentada de veneno: o PT Anderson passou a rodagem toda na casa de banho, com alguma crise de estômago? Parece. Porque tendo na mente Punch-Drunk Love, Magnólia e Boogie Nights (que vi há pouco tempo, para ver se tinha alguma alergia especifica ao senhor, mas não), onde é que ele está em There Will Be Blood (que carinhosamente trato por There Will Be Blharch), ahein? Onde está, onde está?

Segunda medusa flamejante? Julgo que a ausência de PT Anderson se deve ao bufar constante de Daniel Day-Lewis. Eu também tinha medo de estar ao pé de alguém tão assustador, com medo de apanhar raiva. O que acontece, na minha opinião, é que o actor enche de tal modo o ecrã que não deixa espaço para absolutamente mais nada. Nicles. Também acho que é por isso que tanta gente gostou do filme – pela excelente interpretação de Day-Lewis, apenas levemente riscada por um Paul Dano bastante prometedor – mas pensem comigo: além destes dois, o que há de bom no filme? Pois. O Eterno Nada.

História? Ai e tal, a ambição desenfreada, o petróleo, etc etc. Booooriiing.

Banda sonora? Ui, pizzicattos saltitantes, medo.

Fotografia, figurinos, plasticidade da imagem? Aspecto tão oleoso quanto o próprio petróleo. O que não é necessariamente mau.

Grandes frases: I drink your milkshake. ????????????????????????????? And the winner for the stupidest line goes to… Além que – ok, talvez tenha perdido essa parte enquanto sonhava com filmes melhores – o que é que isso tem a ver com seja o que for?

Apesar de tudo, lembro-me de um grande momento: a cena de conversão de Daniel Plainview, onde o bufar do protagonista até que cai bem. Parece mais um exorcismo, mas pronto. Na América dizem que a religião é assim, quem sou eu para desmentir?

Repito que isto é a minha opinião extremamente parcial, e que possivelmente há qualquer coisa no meu inconsciente ou vidas passadas que me faz odiar o filme,

Lembro-me agora: Plainview é um bom adjectivo para o filme. Mua-ah-ah.

PP. Mas não fui a única a topar com o vazio por detrás de Day-Lewis:

http://www.tonymedley.com/2007/There_Will_Be_Blood.htm

http://www.threemoviebuffs.com/review.php?movieID=therewillbeblood

http://www.sfgate.com/cgi-bin/article.cgi?f=/c/a/2008/01/04/DDVCU8QKP.DTL&type=movies

Mas pensem assim - um filme que desperta tanta raiva (dos detractores e dos fiéis), tem alguma coisa de facto. E adormecer uma tipa insone que normalmente só adormece depois das 4 da manhã, depois de 5 cafés ao longo do dia... é dose.

Juno (2007), Jason Reitman

2008-03-28T15:56:00.001Z

O indie (não confundir com o ancião Indy) nomeado do ano. Porque fica bem fingir que o cinema independente também pode ganhar homenzinhos dourados. Pois sim claro.

Há duas coisas grandiosas neste filme – a primeira, o guião de Diablo Cody; a segunda, a almighty Ellen Page, a actriz mais refrescante (e menos artificial) dos últimos tempos.

Juno é uma adolescente que, num momento de tédio, resolve experimentar o maravilhoso mundo do sexo com o melhor amigo, e, ups, fica grávida. Inicialmente decidida a enviar o pequeno contratempo para o Limbo (na altura em que o filme saiu ainda existia, acho eu), Juno tem uma revelação súbita na clínica de abortos (bastante creepy, por acaso, com uma adolescente horripilante no guichet de atendimento) e resolve ter o bebé. É aqui que os movimentos pró-vida fazem hip, hip, hurra – porque Juno é tão hip e não aborta – mas convinha lembrar a esses senhores que se a miúda tem feito o que é provável que tivesse feito, fosse ela uma miúda real (não conheço ninguém de 16 anos com tanta atitude e auto-confiança), não havia filme. Duh.

Ellen Page é, provavelmente, a única actriz que faz sentido para uma personagem como Juno. Quer dizer, conseguem imaginar mais alguém naquele papel? Eu não. E, graças aos deuses, a profundidade não se esgota na personagem principal. Michael Cera, que interpreta o melhor amigo de Juno/pai biológico da criança é tão totó que só dá vontade de lhe atirar o alguidar de pipocas (não, não me enganei, alguidar mesmo) à cara. Acorda para a vida miúdo! É assim tão difícil de perceber que ela também gosta de ti, seu idiota! Argh, projectos de homem ingénuos… (sim, porque o grande momento romântico deste senhor é quando o vemos cheirar as cuecas de Juno, sozinho na cama). Além do miúdo corredor (aqueles rapazes que se passeiam pelo filme como leitmotiv são bem engraçados), temos a madrasta (Allison Janney), o pai de Juno (JK Simmons), e o casal perfeito (ou nem tanto) Jason Bateman e Jennifer Garner, que tem o relógio biológico a gritar horas.

E sim, Jason Reitman deixa o filme fluir com os one-liners incisivos de Cody e com o carisma de Page, e por isso tem um bom filme, sem dramatismos, tearjackers, etc etc. Não é um teen flick. Graças aos deuses.

A banda sonora, com temas dos Kinks, Mott the Hoople, Belle & Sebastian e até Velvet Underground, é uma excelente antologia para ouvir, seja antes de ver o filme, depois ou em vez de (ná, vão ver o filme, seus idiotas). As faixas de Kimya Dawson servem que nem uma luva a este filme, com a sua voz infantil e tibutear adolescente (se bem que Juno não parece ter papas na língua).

Melhores momentos? Começam logo na deliciosa animação dos créditos iniciais, passando para o momento em que Juno anuncia aos pais o seu desvaire, as cenas em casa dos pais adoptivos, e – por momentos receei que a coisa descaísse de nível nos momentos com Bateman e Page, sei lá, vi ali um cheirinho de romance inter gerações mas felizmente foi só um cheirinho, mesmo – o grand finale entre Juno e o seu amigo. Tcharam.

Um feel good movie sem vergonha de o ser, com o bónus de bons actores, excelente argumento e, bem, ser indie, e o indie, como toda a gente sabe, is the new black.

Lust, Caution (2007), Ang Lee

2008-03-24T14:53:00.000Z

Depois de Brokeback Mountain, que entusiasmou toda a gente menos eu (tenho algum problema, quase de certeza), Lee vem filmar pela primeira vez o banal amor heterossexual.

E antes mesmo de falar do objecto em si, deixem-me divagar um bocado sobre a maneira como Lee entende o sexo, mais conhecido pelo pseudónimo de amor. Para Lee – convém avisar que este é o segundo filme dele que vejo, por isso posso estar a meter-me em águas profundas sem salva-vidas, e entender uma tendência recente como marca de autor, mas pronto, vamos lá saltar pela borda – o sexo/amor é sempre uma relação de dominação, de dono e dominado, algo aparentemente calmo à superfície mas que borbulha qual lava incandescente nos momentos mais inesperados. Já no filme anterior, não havia dúvidas de quem era o ‘homem’ da tenda (curiosamente o mais feminino na sua sensibilidade, se compreendem o que quero dizer). Agora, após estas cenas nada românticas de sexo – pornografia hardcore, sem a parte pornográfica propriamente dita – a temática da dominação parece-me evidente: primeiro, o senhor Yee (Tony Leung Chiu Wai), depois a espia Wong Chia Chi (a estreante Wei Tang) que o conquista pelo amor (ou seja lá o que for) e passa de dominada a dominadora. Bem, senhor Lee, a sua visão do amor consegue ser ainda mais negra que a minha, credo…

Não posso deixar de notar a qualidade composicional de Lee, principalmente nas muito faladas cenas de majhong, onde o vazio existencial das personagens grita silenciosamente. Os diálogos, aliás, o uso da conversação como trilha sonora (quero dizer, barulho de fundo) é igualmente notável. O tratamento de cor é delicioso – como aliás em quase todos os filmes de realizadores orientais.

A história começa in media res (quase no fim, para ser específica), e na primeira meia hora torna-se complicado perceber o que raio se está a passar – se forem como eu, com uma péssima memória para caras, ainda vai ser pior. Mas enfim voltamos ao inicio, e a partir daí tudo se segue como mandam as regras aborrecidas da continuidade temporal. É de realçar o excelente trabalho de representação da actriz principal, que consegue ser credível quer como rapariga inocente do grupo de teatro quer como Mata Hari implacável, que comete o único erro de se apaixonar (ohhhhhhhhh) pela sua suposta vítima, um implacável general chinês. Sim, porque até o pequeno Hitler de olhos em bico merece um pouco de amori. A nossa empatia pela personagem masculina até é fácil, já que, tirando o sexo à bruta com a protagonista – dentadinhas e chicotadas de paixão, se me faço entender – não o vemos a maltratar ninguém. Isto até ao fim, que me impeço de estragar, ainda mais porque considero que é o grande momento do filme (e não estou a ser irónica). E sim, a última imagem é mais uma vez um signo de ausência, este um pouco mais doloroso ainda porque… ah, não posso contar. Por isso, até que nos identificamos com a pobre rapariga, já que todas gostamos de homens poderosos de uniforme (ou não).

Grandes momentos: os jogos de majhong (que lá é jogado tipo póquer, não em frente a um computador a pingar baba), o momento quase final, em que a protagonista fica presa no meio do transito e subitamente não sabemos que raio vai acontecer, ou aconteceu; o treino sexual com o amigalhaço anti-regime (não aquele que gosta dela, outro, só para verem a demência dos revolucionários), e uma imagem plástica que dá vontade de trincar. Tem o seu quê de filme noir oriental (ou então é por eu andar com os noirs pelos cabelos); a femme fatale, a traição, as pistolas, os cigarros, os pastéis de nata (sim, eu vi pastéis de nata, não estava a sonhar!), etc etc etc.

Maus momentos? Bem, é um bom filme, mas não arrebata. E eu preciso de ser arrebatada, arrebanhada, sentir a lagrimazinha ao canto do olho. Sim, é um filme frio. Mas não deixa de ser interessante de se ver.

The Assassination of Jesse James By The Coward Robert Ford (2007), Andrew Dominik

2008-03-19T18:40:00.002Z

Um filme tão longo como o seu título. Ouch. Três horas de um pós-western compassado, um ensaio sobre o que Harold Bloom chamou, num famoso livro, a “ansiedade da influência”.

Comecemos pela superfície. É de longe um dos mais belos filmes do ano, com uma fotografia que tenta imitar as fotografias da época, em sépia tantas vezes desfocado nos cantos, como que se a referência à fotografia, uma esperança de (falsa) imortalidade, mais contribuísse para a construção simbólica da trama reflexiva do filme. Porque a nomeação “ensaio” nas linhas anteriores não foi acidental. Um movie é entretenimento. Aqui, estamos perante uma opus.

Mas continuando no reino das aparências, a referência imediata ao peculiar estilo de realização do estreante Andrew Dominik é, sem sombra de dúvidas, o mercurial Terence Malick, não nos seus aspectos dogmáticos (a filmagem em luz natural, o improviso), mas no que é, a meu ver, mais importante – a poesis cinematográfica, mais do que a construção épica, o (re)fazer de uma mitologia. Porque os planos são longos, arrastados, fazendo visceral a percepção do tempo, mas nunca logrando tentar os limites de resistência do espectador (uma qualidade rara, diga-se, em filmes do género) – a beleza sublima-se, nunca tocando a exaustão visual.

A música tem uma notoriedade de apontamento, pontuando levemente a imagem, nunca a violando – um trabalho notável e sensível por Nick Cave, que aparece trovando a história de que o título nos fala, num bar onde o cobarde Robert Ford medita amargamente sobre os reveses da fama. Ford esse interpretado por um underacting Casey Affleck, que se revela o admirador assassino necessário para um flamejante suicidário Brad Pitt, no papel de Jesse O Homem, mais que Jesse a Lenda. A escolha dos actores, aventuro-me a sugerir, passa por muito mais que as competências provadas de cada um – é quase que um prolongamento do ego. Casey viveu muitos anos à sombra do irmão Ben; Pitt convive com a Fama desde os dias em que o seu cabelo lhe ultrapassava os ombros.

O engano fulcral do filme, a sua armadilha e, creio eu, o porquê da extensão e definitividade narrativa do título cinge-se simplesmente a algo que passou despercebido a muitos: a personagem principal pode ser Jesse James, mas é a personagem de Ford que guia a narrativa, convertendo-se no principal motor dos acontecimentos. Assim, o centro temático do filme não é o assassinato e morte de James – algo que todos sabemos que vai acontecer e resolvido sem esplendor, dando a impressão mais de um suicídio voluntário do que um homicídio – mas as motivações e dúvidas de Ford, que julga conseguir, à semelhança de algumas tribos que comem o cérebro dos inimigos, adquirir a força do seu ídolo destruindo-o. Como que no antigo teatro grego, o que interessa não é o acontecimento em si – Édipo que mata o pai e dorme com a mãe – mas que reflexão se pode daí retirar.

Por isso continua o filme depois do desaparecimento de J. James – mesmo morto, assombra Ford. A repetição constante do crime no teatro, para agradar às pessoas – metáfora do palco mediático dos nossos dias? – imprime uma dúvida perniciosa em Ford, que se apercebe que, longe de eliminar o ídolo, elevou-o a deus. E quem mata os deuses não se torna igual a eles, muito pelo contrário. Ninguém tira fotos ao corpo morto de Ford, ninguém se importa que ele tenha morrido de todo – ninguém sabe quem ele é, ninguém colecciona as suas histórias e as guarda religiosamente debaixo da cama, ninguém.

Ford julgava que tinha de matar Jesse, o seu ídolo, para poder ser alguém, para sair da sombra, para o ultrapassar em audácia. O cobarde Robert Ford não falhou o tiro, mas falhou o acto.

(para um filme sério, uma (pseudo)-crítica séria. para desenjoar um bocadinho, também).

Asterix aux jeux Olimpiques (2008), Frédéric Forestier e Thomas Langmann

2008-03-12T15:55:00.003Z

Eu sei que já escrevi, uma vez pelo menos, que achava idiota (idiota talvez seja uma palavra fraca demais para o meu sentimento) que se criticassem filmes com base em coisas anteriores do realizador – julgo que foi com o último Allen que me saiu qualquer coisa do género. Ora bolas, lá vou eu contradizer-me. Ou não exactamente.

A verdade é que no meu top pessoal de comédias, vem Asterix & Obélix Missão Cleópatra. Pronto, crucifiquem-me. Um guilty pleasure, e depois? É que o filme é tão genial do início ao fim…e é daqueles em que passamos meses e meses a citar piadinhas do filme… Onde está o mémé? Onde está o mémé? (além daquele momento clichetóide da música romântica quando Asteríx(co) vê Beijofibis, com o vento nos cabelos e coiso e tal. Gosto tanto da cena que basta o vento bater-me nos cabelos para ficar loucamente apaixonada – por mim própria, sempre).

Mas não é desse filme que estamos a falar aqui. É do seu sucessor, Asterix nos Jogos Olímpicos. Ora, a primeira vez que vi o teaser, achei piada. À segunda e terceira vez, começou a irritar. Mas mesmo assim desloquei-me ao centro comercial do inferno para ver o filme (noblesse e Cabra oblige).

Hum…

O aborrecido é que um filme com tantas potencialidades só tenha razado o razoável quase bom nos dez minutos finais (e mesmo assim perdendo com a repetição excessiva da mesma piadinha) e na corrida de quadrigas – Germany always the best. Mas… argh. Uma comédia presume… mas isto sou eu a dar palpites… que se provoquem risos na audiência? Sorrisos pelo menos? Ou o filme é mesmo demasiado francês (não acredito – a comédia francesa pode não ser tão excitante e aventurosamente deslavada como a britânica, mas é interessante q.b. – vide Grrrrrrr!), ou ficou demasiado fiel ao livro (espero bem que não, quer dizer, um livro tão insosso?), ou então o Missão Cleópatra foi um feliz acidente e este último filme resolveu voltar ao nível fraquito do primeiro – talvez conseguindo ainda o superar em desinteresse?

Depois… cadê os grandes momentos musicais? Cadê o ir além das personagens? Ah ah, um romano a ser sovado, ah ah, Obélix e Asterix a zangarem-se, ah ah.

?

E aquele Brutus (interpretado por Benoit Poelvoorde), ou é muito bom actor e consegue irritar-nos como personagem, ou é mau actor e irrita-nos com a sua irritante representação. César sim, César é muito, muito bom- menos não se esperava de Alain Delon. O pequeno tique dos lábios define na perfeição toda uma personalidade complexa. Ah, actores do Método, como gostamos de vocês…

Acho que tudo se resume a eu dizer que o momento alto do filme é quando aparece no ecrã uma das personagens do Missão Cleópatra. Quer dizer, quando os próprios realizadores reconhecem a sua impotência e resolvem servir-se da genialidade do anterior(volta, Alain Chabat, temos saudades) para arrancar risos ao público, está tudo dito, não?

Sweeney Todd (2007), Tim Burton

2008-03-03T12:59:00.003Z

Genial.

(end of critic)

Pretende-se alguma seriedade na página bloguística que é a nossa, mas como querem uma opinião semi-isenta sobre um filme com o meu realizador (vivo) e actor (vivíssimo) preferidos? Que querem que eu diga mais? Acrescente-se: o meu realizador preferido num slasher musical – que mais podia eu querer? Melhor melhor só a ideia de ver a Sofia Coppola a fazer um filme sobre a Dama Negra dos Sonetos.

Bem, comecemos por falar do Tim Burton. O sr. Burton é um génio. Ponto final. Ele é dos poucos realizadores actuais que tem um universo próprio, muito marcado, e assinaturas constantes que não se tornam repetitivas ou enjoativas (pelo menos para os fanáticos como eu). Continuando, ele é um génio. Ponto final. Se havia pessoa capaz de transformar uma história sobre um barbeiro sanguinário num filme grandioso era ele. Musical? No problem.

Importa aqui aniquilar todos os que dizem que este é um Burton menor. É incrível como dizem isto sempre que o senhor Burton lança um filme. Na minha parca inteligência, isso chama-se evolução. E o senhor Burton tem evoluído muito desde o Eduardo Mãos de Tesoura. Experimentado, jogado com o seu universo pessoal, expandindo-o, fazendo coisas que não estamos à espera. Por exemplo, musicais.

O senhor Burton, segundo consta, não gosta lá muito de musicais. Mas o ter visto este meteu-lhe bichinhos na cabeça. E nós até percebemos porquê. Não consigo imaginar outro realizador a fazer este filme. Nem consigo imaginar outro protagonista além de Depp. E demos graças que o menino sabe mesmo, mesmo cantar. Um milímetro abaixo do seu estilo de representação (de construção externa, li não sei onde, de fora para dentro), mas mesmo assim, ficámos com vontade de ouvir mais. Neste irmão mau de Eduardo manápulas cortantes, as facas/navalhas são externas, o esgar é tudo menos inocente, o olhar é opaco, a pele cinzenta. Yeh.

Para mim, o tema do filme é a vingança. Dizer que é sobre a obsessão não me parece correcto. Porque a obsessão é com a vingança sobre o juiz (e alastra sobre toda a população de Londres), em Todd, mas Pirelli também se quer vingar de Todd, e Mrs. Lovett vinga-se de Laura, e o miúdo vinga-se de Todd. Etc etc etc.

Não é um musical vulgar. Primeiro, a história. Depois, a fotografia – associamos sempre o musical a uma maior paleta de cores, e aqui isso só nos é dado na sequência de sonho de Mrs. Lovett, By the Sea (algo que sai deliciosamente de tudo o que tínhamos visto até aí) – os devaneios de Todd são sempre cinzentões com splashes de vermelho ocasionais. E o trabalho de câmara, meus caros, genial. (sim, estou a repetir propositadamente o adjectivo). No fundo, é filmado como um filme ‘normal’, em que as personagens por acaso não param de cantar. O plano inicial burtonesco? Temos direito a dois: aos créditos iniciais, em animação, e a um accellerando nas ruas de Londres, do cais até Fleet Street, quando Todd volta à sua antiga casa.

Sobre a fotografia – a cargo do senhor – fantástico. É como um filme a preto e branco (meio esverdeado, às vezes, qual foto antiga colorida à mão – com sangue vermelhaço que parece saído de um slasher do nessa altura novato Peter Jackson, que embora minimizando o efeito gore da coisa (porque não é isso que interessa), resulta très jolie, bonito, estilizado, simbólico (tomem esta, Cahiers).

A ausência aqui é Danny Elfman. Mas a partir do momento em que ouvimos a belíssima banda sonora de Stephen Sodheim perdoamos tudo. Porque não é Elfman, é certo, mas resulta muito bem. Estão lá órgãos, é o que interessa. Influências da música londrina da época, diz o senhor Stephen. Sim, parece-nos muito bem. No meu caso, a música só começou a entranhar-se depois do filme – no fim de saber ao que é que corresponde o quê. Mas eu sou uma insensível, por isso não conto. Só com desenhos e imagens é que consigo perceber o que é suposto sentir aonde. ;)

Helena Bohnam Carter. Sim, ela dormiu com o realizador para conseguir o papel. Mas nós importamo-nos? Ná. Além de já ter dado provas anteriores dos seus dotes musicais (em A Noiva Cadáver, por exemplo), quem mais podia fazer da andrajosa Mrs. Lovett? E quem mais deixaria Burton andar aos beijos (um, pequeníssimo) com o melhor amigo? O tamanho dos seus seios oscila de plano para plano? Sim, estão enormes (não acredito que estou a escrever sobre isto), mas quando sabemos que no contraplano está Depp, quem é que presta atenção a eles?

Da primeira vez que vi, tenho de confessar que achei o final abrupto. Porque no fundo eu (e o resto do público, com um ‘oh’ colectivo) era capaz de ver mais umas 5, 6 horas daquilo. Da segunda vez, o final pareceu-me mais natural, o único possível (continuar seria possivelmente estragar), e como já sabia tudo o que ia acontecer, pude deliciar-se com a mestria técnica de Burton, que pode não ser gritante, mas não deixa de ser genial, claro, porque o senhor é um génio (estarei a repetir-me?).

Grandes momentos: o dueto ‘My Friends’, onde Todd se declara às suas navalhas enquanto Mrs. Lovett se declara a ele, o concurso com Pirelli (go go Sacha Baron Cohen), a epifania de Todd, o trio ‘Johanna’ com a aparentemente insignificante vagabunda a cantar city on fire!, e, não podemos esquecer o momento mais out da coisa, o By The Sea, com um acabrunhado Todd a aparentemente ceder aos avanços amorosos de Mrs. Lovett.

Momentos maus? Onde? Não me apercebi…

Atonement (2007), Joe Wright

2008-02-13T17:07:00.002Z

Há muito, muito tempo que um trailler não me despertava tanta vontade de ver um filme. Compreenda-se: a música de Dario Marianelli deixa qualquer ser com um pingo de sensibilidade artística completamente hipnotizado. O uso da máquina de escrever como instrumento musical… Isto numa música deliciosamente tonal, mas que roça o wagneriano em alguns momentos… Mais, a fotografia belíssima que o trailler deixa entrever, as cores, a patine discreta da imagem (sim, Joe Wright nasceu para fazer adaptações Jane Austen e afins, e desde quando é que isso é uma coisa má? Ele reinventou o filme de época, temos de dizê-lo sem vergonhas).

Ora, apesar de tudo o trailler diz muito pouco do filme. What? Sim, muito pouco mesmo. Mais: engana-nos. Ilude-nos. Intriga-nos, supostamente responde-nos, mas afinal dá-nos a volta que nem uns tolinhos.

História? Briony, miúda de 12 anos, surpreende umas interacções românticas entre a irmã Cecília e Robbie, o filho quase médico da governanta – e sua paixão platónica, acrescente-se. Por despeito, por vingança, ou por má interpretação, mete Robbie num belíssimo sarilho, que irá separar Cee do seu amor durante muito, muito tempo, destruindo qualquer possibilidade de felicidade para os três. Porque a cabra ingénua que é Briony resolve estragar também a sua vida em consideração para com a irmã. E depois a guerra. E depois o reencontro, a hora da verdade. E depois… o livro.

Atonement é muito mais que uma história de amor. É uma meditação profunda sobre o que significa o arrependimento e – como é que os idiotas dos críticos portugueses permanecem cegos para algo tão gritante – uma reflexão artística sobre os limites morais da ficção. E se podemos achar que, inicialmente, a opção em dar-nos a ver o ponto de vista de Briony primeiro, depois o que realmente se passou, é um pouco, como dizer, ‘piroso’, quando chegamos ao fim percebemos que devíamos ter mais cuidado com os pontos de vista que nos atiram para os olhos.

Há quem acuse o filme de estar bem filmado demais, o que me dá uma vontade imensa de rir. Que raio de critério é esse? Wtf? E comparar aquele que estou certa se tornará um marco na história do cinema, nem que tenha de ser eu a escrevê-la (já era tempo de uma mulher se propor a isso, para vingar injustiças com géneros ditos menores por uma cambada de estudiosos falocântricos e patriarcais) a um ‘telefilme’ – João Lopes, mas que raio de coisa. Um telefilme é uma coisa assim tão asqueirosa (e digo que não concordo mesmo nada com a comparação, apenas saída de um preconceito enorme para as adaptações de ‘romances’ com protagonistas mulheres, sobretudo)? Bem filmado demais? Exibicionismo técnico? Jorge Sauron Mourinha aposta nesta linha. Hum… ter-se-á enganado na sala e ido ver o Elizabeth II? Isso sim é exibicionismo técnico – mesmo que queiramos só estamos a ver a câmara a mexer, mexer, mexer, olhem que bem que mexo a câmara. Agora a técnica de Atonement – primeiro, nem é assim tão gritante, se exceptuarmos o plano-sequência na praia de Dunkirk. Depois, toda a técnica é justificável pelas exigências narrativas. Eu sei que em Portugal há um certo analfabetismo voluntário das técnicas narrativas hollywoodescas tidas como ‘o Demo, Senhor dos Infernos da Ilusão Cinematográfica e do Entretenimento’, mas noutros países, a câmara funciona como se fosse, digamos, uma caneta, que adjectiva e faz metáforas com a imagem. Oh, entramos no filme, que está belíssimamente construído, banda sonora soberba, imagem linda, linda, linda, e não bocejamos uma única vez, nem olhamos para o relógio. Credo, deve ser terrivelmente mainstream e apelativo às massas incultas! Vamos exorcizá-lo com uma bolinha preta e chamá-lo de piroso! Vade Retro cinema que ganha globos de ouro!

Uf!

(lady sara c, defensora dos filmes em que apenas o tempo provará que até tenho razão algumas vezes)

De novo ao filme. Mais uma vez, obrigada a falar da banda sonora. A interligação do som diegético com a música de Marianelli parece-me um dos mais perfeitos até hoje realizados. Quanto ao tal plano-sequência de tal forma genial que ninguém consegue atacá-lo directamente, preferindo dizer que nem parece do filme, foi inserido a martelo – deuses, são uns 5 minutos de Steadycam a levar-nos por entre um cenário desolador, queriam que continuassem os tons amarelos, e as coisinhas bonitas? Seria ridículo. (mais uma vez no plano-sequência se vê o poder da banda sonora, quando nos aproximamos dos soldados a cantar em direcção ao mar)

Actores: palmas para as três intérpretes de Briony, uma personagem poderosíssima, sobretudo na sua versão infantil (Redgrave destoa um bocado das três, mas perdoamos-lhe porque 1º é uma excelente actriz, e não desilude 2º, dá-nos a Briony verdadeira. Keira Knightley estranhamente sensual no seu vestido verde, ar snob e sotaque, bastante bem (o que é perigoso, porque podem pensar que ela só sabe fazer este tipo de personagens feministas q.b.); James McCavoy, hum, mudança extrema entre o despreocupado Robbie e o soldado demente (assustador neste momento); verdadeiramente detestável e por isso promissora rapariguinha que interpreta Lola, a prima do Norte.

Por fim, falemos do realizador. Quem viu o filme anterior, Orgulho e Preconceito, sentiu que estava ali qualquer coisa, mas que ainda raspava muito à superfície, muito comedido, pouco ousado (é que nem um beijito durante o filme todo), e tirando Knightley, todos pareciam figuritas de cartão. Agora… agora estamos perante uma Gesamtkunstwerke. Será Wright uma reencarnação de Wagner? Será que alguém vai ter vontade de invadir a Polónia no fim de ouvir Marianelli?

De vontades, só de esperar ansiosamente o próximo filme do senhor. E afirmar aos quatro ventos que estamos perante um clássico. E lembrar aos senhores críticos que E Tudo o Vento Levou tem muito mais de telefilme que este, duh, e nada o impede de ser bom na mesma. Frankly, my dears… f*uck them.

Cassandra's Dream (2007), Woody Allen

2008-02-13T16:03:00.002Z

O fim da trilogia londrina. Uma cidade chuvosa que acolheu Woody Allen como seu filho, e, a julgar por Match Point (um dos momentos altos da carreira, digam lá o que disserem), o regresso a uma fase inspiradíssima, com uma nova musa: Scarlett Johannson.

Ora, ao contrário de muitos, eu sei que o senhor Woody é só humano, e como tal não espero que ele me surpreenda todos os anos com masterpieces porque, caso não se lembrem, nem o Ingrid (Bergman) fazia isso. Nem ninguém.

Defendo o direito dos pobres realizadores a sentirem-se menos inspirados. E sim, Cassandra’s Dream é um filme menos inspirado, mas não deixa de ser: 1. do Woody Allen, o que é muito melhor que ser um mau filme, digamos, do Spielberg; 2. comestível. Porque isto de considerar que é um filme abominável só porque antes há a luz brilhante de Match Point… percebe-se que as expectativas talvez estivessem altas demais, mas prejudicar o filme per se por isso… não me parece justo.

Falemos do filme, então. Dois irmãos – interpretados por Colin Farrell e Ewan McGregor – querem ser ricos. A oportunidade para isso surge de uma forma… hum… pouco moral. E eles buga (intervêm aqui também coisas como o valor do sangue, tudo pela família, nada contra a família, etc). Depois – um deles arrepende-se. E tcharam.

No fundo, no fundo, este é o outro lado de Match Point (será por isso que tanta gente ficou desiludida?). Ou seja, o crime e a ambição, neste filme, não compensam. Ohhhh. Moralidade barata, portanto. Tenho de confessar que é tudo muito tragédia grega, muito castigo dos deuses etc, e que por isso tem um travozito a banalidade.

Música? Philip Glass!!!!! Sim, sim, sim. Tercinas para cima e para baixo, a inexorável força do destino, yeah. (devo dizer que não sabia disto antes de ver o nome nos típicos créditos iniciais, e dei gritinhos de alegria que puseram todo o público a olhar para mim desconfiado).

Colin Farrell surpreendentemente óptimo actor, dos olhos inquietos às unhas sujas (interpreta a personagem de um mecânico), e é para mim (que, como digo sempre, não sou ninguém nestas coisas) a mais valia do filme. Já Ewan McGregor podia estar tão melhor que não sei se lhe perdoo. (é uma personagem que não perdia nada por mostrar mais complexidade, e isso antes da cena final no ‘Cassandra’s Dream’, o barquito dos irmãos).

Mais… a técnica não está nada de especial. Quer dizer, não há aqueles deliciosos planos-sequência à la Allen, o que me fez suspirar. Ai… Só campo e contra-campo, e não, isso não é o estilo Woody habitual. Vejam bem os filmes anteriores dele. Bem, bem. Vêem os belíssimos planos-sequência? Cadê deles neste filme? Pois.

Será que a ausência de Johansson justifica esta desinspiração? Sou levada a crer que sim. De qualquer modo, Woody já trocou a cidade do smog pela do Gaudí, e só espero é que se lembre de dar uns saltinhos grandes aqui ao país vizinho. Filmar, quiçá. Se bem que com a sorte que eu tenho, vou estar do outro lado da Mancha quando isso acontecer. Argh.

Não acho que isto seja o início do fim. Repito: todos temos o direito a ter dias menos inspirados, incluindo essa sumidade que é o Sr. Allen. Ele anda a repetir temas? Ouvi dizer que isso se chama marcas de autor. Por muito estúpido que seja, se calhar é isso mesmo. Nem sempre nos caem bem, pelos vistos. E falando nisso, onde estão os one-liners citáveis?

Bom momento: após um acontecimento trágico, as duas cunhadas fazem compras descontraidamente, falando de futilidades – um dos raros momentos allenescos, realmente, de ironia trágica.

Volta Woody Allen, estás perdoado.

Alvin and the Chipmunks (2007), Tim Hill

2008-02-11T14:50:00.000Z

Nada como começar o ano a ver animação. Dobrada em português. Com esquilos falantes. E não, não é um pesadelo.

A animação não é, tenho disso a certeza, um género menor. Os idiotas que dobram os filmes em português deviam era ser queimados em grandes fogueiras. Sim, tenho a convicção que o filme seria menos irritante (quiçá até engraçadito) se não parecesse um episódio manhoso do Dawson’s Creek. Argh….

História? Ok. Três esquilos cantores são levados para a grande cidade numa árvore de Natal. Encontram um compositor frustrado e.. voilá. Revolucionam a carreira dele, ajudam-no a recuperar a namorada e a assumir responsabilidades – os esquilos funcionam aqui, a nível psicanalítico, como filhos do tipo.

Mas como em todos os filmes para crianças, há um mauzão que destrói a felicidade familiar e leva os esquilos em digressão, injectando-lhes grandes doses de cafeína para que eles se aguentem em palco. Também os veste com roupas de rappers mafiosos, com bailarinos atrás e coiso e tal. MTV zoolófila. Ai a indústra da música, o demo o demo, viciadões em café. (aqui não é preciso traduzir, pois não?)

Tudo acaba bem, em mega concerto coiso e tal. Muito natalício. A música dos esquilinhos existe há uns bons 20 anos. Tenho-a em vinyl, para terem uma ideia.

Bem….

A junção de animação com a imagem resulta bastante bem (apesar de ser três Dê), e os esquilos são fofinhos e adoráveis e temos muita pena que eles estejam a ser explorados porque são crianças e coiso e tal e tadinhos e estão quase a ser salvos e, surpreendente, foram salvos mesmo no último minuto e tudo ficou bem.

Eu tenho uma certa idade, meus caros. Vi uns quantos filmes. Filmes de Bem e Mal já não resultam lá muito bem com a minha mente complexa e sofisticada. Se bocejei durante o filme? Não. Mas os estereótipos irritam-me um bocado. E não estou a falar do eufemístico mundo do rock. Estou a falar da treta do adulto criança que não sabe assumir responsabilidades. Quer dizer… Quantos filmes já fizeram com essa premissa? Não chega? Não serão já demais?

Estão a lavar o cérebro às criancinhas. Não sei se elas deixarão assim tão facilmente. Espero bem que não.

Quanto ao aspecto artístico do filme… Demasiado visto. Premissa interessante, os esquilos cantores. Não há problematização de serem esquilos falantes, quanto mais o cantarem. Mas vejamos o lado positivo: vozes de hélio a cantarem músicas de Natal é engraçado. Girinho mesmo.

Momentos que até prometiam? Nem me lembro. Deviam arranjar um novo sistema de classificação para os movies. Assim como há maiores de 18, sugiro que criem a classificação ‘menores de 18’. Por favor. Pelo bem público. E meu também.

(uma crítica desinspirada, eu sei. Tanto ou menos que o filme em si.)